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As Good as It Gets (1997) por TOOLTOBAR

2010-03-06T09:44:00.000-08:00

Increíble que ya haya pasado más de una década desde que salió este monumento: actuaciones memorables, personajes entrañables, un Grifón de Bruselas que se deja como los grandes, muy buena dirección y un humor corrosivo que no deja de ser adictivo… me refiero a “As Get as It Gets” o como fue conocida en español “Mejor Imposible”.

La cinta pone frente a nosotros la historia de Melvin Udall (Jack Nicholson), un escritor reconocido de novelas que a pesar de llegarle a todos sus lectores con su empática forma de redacción tiene el problema que ya frente a las personas es un intratable, egocéntrico y obsesivo hombre. El que le conocemos por estos rumbos como “un agrandado, cae mal”. A pesar de esto, quizás en su mismo carácter obsesivo, tiene una fijación en primer lugar con la camarera que lo atiende todos los días en el restaurante que va a comer: Carol (Helen Hunt) quien soporta los comportamientos, modales y actitudes incomprensibles de Melvin a pesar de ser una empleada con múltiples problemas familiares. Por otro lado y lo ubico en segundo lugar cruza palabras y vistas circunstanciales con su vecino homosexual Simon (Greg Kinnear) quien se dedica a la pintura, todo un artista el tipo que se viene a menos luego de una golpiza en un asalto a su departamento. Y es alrededor de estos dos personajes que Melvin pasará experiencias que le ofrecerán otro punto de vista sobre los conceptos y barreras que tiene por su mismo desorden obsesivo-compulsivo.

La película, en realidad es todo un show completo, las historias que se tejen alrededor de estos personajes son geniales, cada uno con sus vicios y problemas pero con un lado bueno que hay que saber encontrar donde siempre hay que buscar el lado positivo o como lo menciona Melvin: “Always look at the bright sides of life” cuando se la dedica a la mascota de su vecino Greg: Verdell, perrito que es el culpable de que ande buscando uno de estos Grifones por encargo especial!!!! Pero y quién no, si al ver que la cinta está tan bien cuidado en sus detalles que hasta ese “insignificante perrito” cara de ewok tiene tu tajada bien ganada.

Las actuaciones de Jack y Helen le significaron múltiples reconocimientos y yo incluyo además a Greg y cada uno de ellos hacen un conjunto actoral como en muy pocas producciones he podido ver, tan diferentes pero siempre en una misma masa, tan distintos pero iguales…

Por eso si ustedes quieren pasar un momento jocoso, irritante, lleno de situaciones muy reales, pues recomiendo esta película para que recordemos que hay que buscarle el lado bueno a la vida a pesar de nuestros defectos, problemas y dificultades. Excelente película y continuo en la búsqueda de Verdell!!!

TOOLTOBAR

TRAILER "AS GOOD AS IT GETS"

District 9 (2009) por MEMEWOLF

2010-03-06T09:34:00.000-08:00

Es un verdadera satisfacción poder apreciar una propuesta fílmica que rescate uno de los géneros que más impulso al cine en su comienzo pero que lastimosamente llego a ser odiado por muchos seguidores de alma quienes tristemente se sienten cansados y estresados de conformarse de sólo ver grandiosos efectos visuales que desfilan en su último recurso tecnológico pero que al final sólo se encarguen de adornar y rellenar los grandes y “moustruosos” huecos narrativos de la película, olvidándose completamente que lo más importante es obtener una verdadera historia sólida como fundamento más importante universalmente para poder obtener un mejor producto final y que el recurso tecnológico es solamente secundario que aunque impresione más al público costumbrista quienes no se percatan que los efectos visuales y sonoros sirven para cumplir con el papel de soporte para sostener en general la pureza de la película.

El director y escritor Neill Blomkamp con la ayuda de Terri Taychell debutan y aprovechan muy bien la oportunidad de ser respaldados por uno de los mayores promotores del cine terror y ciencia ficción independiente en los años 90's; Peter jackson quien se destaco por su visión fresca, subversiva y muy inusual llamando mucho la atención de seguidores que buscaban nuevas dosis más retorcidas de tales géneros; pero que al final fueron decepcionados con el paso del tiempo por darse cuenta que sus escritores, directores y productoras caían en una forma más fácil de comer del cine siendo seducido por el lado oscuro de Hollywood.

Pero ahora Jackson con mucho dinero en sus bolsillos a costa de la multimillonaria saga ganadora de miles de premios; El señor de los anillos, trata de reindicarse motivando y patrocinando una de las mejores películas hechas de ciencia ficción en los últimos tiempos que se encarga de salvar tal género últimamente manipulado comercialmente por productores y directores de la talla de Michael Bay y compañía.

Distrito 9 encarna una original fuerte dosis de ciencia ficción que aunque lidiando con el trillado y refrito tema: “Como sería si aliens de pronto un día decidieran acechar nuestro planeta” se desliga muy astutamente de tramas de cintas con similar tema, desde la clásica apuesta de renombrado escritor H.G. well “La guerra de los mundos” hasta irrelevantes cintas mas comercializadas como “Día de la independencia” o la comedia de Tim Burton que para mi opinión ya es una clásica: “Mar’s Attack” que de paso ridiculizaba el mismo tema, y aunque llamaron mucha la atención del público y lograron venderse muy bien seguían de cierta forma fusilando la idea principal rematada.

Esta vez aunque igualmente la historia se enfoca como siempre entre la lucha entre la raza humana contra la alienígena, aprovecha muy bien el recurso de tratar un autentico problema enfocado en carne propia en la vida real: el grave problema de la discriminación racial que somete a desencadenar muy graves consecuencias que pondrían con el paso del tiempo llevarnos a un riesgo en el desarrollo de la humanidad.

Con muchas herramientas narrativas y muy buena utilización de simbología conceptual tomando el aspecto problematico que la raza alienigena sufre por vivir en territorio ilegal y luchar constante contra leyes migratorias por negar a residir en territorio prohibido tomando así el gobierno la decisión de expulsar y hasta exterminar colonias enteras de cientos de alienígenas ilegales.

Muy valioso el punto como nos percatamos rápido y disfrazadamente la demanda de la trama como proyecta el problema real de muchos inmigrantes hispanos que en la vida luchan igualmente en la realidad con tales problemas en el exterior y que igual dicho sea de paso remota también el punto de comparar con fachada de caseríos marginales que existen en países tercermundista como el nuestro, dándole así un sentido más denigrante a la imagen extraterrestre que logra hasta provocar compasión y lastima por verse rechazados y discriminados por ser de otro planeta, hablar otro lenguaje ser físicamente horrendos a comparación de nuestro rasgos humanos.

Y hablando de el maquillaje mezclado con lo digital se puede apreciar un nivel ya muy avanzado de terminado visual, no descartando los principios desde el latex hasta esta era digital que logran mezclarlo provechosamente y que comprueba que a tal mezcla va logrado llegar a mayores niveles de realismo pudiendo cada vez menos verse el desligamiento que se notaba en tal fusión en cintas que pobremente se vieron mal por no poder todavía bien ejecutar tal efecto que con todo permiso se lleva de encuentro desde el insoportable “Jar jar bins” hasta elementos más claves como los pseudo zombies del remake “Soy leyenda” con Will Smith hasta monstruos, desde lobos hasta vampiros que hasta para la televisión se ven baratos.
Si habláramos de un sin fin de excelentes ideas muy bien ejecutadas en es cinta no termináramos jamás de aclarar aunque una de las más importantes es que finalmente tomarán razón en tratar con un tema de alienígenas que no radicará en territorio norteamericano “aleluya”...al fin, produciendo así una atmósfera diferente. Es de notar que el tratado y ejecución de cámaras al estilo documentalista y artesanal que inmediatamente nos proporcionan inconcientemente una visión mucho más realista irónicamente sobre un tema ficticio, a igual que la musicalización utilizada que ayuda a la solidez dramática de la historia y que gloriosamente no caiga en ningún momento llegue en lo aburrido y tedioso.

Aunque la cinta se esfuerza en destacar elegantemente muy bien con los fantásticos efectos visuales, lo hace de una forma arbitraria y muy humilde sin necesidad de empapar al espectador pero siempre mantenerlo sujeto por sus adornos visuales sin desmotivar la idea principal.

Otro punto muy importante es que dieran oportunidad de destacarse a actores no muy conocidos que suelen tener un gran potencial y lo único que carece es que surja una oportunidad para desarrollar su don. Así esquivando lo trillado y rayado de utilizar artistas de renombre para enganchar la atención de el público para poder venderse mucho más rápido el producto que algunas veces si efectúan bien sus papeles pero a la larga se sabe de que es más que todo un truco mercadotécnico para llamar más la atención de masas.

Hablando del ritmo narrativo de la historia es muy sorprendente el derrame emocional que va sujeto a un grado nivelado de la cinta y que toma muy astutamente el momento adecuado e inesperado para descargar acción extra que nos va llenando progresivamente de adrenalina hasta llegar a clímax muy altos , moviéndose de una forma pausada pero que aumenta y realza el grado impactante de acción, llevándonos a descargas de emoción por secuencias donde muestra lo destructible y sofisticado como el armamento alienígena es capaz de producir en contra de los humanos que me recuerda mucho y comparo saludablemente con la clásica secuencia de la cinta animada el “Gigante de Hierro” en el momento que el robot se convierte en una arma letal a consecuencias de la misma injusticia humana trasformándose en una verdadera amenaza y igualmente lo más importante; desplegar muy sublimemente nuestro lado humano llegando a dar la razón al lado del alienígena, terminando de odiar a nuestra propia raza por actuar tan inhumanamente como siempre contra razones injustificables contra la naturaleza.

Si por simple “casualidad” Distrito 9 sería como siempre ignorada de la lista de ganadoras de la noche de los oscares como miles de cintas ya es un logro la cantidad de nominaciones aunque es mucho mayor logro poder compartir opiniones positivas con quienes de verdad para mi son mucho más importantes que los intelectualoides críticos de la academia, los verdaderos seguidores de cintas quienes se rebuscan por buen cine y que se rehúsan a ser parte de masas comerciales que al final terminan siendo pobremente opacadas y que aunque seamos pocos pero con el orgullo de no vendernos a lo mediocre propuesto por Hollywood.

MEMEWOLF

TRAILER DISTRICT 9

Vincent (1982) por TOOLTOBAR

2010-03-06T09:29:00.000-08:00

Tim Burton, se ha caracterizado por trabajar muchas piezas cinematográficas con un respeto a su estética y su particular forma de ver el arte y esto se puede evidenciar hasta en sus primeros proyectos que fueron trabajados para compañías que manejaban de forma tradicional la animación, nos referimos a Disney.

Vincent es un cortometraje, el primero que dirigió Burton y que narra la experiencia de Vincent Malloy un niño de 7 años que está obsesionado con el clásico actor de terror de mediados del siglo XX Vincent Price; así como las lecturas tétricas y lúgubres de Edgar Alan Poe. Bajo estos tutores, el joven pasa entre el mundo de la realidad (su madre, tía y mascotas) y el mundo de la fantasía (junto con monstruos, arañas y vampiros) casi rondando en una pequeña locura infantil.

En este vagabundeo de experiencias apreciamos las preocupaciones, los sueños y los miedos del joven Vicent bajo la atmósfera característica de la mayoría de las películas de Tim Burton.

En realidad el corto viene siendo una adaptación de una poesía hecha por Burton, en rima al mejor estilo del doctor seuss y utilizó como narrador al mismísimo y siempre grande Vincent Price que si me lo preguntan, la realiza de manera extraordinaria y emotiva; quizás por la misma hoja de vida del actor que le resultó muy familiar trabajar sobre esas temáticas.

Es admirable apreciar a Burton haciendo sus primeros trabajos y observar ya una estética muy depurada, una idea clara de cómo quería que se vieran sus personajes, todos ellos llevados a la vida a través de la técnica del stop motion que mantuvo en varios largometrajes, siendo el más famoso: The Nightmare Before Christmas, donde por cierto si compran el dvd allí viene disponible este cortometraje junto con otro clásico de Burton: frankenweenie, pero como decimos eso es harina de otro costal o le dedicaremos otra entrada completa. Mientras les invito a disfrutar de este corto para que nos maravillemos de la obra completa de este director y no sólo de lo que es evidente del mismo en las salas de cines mundiales.

TOOLTOBAR

VINCENT (1982) CORTO DE TIM BURTON

Trick 'r Treat (2008) por Memewolf

2010-03-06T09:21:00.000-08:00

Cuando de paso me fijé en el afiche publicitario de esta cinta, creí descifrar que era una más de esas pésimas propuestas que solamente se unen a la fila de tantas películas de terror barato que últimamente descienden pobremente “del más allá”...y que a la larga sólo tratan de llegar a ser un mediocre producto que a lo mínimo tan solo sirven para complacer un grupo de bichada que lo único que buscan es disfrutar el momento en grupo tomando cervezas, fumar unos cigarros y que lo menos que les pueda interesar es ver una buena propuesta de terror que puedan al final cambiar su irrespetuosa débil visión del cine para poder apreciar y estimular una muy rescatable pieza del género que se ha forzado por apostar y rescatar esa corriente desperdiciada últimamente.

“Trick’r Treat“ o como en español se le llamará: “Dulces o travesuras” es una fresca y moderna propuesta del género que venera tributo a esa corriente que cautivó de una forma enfermiza a muchos amantes del terror que desde pequeños fueron o mejor dicho fuimos motivados a desarrollar inquietudes de cualquier índole por este subgénero y ser motivados a buscar más producto de esa nueva corriente al estilo “underground” en los ochentas que de paso rescató las raíces iniciadas con la legendaria serie “twiligth zone” conocida como “Dimensión desconocida” que debuto en telévision en blanco y negro en la década de los 50”s despertando una corriente nefasta y innovadora a comparación del tradicional prototipo de terror lineal narrativo en esos días. Motivando así una moderma visión y tratado mucho más dinámico y juguetón que diera libertad para poder adaptar historias mucho más surrealistas hasta llegar a desenlaces más abstractos y inesperados pudiéndose concentrar más en lo sobrenatural lo mágico y hasta lo fantástico.

Así de igual manera “trick’r treat“ se une a la corriente de series televisivas de los 80’s como el remake de “Twiligth Zone”, la serie “Tales fron the darkside” hasta cintas de culto como ”Trilogy of terror” e igual la trilogía ochentera de George Romero y Stephen King: “Creepshow” hasta llegar incluso a la serie noventera producida por una alianza de directores de renombre como Robert Semeckis, Richar Donner entre otros como es: “Tales from the cript” que a lo mejor nunca trataron de ser un bombazo comercial para caer bien con los críticos pero si para complacer a un público más enfermizo de tal gusto y poder centrarse en poder seguir dando satisfacción a fieles seguidores de culto que respetuosamente se convirtieran una secta de fans de la corriente que cualquiera puede referirse como un producto no muy factible a lo taquillero y comercial al gusto de la majada pero que al final eso no es era el punto
importante por el cuál fue fabricado si no más bien para complacer a la esencia por la cual se hizo: los fieles seguidores.

Me atrevo a puntualizar y asimilar que esta cinta venera a cierta corriente mencionada, aunque esta vez retoma cliches de tal corriente pero con un estilo visual más moderno que se enfoca en tal fijación fílmica y además de da el lujo de modificar respetuosamente y muy constructivamente el tiempo narrativo no innovador como pieza cinéfila pero si innovador en tal género que me atreviera a decir que mezcla positivamente el ritmo narrativo propuesto inicialmente por Tarantino que a mi opinión plasmo esta forma no lineal del tiempo con su obra maestra “Pulp Fiction”,tomado está vez esta herramienta para fusionarla con el toque de las premisas obras de Sthephen King y sin olvidar el toque nefasto fundido por el ilustrador y director de la cinta Michael Dougherty que después de más de diez años de darse a conocer con el oscuro corto “Season greetings” del cual proviene la raíz de esta cinta. Así jugando con una trama principal pero a la misma vez ligada por cuatro cortas historias de terror llenas de muy peculiar retorcido sentido de humor negro que se atreve a contrallevar en un deslineal tiempo a cuatro historias desarrolladas en una sola noche de las brujas.

Está muy bien ejecutado el proporcionar muy buen dinamismo al lenguaje narrativo haciéndolo ver más moderno que aunque repito hemos podido apreciar desde cintas de Tarantino hasta propuestas con la misma fijación de tiempo como “Amores Perros”, la inolvidable “11:40” que dicho sea de paso han sido una verdadera lastima que solamente podemos saber que existen por ser recomendadas por opiniones muy rebuscadas por amigos o conocidos que andamos en el mismo lúgubre gusto.

Aunque sé que para la mayoría de “no creyentes” pensarán que es mucho que decir de una cinta que por sus caprichosos y inesperados desenlaces de cortas historias que no nivelan la solidez de lo serio por enfocarse más sarcásticamente sobre cuentos urbanos.

Por eso puedo recomendar esta propuesta a muchos seguidores de tal gusto (retorcido) plasmado visualmente en secuencias hechas a lo cómic books con un toque muy artístico ilustrativo en su origen que posiblemente a muchos les parecerá hasta muy “cómico y desligado de el verdadero terror” y que llegue a provocar ser sólo una burla por sus quizás demasiadas secuencias llenas de humor negro y llegar a ser mal interpretada para tomarse como pureza de horror y llegar a parecer demasiado blando como para encajar a tal corriente, pero como repito para seguidores de el verdadero caldo de este sub-género que contrasta el cine con los cómics muy fundidamente atreviéndose a exponer sus brillantes ideas, sus lúgubres visiones y sus enfermizos personajes para poder satisfacer a muy mínimo fiel grupo de seguidores.

Y hablando de enfermizos personajes está muy bien distribuido el espacio de tales en el transcurso de la cinta que se aprecia muy minuciosamente la elaboración de cada uno, se puede apreciar una serie de me atreviera a opinar que la pequeña criatura con máscara de calabaza llamado “San” debería inmediatamente pasar a ser parte de los iconos de terror dentro de la respetable galería de personajes clase “A“:de la talla de Reagan del exorcista, Michael Myer (Hallowen), Jason Voorges de Friday 13, Freddy Krueger o la verdadera estrella de la cinta “Child’s play”...“Chuky” que comenzó como una muy interesante idea para una buena historia de terror y que al final se convirtió innecesariamente en un de los más famosos churros de terror del cine por sus incansables y baratas secuelas, pero bueno como dicen: “ese es otro pisto”.

MEMEWOLF

TRAILER TRICK 'R TREAT

Eraserhead (1977) por TOOLTOBAR

2008-09-22T13:04:00.000-07:00

David Lynch… David Lynch qué más se puede decir del director que cuando se le pregunta de qué trata su proyecto responde tranquilamente que ni él sabe qué está filmando. Un monumento a la ambigüedad y la falta de certeza, aspecto que lo ha llevado a ser un genio, un caos completamente estético, una contradicción mucho más coherente que cualquier intento sensato de directores sin compromiso artístico en la actualidad.

Hoy comentaré una cinta que tardo varios años en realizarse, no porque era un proyecto compulsivo y obsesivo, sino porque simplemente le costó un mundo al director conseguir los fondos para poder realizar un proyecto en el que muy pocos creyeron pero que en la actualidad es un joya, aún desconocida, dentro de los rumbos de la experimentación fundamentada en la cinematografía, así como lo fue “Un Chien Andalou”, del los por siempre grandes Luis Buñuel y Salvador Dalí.

Supongamos que Eraserhead es estrenada en la actualidad, resultado: una turba de gente incendiando las salas de cines producto de la tremenda frustración y otra serie de sentimientos encontrados por no haber encontrado un final feliz y banderas ondeando al son de la victoria del ejército “bueno”... en pocas palabras como un resultado de sentirse timados por haber visto semejante aberración como muy pocas veces se han visto.

Pero saliendo del supuesto sólo nos queda redactar un poco acerca de la vida complicada y tensionante de Henry Spencer (Jack Nance), un tipo que se mueve en una saturante atmósfera visual industrial, una rutina que no lleva mayor rumbo, donde se camina pero no hay ningún destino claro aparente. Del apartamento al “algún lugar” y viceversa; en uno de esos días, una vecina de Henry le notifica que ha recibido una invitación de la familia de Mary, la ex novia, invitación que acepta el protagonista.

Ya dentro de la casa de la familia de Mary, se entera que su ex novia ha dado a luz a un hijo y que todo apunta a que Henry es el progenitor, el resultado es la boda casi obligada lo que significa que ahora Henry tendrá que convivir con Mary y su extraño hijo. La situación se comienza a poner mucho más complicada ya que el desesperante llanto del bebé satura tanto a Mary que decide abandonarlos y un agobiado Henry tiene que convivir con una grotesca imagen del bebé.

Esta es la parte más lógica dentro del desarrollo de Eraserhead, por lo demás hay un tratamiento extraño que se mueve entre los mundos de los sueños, la mente, el surrealismo haciendo más complicado el hecho de encontrar un hilo de coherencia. La película fue filmada en un blanco y negro que remarca mucho más el ambiente deprimente de la caracterización del Henry y los lúgubres y asfixiantes ambiente que es el común para él. Hay un manejo entre ideas en un mundo lógico y abstracto y el desarrollo del director en construir una estética chocante, encuadres por ratos minimalistas y absorbentes, y una composición que en general lo único que puede evocar es un estado de agobio, de desencanto e inconformidad, algo muy envidiable ya que muy pocas películas logran estimular los sentidos de esa manera.

Toda la película se desarrolla con un extraño sonido que por ratos parece un siseo, el viento o una especie de sonido industrial el cual se intensifica en momentos y por ratos desaparece. El bebé es un completo fantasma que persigue a Henry. Contradictorio, grotesco, repulsivo, abstracto por momentos, con pizcas de humanidad en otros, por ratos malicioso y conciente en sus actitudes, por momentos una completa aberración a la naturaleza o al ideal de paternidad que todos manejamos. Los efectos especiales es de mencionar que estuvieron a cargo de David Lynch y son muy interesantes apegado plenamente a la función dramática de la película.

Jack Nance, requiere una mención especial, en la caracterización de Henry, demostrando un personaje enigmático, complicado y a la vez muy empático que llega a quedar tan ubicado en la mente del espectador que es considerada como unas de las actuaciones memorable dentro de los diferentes proyectos de David Lynch. La vida de Jack fue un tanto extraña al igual que este personaje, una vida que fue difícil si se considera que su esposa se suicidó en 1991 y a las vísperas de 1997 el actor de teatro y cine murió bajo extrañas circunstancias víctima de una pelea que le ocasionó severas lesiones en la cabeza.

El proyecto de Eraserhead es una de esas ideas que juegan con una clara aceptación a la ambigüedad para poder tolerarla y, partiendo de eso, detectar que dentro del caos y desorden puede haber genialidad y un espectacular festival para los sentidos proveniente de la retorcida mente del director.

Excelente película, una de las escogidas en definitiva, en realidad una obra de culto que debemos ver, sea el que sea el resultado que nos provoque al terminar, no hay que buscar una explicación y un ritmo lógico... simplemente disfrutar. Grande Lynch y espectacular Jack Nance, donde quiera que estés.

TOOLTOBAR

TRAILER DE ERASERHEAD

Braindead (1992) por TOOLTOBAR

2008-09-22T12:46:00.000-07:00

A Peter Jackson mucho se le conoce por ser el director monumental que ha dirigido proyectos muy ambiciosos reconocidos en todo el mundo tanto por críticos como por el público en general. Proyectos como la trilogía de Lord of the Rings le aseguró un éxito dentro de la taquilla y tuvo que salir de la entrega de los premios Oscar como que era Santa Claus (al mejor estilo navideño) con un tremendo saco lleno de estatuillas.

Luego con proyectos como el remake de una de todos los tiempos King Kong donde realizó una adaptación aceptable agregando su estilo desenfadado y como siempre una visualización espectacular.

Pero pocos conocemos al Peter de los primeros años, encargado de revolver tripas y hacerte reír con un nudo en el estómago y fue desde ese inicio que el actor neozelandés entró en los mundos del gore, el latex y los sesos explotados con proyectos como Bad Taste y otras. Ahora hablaremos de una cinta que fue estrenada en el año de 1992 una historia curiosa, entretenida, no muy novedosa pero sí extremadamente divertida para la vista y que en fondo requiere un estómago a prueba de balas y una mente extremadamente abierta hasta llegar al nivel de ver con agrado escenas de vísceras separadas de sus “propietarios” y a pesar de eso, continuar con sus actos malvado y, por qué no, soltarse algún buen pedo entre escenas. Estamos hablando de Braindead, en español “Tu madre se ha comido a mi perro” o “dead alive” en los mercados de Estado Unidos.

La historia se desarrolla allí por mediados del siglo XX, donde un joven Lionel vive junto a su sobre protectora madre (al mejor estilo del clásico Psycho) quien a parte de tenerlo como un perrito en sus faltas no presta ganas para hacerle la vida imposible en cualquier intento de vida independiente de Lionel (Timothy Balme); a pesar de esto el joven se enamora de Paquita (Diana Peñalver). En un intento por averiguar qué hace su hijo a sus espaldas, la madre sigue a los jóvenes hasta llegar a un zoológico donde es mordida accidentalmente por un extraño animal de Sumatra, específicamente de la Isla Calavera, que es portado de un extraño virus que transforma a todo lo que muerde en zombies irracionales, sedientos de carne, cerebros, sangre y tripas.

Al percatarse Lionel del cambio de su madre comienza a tratar de ocultar la situación, sin embargo para desgracia del hijo, la madre “muere” arrollada. Luego del funeral Lionel decide desenterrala, situación que se le sale del control y la madre ataca e infecta a varias personas. Lionel ante esto decide encerrar en el sótano a su madre y encerrar además a todo lo que podría dar indicios de la extraña plaga que se está diseminando por el pueblo producto de su querida progenitora, quien es acompañada entonces por otras víctimas, incluido un sacerdote experto en artes marciales y una enfermera que a la larga serían los progenitores del bebé zombie Selwyn (un completo show dentro de la película).

La situación se sale del control de las manos de Lionel y los zombies comienzan a infectar a todos los invitados de una fiesta organizada por el tío Less, quien celebrando la herencia de la nueva casa de la hermana encuentra un completo espectáculo de gore como muy pocas veces se ha visto.

La cinta busca explotar temas que ya son muy comunes pero les agrega un toque de exageración, con un gore caricaturesco pero que no deja de incomodarte, donde quizás nosotros podamos reconocer el latex y lo sintético de muchas de las materias orgánicas y partes humanas pero que luego de unos minutos comienzan a comprimirte el estómago y alejar la comida que se tiene cerca ante lo repulsivo de algunas escenas, por no decir de toda la cinta.

La cinta es considerada de culto entro los seguidores de este género y es de notar escenas memorables y bizarras como la matanza de zombies con la podadora de césped, el tío Less transformando la habitación en una completa carnicería, el bebé indeseable y un sin fin de situaciones incómodas creando una atmósfera donde se llega a un momento donde no se sabe si es lo adecuado reir o mostrar repulsión, un completo ejercicio de incertidumbre que a la larga hace genial está producción por sobre otras del mismo género.

El final, de lo más predecible, como muchas películas han finalizado y finalizarán, pero con el agregado que te deja un mal sabor de boca, todo ha acabado pero queda el recuerdo de ese despliegue de osadía llevado a cabo por Peter Jackson y compañía. Una excelente producción para comprobar que el gore y el humor pueden trabajar de la mano, sólo hay una delgada línea que los separa, en Braindead, sencillamente esta barrera no existió. Excelente película para espectadores con estómagos a prueba de holocaustos nucleares.

TOOLTOBAR

LA PODADORA DE CÉSPED DE BRAINDEAD

eXistenZ (1999) por TOOLTOBAR

2008-09-22T12:34:00.000-07:00

La tecnología en nuestros días se ha convertido en algo muy íntimo para cada uno, llegando a niveles de compenetración tan avanzados que en algún momento las simbiosis propuestas por David Cronenberg en muchas de sus películas quedarán como mensajes previendo ese tipo de relación. En este caso no es muy alejado pensar en juegos de video que nos lleven a mundos virtuales donde los usuarios experimentan niveles de abstracción tan grandes que en un simbolismo podemos asegurar que se llega a un momento de no saber distinguir entre las necesidades reales y las creadas por todos estos dispositivos.

Frente a esta extraña idea, es que el director canadiense explora sus conceptos y metáforas en una historia entretenida y muy digerible pero que no deja de jugar con conceptos no tan evidentes sobre la problemática entre la ética, la tecnología, los humanos, su unión y porqué no decirlo, su convivencia.

Para revisar su potencial dentro del desarrollado mundo de los juegos génicos, eXistenZ es experimentado en un grupo de jugadores virtuales. La prueba cuenta con la presencia de la creadora del juego, la extraña y solitaria Alegra Geller (Jennifer Jason Leigh), quien es considerada como la punta dentro del diseño de juegos situación que le significa tener tanto admiradores como detractores (amantes del mundo sensorial real).

En la experimentación, Alegra es atacada por uno de estos terroristas quien con un arma fabricada de huesos y dientes, logra burlar las medidas de seguridad del local; el atacante es repelido y esto obliga al encargado de la seguridad Ted Pikul (Jude Law) a proteger a la diseñadora de juegos en un mundo donde las nociones sobre la realidad y la ficción, la vida orgánica y la virtual no serán del todo claras.

Cronenberg nos entrega otra historia muy interesante, sólida; donde el misterio de saber si se está en la realidad o la ficción queda incluso relegada a un segundo plano frente a la reflexión que podemos experimentar sobre el nivel de dominio que las tecnologías pueden ejercer sobre nosotros al grado de crear dependencias que quedan plasmadas por el director incluso en niveles tan personales como la sexualidad o la satisfacción humana.

El mundo tradicional no ofrece mayor cosa para nosotros, somos parte de un engranaje muy bien elaborado, no hay mayor cosa, salvo las rutinas que a la larga nos consume la vida, eXistenZ es la solución, donde somos parte de una historia prefabricada para que la acción esté desde un inicio hasta dónde lleguemos en el juego, un mecanismo para huir de la realidad y ubicarse en un sustituto mucho más atractivo y a la larga mucho más seguro.

Las analogías de integración de David Cronenberg son muy directas, el sistema de eXistenZ es una tipo de consola creada a partir de anfibios, en pocas palabras en un organismo vivo que entra en contacto con el humano a través de un puerto ubicado en la parte baja de la espalda, específicamente en la base de la columna vertebral, para jugar es necesario ese tipo de dispositivo y el hecho de no tenerlo representa una especie de virginidad dentro del mundo de los juegos génicos.

Las actuaciones son muy justas y al igual que el concepto desarrollado dentro de la película, están muy integrados en la historia y no podemos decir que haya un protagonismo tan abrumador de parte de Jessica o Jude, quienes junto con los demás personajes y situaciones trabajan para desarrollar la base de la historia de eXistenZ.

Una historia entretenida, no tan retorcida y grotesca como otras producciones de Cronenberg pero si muy atinada para retratar estos conceptos entre lo real y lo virtual, muy recomendada para pasar hora y media con una historia de ciencia ficción con un poco más de pensamiento en el transfondo que otras producciones que tratan de retomar estos temas.

TOOLTOBAR

TRAILER DE EXISTENZ

BLUE VELVET (1986) por TOOLTOBAR

2008-08-12T15:02:00.000-07:00

CRÍTICA DEDICADA AL FANÁTICO Nº 1 DE BLUE VELVET Y FRANK BOOTH, MI HERMANO MENOR LUIS. BROTHER VA POR VOS!!

Esta vez comentaré otra de las extrañas películas del director estadounidense David Lynch. Blue Velvet (1986) es una complicada historia donde se explora los lados retorcidos del humano; así como una artera crítica a la cultura de las apariencias.

Digo complicada no precisamente por la compleja historia de tintes surrealista que el director utiliza en otras producciones como Lost Highway o la incomprendida MullHolland Dr. sino por lo complicado y hasta podrido de los personajes, encabezados por el desquiciado Dennis Hopper en un papel que creo que no será agradable para muchos por ser un tipo de villano creíble y que se puede encontrar en la esquina de nuestras calles.

La historia de desarrolla en un sereno vecindario, típico con escenas de una vida lenta donde la corta de césped, las calles llenas de hojas y los ruidos naturales envuelven el ambiente de los pobladores. En el diario vivir, el joven curioso Jeffrey, interpretado por Kyle MacLachlan, descubre que la serenidad del vecindario es una aparente fachada donde se oculta un submundo que muy pocas personas pueden imaginar. Jeffrey encuentra en un césped una oreja humana, situación que a aparte de sorprender motiva al joven a iniciar una investigación por su propia cuenta para desenmarañar el misterio. Con la ayuda de Sandy (Laura Dern), Jeffrey a través de los primeros indicios decide buscar un poco de información y pistas en el apartamento de Dorothy Vallens (Isabella Rossellini), una cantante de bar con un encanto muy perturbador; siendo ésta la maldición del intrépido Jeffrey ya que una vez dentro del apartamento entrará en un mundo que es desconocido, retorcido y muy contradictorio con relación a la calma y aire de paz que se respira en el vecindario; un mundo inusual que es encabezado por Frank Booth (Dennis Hopper) el enfermo, drogadicto, fetichista y desagradable personaje que hace la vida imposible a Dorothy y a la larga a todos los que se interpongan en sus desquiciados planes.

Dennis Hopper, ofrece a mí gusto uno de los papeles más desagradables (en el buen sentido de la palabra) del cine, un papel que llega al punto de generar una reacción de repulsión con la entrada triunfal al apartamento de Dorothy y lograr eso es decir mucho sobre la complejidad del personaje y la excelente caracterización siniestra de Hopper; quien por sobre su grupo de secuaces, hace una excelente dueto con Ben (Dean Stockwell) quien a pesar de su pequeño papel logra dejar un sin sabor.

David Lynch nos entrega una producción que ronda en lo extremo, entre lo bello y lo grotesco, lo sano y lo insano, lo sencillo y lo complejo. Una crítica hacia las apariencias y la idea que sobre un aparente piso de belleza se pueden ocultar las situaciones más perversas, separadas simplemente por el delgado velo de las apariencias. Una dirección que ofrece una solidez y un enfoque muy perturbador de historias que en realidad no son novedosas, películas con el “happy ending” y todo lo clásico, pero completamente rediseñado a partir de la riqueza de personajes, una estética particularmente extrema y por momentos chocantes generados por una relación plenamente emotiva por sobre el nivel de intelectualidad que aparentan las cintas de Lynch, cosa que no comparto, ya que el director ha logrado desligarse de esas cintas que son complicadas sin ningún sentido o concepto bajo la idea de parecer interesantes y se consideradas como “cine de arte”.

Esto demuestra que para encontrar excelente piezas cinematográficas no es necesario irse directamente al lugar destinado para las obras de cine de arte, ya que el hecho de encontrar una excelente cinta no lo debemos entender como “uso exclusivo” de Europa u otros lados; Blue Velvet es un cinta que presenta temas muy comunes, hecho en la dulcera de Hollywood, pero con un enfoque retorcido en cuanto a caracterizaciones, fotografía, cinematografía, musicalización (excelente) y una evolución, desde mi punto de vista, de lo surrealista y abstracto que puede ofrece esta tendencia cinematográfica.

Blue Velvet es una excelente producción, una cinta que por sobre el final tradicional, es interesante por la exploración de temas que son muy ficcionados y que a la larga no son creíble o son un simple entretenimiento. Excelente recomendación para personajes que se quieran adentrar y romper un poco el sentido del ideal americano. Grande Lynch y grande Dennis Hopper.

TOOLTOBAR

TRAILER DE BLUE VELVET

NABOER (2005) por MEMEWOLF

2008-08-12T14:57:00.000-07:00

Director: Pål Sletaune

Cuanto posiblemente será el tiempo que se necesita traer una buena película a las salas de cine de nuestro pequeño pero muy comercializado país, con casi setenta pantallas las cuales la pueden exhibir? es un incógnita que hasta "la dimensión desconocida" desconoce...

Aunque los estrenos comerciales mundiales llegan hasta algunas veces cronometrados en las horas de la premier global y aunque hay mega cintas que se lo merecen o mejor dicho nos merecemos ver, siempre existen fiascos que cuando pasa la buena cosecha de películas veraniegas llegan a las salas de cine a ocupar espacio que alguna buena cinta independiente o de bajo presupuesto puede tener oportunidad de ser vista en la pantalla gigante promoviendo la anticultura al público y solamente importándole llenar los bolsillos de lo mercadotécnicos dueños de salas de cines de nuestro país.

Después de extra emocionarme escribiendo el discurso de lo que casi todos ya sabemos y que siempre repito con mucha furia y resignación con diferente película buenas que sólo pudimos saber y conseguir a través de recomendaciones de fanáticos "enfermizos" con iguales gustos que se encargaron de rebuscar por comentarios en la web o por otro obsesivo cinéfilo.

Mejor trataré de argumentarles una pieza de la clase similar de cintas Thriller psicológico como The machinist o The Dark hours, las cuales días después de verla uno aún se pregunta acerca de su contenido, su nombre Next Door o como se llame en su original nombre noruego "Naboer" que pasado al castellano sería "vecino".

En "Naboer" o Next door conocemos a John (Kristoffer Joner) quien acaba de terminar una relación amorosa con su ex novia Ingrid (Anna Bache-Wiig) por problemas de carácter emocionales, los últimos días viviendo juntos por lo cual Ingrid ha decidido dejar a John y marcharse del apartamento, John desde esa situación, quedándose solo y triste conoce a sus dos bellas pero misteriosas vecinas al lado de su apartamento Anne (Cecilie Mosli) y Kim (Julia Schacht) quienes jamás anteriormente se había percatado de que vivían a su lado y con quienes comienzan una extraña conexión la cual lo involucrará en una rara forma de romance sadomasoquista que progresivamente lo llevará a trastornarse más emocionalmente desde el problema con Ingrid, llegando a un punto de no poder percibir la realidad con cosas tan fuera del orden normal de su vida.

Next Door es una cinta de las cuales a iguales de su mismo género, lo más conveniente es no saber muchos puntos claves de su argumento y conservar solo el punto guía de la historia para poder apreciar mucho mejor uno de esos giros de 180 grados los cuales disfrutamos tanto sí son muy bien utilizados como los del maestro Alfred Hitchcock que puso de moda con Psicosis y años más tarde Jacob's Ladders.

Como muchas otras que no necesitan mayor escenario para poder explicar y poder tener motivados al espectador hasta un desenlace satisfactorio al igual que un reducido elenco muy brillante, Next Door es una pieza del género de suspenso que llena muchas expectativas para poder disfrutar en muy corto tiempo pero lleno de tensión con un toque de erotismo enfermizo como ingrediente extra que llegará a ser clásica escena y con un final que posiblemente sea predecible para muchos pero con una sensación de escalofrío que nos puede motivar a tratar de analizar desde un momento hasta muchos más días, muy buenas pieza de cine independiente y no quiero ponerlo como pista pero al igual que the dark hours con un final que termina de construir la incógnita de la historia, una muestra de buen cine no hollywoodense.

Memewolf

TRAILER DE NABOER

AMERICAN HISTORY X ( 1998) por TOOLTOBAR

2008-08-12T14:46:00.000-07:00

La historia americana X es una producción dura y una forma muy particular de ver las ideas y las construcciones mentales reflejadas en prejuicios y estereotipos que pueden llegar a consumir y destruir a los individuos junto con todas las personas que se encuentran alrededor de ésta.

Bajo la dirección y fotografía de Tony Kaye, la Historia Americana X se ubica en un multicultural barrio promedio norteamericano el cual experimenta todos los problemas por diferencias culturales al convivir personas de diferentes razas y credos. Derek Vinyard (Edward Norton), un joven blanco, impactado por el asesinato de su padre a manos de una persona afroamericana y asesorado por el creyente en la supremacía blanca Cameron Alexander (Stacy Keach), se llena de ideas sobre discriminación, racismo, nacionalismo y violencia para con las personas que no corresponden a su etnia, asegurando que éstos se encuentran saqueando a los Estados Unidos y contaminando a sociedad con una cultura foránea.

Ante su enorme potencial para dirigir y convencer, Derek rápidamente se convierte en el líder del movimiento que opera en el barrio sembrando odio y terror no sólo a los inmigrantes sino también a su familia al ver el distorsionado pero convincente discurso del joven. Es tan extremo el comportamiento que se convierte en un asesino al poco tiempo, lo cual le significa tres años en la cárcel donde conocerá varios puntos de vista que le harán reflexionar sobre su postura.

El problema para la familia Vinyard se complica, mientras Derek se encuentra en cárcel, ya que el hermano menor de la familia Danny (Edward Furlong) comienza a inmiscuirse en los ideales neonazis siguiendo ciegamente los pasos del hermano mayor, que es considerado como un semidios por su grupo; esto genera un tremenda preocupación en la madre de Danny (Berverly D’Angelo) quien está viendo como la vida del menor de la familia toma los mismo senderos que Derek.

American History X, es una crítica muy interesante sobre cómo los prejuicios sociales pueden llegar a destruir y complicar a las personas, esto sin identificar quién es el bueno y quién es el malo, punto muy favorable dentro del desarrollo de la cinta pues no nos dicen si los afroamericanos o los hispanos o los blancos son los culpables o responsables sino más bien, trascienden en la forma de presentar al problema como algo mucho más complejo algo que se origina en los principios que manan de una estructura social y no por las características raciales de los individuos.

Edward Norton, ofrece una actuación muy sobresaliente y convincente como el joven con ideales neonazis que busca en el fondo ubicarse en un lugar o situación que justifique la situación que culminó con el asesinato de su padre. Norton es un actor muy ecléctico que logra vender de buena manera sus productos a través de formas muy variadas, razón por la cual todavía está presente dentro de las carteleras como uno de los fuertes y sobresalientes en la actuación de Hollywood.

Edward Furlong (el mítico John Connor en terminator 2) ofrece una actuación atinada como el hermano menor de la familia que sigue los pasos del mayor, teniéndolo como un referente dentro de su forma de actuar; mientras que, aparte de ellos, le reservo una par de minutos de palmas para la eterna esposa de Chevy Chase en las inmortales Vacaciones Familiares; ya que acá ofrece un giro al ofrecer un papel muy dramático y entregado, como toda madre, genial en pocas palabras.

La dirección dentro del desarrollo de la cinta nos ofrece una historia actual que es la reflejada a color, mientras que todos los flashback que se dan dentro de la cinta son en blanco y negro, llamando la atención aparte de eso, las tomas en detalles donde queda evidenciado el excelente trabajo dentro de la fotografía de la cinta. Los ambientes, diseño de vestuario y musicalización por demás está decir que es muy acertada, alejándose del clásico error de ubicar conductas y hábitos que no corresponden a determinados subgrupos sociales.

American History X es una excelente cinta, muy recordada por abordar un tema muy complejo como la discriminación racial donde los buenos y los malos no son las personas como tal, sino todo el esquema social que se va reproduciendo, por diferentes factores, en las mentes de las mismas. Excelente película.

TOOLTOBAR

TRAILER DE AMERICAN HISTORY X

THE IRON GIANT (1999) por MEMEWOLF

2008-08-12T14:40:00.000-07:00

Director: Brad Bird

A finales de los 90's Brad Bird quien colaboró encargándose de varios episodios de el programa de animación para adulto "The Critic", siendo asesor ejecutivo de la serie ya de famosa “The Simpsons" y ganador de cuatro premios oscar por haber creado la majestuosa “Los increíbles” y la brillante Ratatouille, se encargó de dirigir una de la mejores películas animadas en los últimos tiempos como es El gigante de hierro que aunque fue todo un fracaso de taquilla por no saber promoverla publicitariamente para poder venderla de manera satisfactoria al público haciendo que pasara casi desapercibida en las salas de cine, aunque ahora es una pieza que ha llegado a ser ya de una cinta culto para muchos seguidores no por ser una creación del genial Brad Bird sino por ser merecedora de ser vista para muchos que no han tenido el placer de ni siquiera saber de ella.

La historia se enfoca en un tranquilo y pequeño pueblo en los años 50's encontrándonos con Hogarth Hughes un niño huérfano de padre que sueña viendo ciencia ficción en la televisión en blanco y negro y coleccionando cómics de la vieja escuela. Una noche Hogarth solo en su casa es sorprendido por una criatura robótica gigante caída del espacio la cual le ayuda a poder escapar de ser electrocutado por una planta eléctrica, creando una solidaria amistad entre Hogarth y el robot del tamaño de un edificio, que después tomarán el riesgo de posiblemente ser perseguidos por personas que lo creen una amenaza para la ciudad y que decidirán que será mejor exterminarlo.

Tomando el viejo tema y rumbo como una mezcla entre King Kong, E.T. y Terminator 2 que tales fuerzas militares, gobierno y personas de mala intensión que tratarán de destruir a tal criatura que a simple vista resulta amenazadora y que puede acarear destrucción y muerte a nuestra sociedad por su imagen extraña, tamaño corpulento y forma inusual de comportamiento aunque realmente sea inofensivo, será una reacción lógica que sí es atacado resultará en convertirse en una verdadera amenaza para el humano por tratar de defenderse o defender a las personas que quiere.

Mezclando una historia entre comedia y una especie de drama y utilizando una técnica de animación tradicional de colores, línea y movimiento y también ocupando la herramienta 3D aunque no saturándola y llegando a un nivel adecuado funcionando muy nivelada para terminar un producto muy satisfactorio y mostrando que nunca hay que descartar el lápiz totalmente por el mouse y la computadora, cuando hay la oportunidad de fusionarlos adecuadamente.

Siendo una historia muy bien balanceada por muy buenos personajes creados por Brad Bird desde el pequeño Hogarth que tal amistad con el robot que llenará un vacío en su vida, a igual que el robot que por cierto Vin Diesel presta su voz, mezcla una imagen amenazadora con una personalidad inocente y ingenua de la maldad humana que guarda una sorpresa en la historia la cual explica cuál es el motivo por el cual ha sido creado con una estructura destructiva, hablando de personajes muy destacables robando la atención de la historia tenemos al detective Kent Mansley con la voz del Christopher McDonald que ha sido siempre recordado por encarnar personajes detestables en muchas películas y que en está ocasión igualmente se roba el show con su carácter indeseable al igual que el amigo de Hogarth, el artista excéntrico bohemio Dean que recicla chatarra para crear esculturas cual le permite vivir apartado de la sociedad y llegando a comprender que Hogarth necesita una figura paternal para comprender más adecuadamente el sentido de la vida.

Como repito aunque la fórmula llega un poco al típico cliché de la criatura amenazante que presta hasta cierta forma ternura y comprensión y que al final es víctima de la represión, de la verdadera amenaza como es el ser humano no cae en el peligroso vacío de llegar a ser redundante y llegue a arruinar la trama haciéndola clásica de culto para inmortalizarse para muchos seguidores de la buenas cintas que no son un desperdicio y tienen una base fundamental de buena animación y concentrase mejor en un buen guión.

Memewolf

TRAILER DE THE IRON GIANT

TRAINSPOTTING (1996) por TOOLTOBAR

2008-08-12T14:26:00.000-07:00

Es increíble y muy agradable ver una cinta que siendo tan cruel y cruda pueda terminar con un buen aire de esperanza o para algunos, una especie de engaño; allá por 1996 el director Danny Boyle nos presentó una película que abordaba de manera ruda y realista el bajo mundo del consumo de las drogas, la adicción a éstas y la paupérrima autodestrucción de los adictos.

El protagonista Mark Renton (Ewan McGregor) forma parte de una especie de comunidad de drogadictos en la ciudad escocesa de Edimburgo, su objetivo en la vida, es prácticamente no tener un objetivo, sólo disfrutar la vida de forma extrema a través del consumo de la heroína, escapar del mundo y experimentar las sensaciones únicas que sólo el consumo de esta droga les puede ofrecer. Mark se acompaña un completo zoológico lleno de retrasados, neuróticos, psicópatas y megalómanos quienes a pesar de ser sus “amigos” cuando de drogas se tratan las prioridades cambian. El único que muestra algunas intenciones para cambiar su vida es precisamente Mark quien a través de cuestionamientos racionales logra entender lo deplorable del estilo de vida pero lo frustrante que puede ser la situación al no poder salir de ella fácilmente.

No puede salir de ella porque la obvia adicción pero considero que también por el particular vínculo con sus amistades que de una u otra manera se vuelven a integrar a su vida como una especie de recuerdo maldito sobre lo que en realidad es. Mark se acompaña de Sick Boy un particular y egocéntrico tipo que se jacta de tener un control completo de su vida, Spud un completo tipo con problemas mentales pero a la vez muy fiel e identificado con la relación de amistad, Tommy el tipo atlético que tiene novia, practica deportes y no consume drogas, Begbie el impulsivo amigo que lo único que busca es una justificación para lastimar a cualquiera que se le ponga enfrente. Como podemos ver toda una completa oferta aderezada con una mezcla de drogas para lograr un cuadro de apatía y desagrado.

En sus intentos de salir de las drogas, Mark conoce a Diane (Kelly McDonald) una alocada pero astuta menor de edad con quien mantiene una relación amorosa y que a la larga logra integrarse al mundo de Mark quien en un intento desesperado de integración decida migrar a la ciudad de Londres donde se dará cuenta que hay que hacer mucho más para librarse de los fantasmas que le persiguen.

Considero genial a esta película porque logra adentrarnos en la forma de ver el mundo de las drogas desde el lado de los adictos, ya que desde el lado de los limpios pues es muy fácil dar la solución o simplemente decir que no se comprende las actitudes y hábitos de este tipo de personas, pero Danny Boyle nos ubica en el otro lado de la moneda, del lado oscuro y cruel de este mundo sin dejar de presentarnos a personas que en el fondo presentan sentimientos y emociones como cualquier otra.

El diálogo de entrada de Mark resume todo lo que se puede contemplar desde ese punto de vista y las razones por las cuales se entra ciegamente a los brazos de las drogas, a eso hay que agregarle la muy atinada selección de la música de fondo a cargo de uno de los iconos de las adicciones, las mutilaciones y autodestrucción (Iggy Pop). Trainspotting me parece muy interesante película porque ha trascendido en tan poco tiempo al grado de considerarla de culto por parte de sus fanáticos. Hay varias escenas que han sido retomadas por otras producciones e incluso copiadas como la escena del niño caminando en el techo (que si no me equivoco la he visto hasta en un capítulo de la serie The Simpsons) y es en definitiva algo de mencionar y reconocer que una película relativamente reciente pueda alcanzar estos niveles de adoración.

Creo que Trainspotting es una cinta que quiere emular el impacto artero de una inyección de heroína; y lo hace a través de un ritmo trepidante, una estética por ratos chocante pero que no por eso te vas a levantar para ver otra cosa, es una adicción morbosa, donde lo que ves resulta desagradable pero te obliga a estar atado observando los deplorables, violentos, apáticos y escatológicos mundos de la adicción; pero con una esperanza de que puede haber una salida, una opción para cada uno de ellos de ser como nosotros, de tener un trabajo, una familia, un maldito televisor gigantesco, lavarropas, carro, reproductores de disco compactos, abrelatas eléctricos, tener buena salud, el colesterol bajo, seguro dental, hipoteca, casa, ropa informal, comida chatarra, hijos, paseos en el parque, navidad en familia, jubilación, sobrevivir.

Excelente película

TOOLTOBAR

TRAILER DE TRAINSPOTTING

THE ELEPHANT MAN (1980) por TOOLTOBAR

2008-07-28T12:36:00.000-07:00

DIRECTOR: DAVID LYNCH

Ambientada en la época de los sanguinarios asesinatos de Jack el Destripador, allá por finales del siglo XIX, David Lynch nos trae una historia de un contemporáneo personaje que fue todo un caso dentro de la medicina mundial y que aún en nuestros días es recordado por ser un monumento al coraje del humano, así como la crueldad del mismo y lo caprichosa que puede ser la vida con algunas personas.

John Hurt, interpreta a John Merrick, el famoso hombre elefante, quien fue descubierto por el doctor Frederick Treeves (Anthony Hopkins) en una de las famosas exhibiciones de fenómenos de la época donde personas que han sufrido deformaciones congénitas y otras, realizan espectáculos extraños donde son mostrados a la sociedad normal como parte de un circo donde la explotación económica por parte de los dueños y los abusos son parte del diario vivir de estas personas.

El doctor Treeves queda admirado ante la particular deformación de Merrick y decide retomarlo como parte de sus estudios de deformidad congénita, una de las especialidad del profesional; quien llegando a un acuerdo económico con el dueño mercenario Bytes (Freddy Jones) logra trasladar al fenómeno al hospital de la ciudad para ofrecerle un tratamiento ante su deplorable estado de salud; sin embargo el doctor Treeves enfrenta problemas con la entrada del paciente ya que tendrá que romper varios reglamentos institucionales y prejuicios sociales para lograr un espacio adecuado para el hombre elefante.

Ya logrando un espacio, el doctor se percata que dentro de esa apariencia grotesca de tumores y desproporción se encuentra una persona que ha sido maltratada por la sociedad, una persona con sentimientos, emociones e, irónicamente, mucho más educada que el promedio de la población de esa época.

A partir de su inclusión en el hospital, John deberá luchar frente al miedo generado por tanto maltrato, la opción de inserción social que le ofrece el doctor Treeves y el maltrato que sigue sufriendo por muchas personas frente a su desafortunada situación; ante esto John deberá luchar para lograr tener una oportunidad de ser visto por sobre su condición física y a la larga demostrar antes los humanos que no es un animal, es un ser humano, que es un hombre; es todo un romeo.

David Lynch, es uno de los director más extraños dentro de su conceptualización tanto en sus ideas como en la forma de dirigir dentro del cine, proyectos como Lost Highway, Blue Velvet, Mulholland Dr y muchas otras son consideradas como un verdadero acertijo y un desafío completo para el espectador ya que el director incluso pasa de niveles simbólicos dentro de su tratamiento para llegar a situaciones de abstracción donde se necesita la ayuda del director para poder encontrarle sentido a las películas.

En el caso de The Elephant Man, Lynch ofrece una narración mucho más lineal pero cargada con elementos narrativos y de producción que hacen trascender a esta cinta para convertirla en una verdadera joya cinematográfica.

El toque característico del director queda evidenciado desde el inicio con una escena donde el simbolismo y los toques surrealistas logran homologar con la descripción de John Merrick ofreció para justificar su condición y durante el desarrollo de la cinta, la emotividad va tomando parte al grado de cuestionar la naturaleza humana y lo cruel que se puede llegar a ser producto no de una deformación física, sino por una deformación social que actúa de manera prejuiciosa.

La película fue rodada en blanco y negro, una decisión muy acertada ya que nos logra ambientar en esa época gris, sombría y además muy similar a la paupérrima situación de John. Las actuaciones son muy acertadas en función al producto como tal y no como una estrategia barata donde se ponen actores de primera asegura taquilla donde todos los demás elementos están alrededor de él.

John Hurt nos ofrece una actuación memorable como muy pocas se han visto; ya que fuera del traje del hombre elefante, logra imprimir un toque emotivo y el traje y lo que simboliza va desapareciendo para quedar un ser humano al igual que todos nosotros, con deseos, aspiraciones y deseoso de ser comprendido y aceptado.

Definitivamente The Elephant Man, es una película muy emotiva, nos muestra la forma tan cruel que puede comportarse el humano y que muchas veces nosotros nos dejamos llevar por las apariencias, partiendo de acuerdos sociales que nos dice lo que es bueno y lo que es malo, lo que debemos aceptar y lo que debemos rechazar.

La cinta trata de ubicarnos en una situación empática donde antes de juzgar por las apariencias de ciertas personas debemos considerar todo lo que ellos han pasado y no porque alguien es de una cierta forma, todo lo demás que le define resultará así.

Muy recomendable cinta, demostrando el coraje no de un personaje creado con esos fines, sino de un ser humano que a pesar de sus dificultades luchó para ganar un espacio dentro de la sociedad y ser recordado y reconocido a pesar del paso de los tiempos.

Excelente película, excelente historia, excelente director; genial.

TOOLTOBAR

TRAILER DE THE ELEPHANT MAN (1980)

DONNIE DARKO (2001) por MEMEWOLF

2008-07-28T12:29:00.000-07:00

Director: Richard Kelly

Es interminable el sin fin de cintas independientes tan buenas que se encasillan a sólo ser vistas en dvd pero que logran traspasar en la barrera del tiempo para llegar a ser una pieza de culto solamente conocido por ciertos seguidores que lucharon y se arriesgaron a ver y poder conseguir tal película afamada por la sitios underground de la web o por recomendaciones de personas con igual desequilibrio mental.

Pero bueno, hablando de traspasar en el tiempo podemos ver que hay miles de formas de hacerlo y descubierto por un tipo perturbado emocionalmente depresivo que recibe "consejos" de una entidad o criatura muy parecida a un conejo mutante siniestro. Como Donnie Darko que no recibe el suficiente cariño de su familia y no puede llegar a comprender en la sociedad en que vive, ni menos entender entre la realidad y una dimensión entre los sueños o visiones esquizofrénicas; recibe a esta extraña entidad dentro de sus amistades.

Es dificil poder encasillar a esta cinta con una sinopsis como cualquier película a igual de poder catalogarla de un género especifico pero es suficientemente muy buena historia que puede atrapar la atención de ciertos seguidores que se identifican con tal problema o vida que desearían poder solucionar por medio del juego con el tiempo para salvar su vida o mejor dicho la vida de otros.

Pareciera que Donnie Darko es una composición de cierta teoría que basada en cierta clase de premoniciones que cualquiera puede utilizar en la vida por medio de sueños o deja vu pero que se pasa desapercibida por no poder tener un sentido definido para poder descifrar, pero bueno a lo mejor todos quisiéramos poder arreglar desastrosas tragedias que pasan pues quién no ha tenido el pensamiento "si pudiera poder atrasar el tiempo para poder arreglar el problema" pero bueno de cierta forma creo que el destino ya tiene su obligación de actuar con cierta naturaleza que algunas veces nos benefician y otras nos afectan de una forma irremediable.

Hay una muy original forma de mezclar paisajes y escenas muy sublimes llenas de mucho pacifismo contrastado con momentos oscuros, enigmáticos y siniestros encargados la mayoría de veces por el amiguito imaginario de Donnie, el espectro conejo Frank que hablando de paso es un muy buen diseño de disfraz, está entidad que le da un toque dark a la cinta complementándose con su vos siniestra "el mundo se acabará", bueno lo confieso hasta me compré la figura de tal conejo.

Aunque Donnie Darko fue promocionada como una cinta de terror no encaja en este género, a lo mejor si provocar angustia y a los más pequeños o al público femenino les de un cierto nerviosismo o miedo el conejo "frank" pero no por eso será una película de terror y me atrevería a decir que encaja mucho mejor en una cinta dramática existencialista con mucha influencia de la visión oscura del maestro David Lynch aunque más digerible para todo público pero bueno es una experiencia enigmática que es muy recomendable para seguidores de lo existencial y siniestro que nos deleitan dejándonos un gusto de tratar de meditar y seguir tratando de buscar la verdadera incógnita… ¿cuál fue la verdadera respuesta del mensaje de la cinta? aunque hay muchas veces que no es necesario tratar de buscarlo y en ocasiones es mucho mejor que al final sea tan ambiguamente como Lynch es ya experto en hacerlo.

Se escuchan rumores de una secuela de la cinta, que a mi ver es innecesaria e inquietante la propuesta ya que en lugar de ayudar a la historia puede arruinar su originalidad de culto que para mi criterio no es una película para segundas partes desilusionando a los seguidores. Espero que sean sólo rumores o que al menos si es cierto sea muy bien utilizada y aceptada tal cinta.

MEMEWOLF

TRAILER DE DONNIE DARKO (2001)

YES (2004) por TOOLTOBAR

2008-07-28T12:16:00.000-07:00

En realidad tardé mucho para ver esta película del 2004, dirigida por Sally Potter, pero creo que es una muy interesante producción que aborda temas muy mal tratados en “churros cinematográficos” que abordan infidelidades, conflictos de clases, de culturas y crisis existenciales de parte de los personajes. Creo que si queremos ver muy bien tratados esos temas, Yes es una producción que llenará nuestras expectativas.

Joan Allen interpreta a un mujer profesional, casada, con éxito social que se encuentra sumergida en una rutina donde la apatía y la indiferencia es el común de todos los días, su vida cambia súbitamente al asistir a una cena junto a su esposo y conocer a un cocinero libanés interpretado por Simon Abkarian quien luego de un sutil acercamiento logra entablar una apasionada relación, que se traduce en rápidos contactos y encuentros.

Partiendo de esto surgirá una serie de discusiones y conflictos donde se percatarán que hay muchas diferencias entre ellos que harán muy complicada la relación entre ambos. La mujer está casada, es liberar, profesional de una cultura occidental, mientras que el hombre es conservador, machista, cocinero de otra cultura, religión y valores. Frente a este panorama cada uno comienza a tensar la cuerda para su lado sin considerar lo que opine o sienta la otra persona.

Dentro de todo este conflicto encuentran un momento de paz al considerar que dentro de estos complicados temas, el hecho de imponer muchas veces no funciona y que el ceder puede dar mejores resultados y mucho más satisfactorios.

Fuera de la historia trillada que puede suponer el guión, se encuentra un esfuerzo que se debe reconocer donde se evidencia que la historia puede ser la más común pero con un trato inteligente se pueden dar un giro enorme a lo rutinario para ofrecer una historia entretenida, profunda y estupenda. Los diálogos de la producción se encuentran en verso, dándole un agregado que muy pocas cintas ofrecen, donde la fluidez queda plasmada haciéndolos desaparecer dentro del ritmo de la cinta.

La fotografía de la misma es muy particular, algunos muy dramáticos para evidenciar lo complicado de la situación y de los personajes todo esto combinado con un contraste que se hace muy agradable para la vista.

Yes pone en evidencia que muchas veces la vida no funciona con el hecho de ocultar o negar las situaciones que nos definen como personas, sean estas buenas o malas, hay que entender que un vida perfecta o reflejada en los prejuicios que se nos van inculcando desde pequeños, no hace que la vida funcione o al menos sea satisfactoria con cada uno, se puede vivir insertado en una pantalla de buena vida, pero ser infeliz, no tener color en el rostro o ser una completa piedra.

Las actuaciones de Joan y Simon son convincentes para el tipo de tema que están tratando, no intentando caer bien al espectador sino reflejar a una persona con emociones, con virtudes y también con defectos. Sam Neill, creo que está genial dentro del papel del frío, correcto e inmutable esposa de la mujer, quien no se percata de lo que sucede alrededor por estar metido en su rutina de buena familia y modales.

Creo que en Yes no hay ni buenos ni malos, sino seres humanos con pasiones como cualquiera de nosotros, el asunto es no negarse, no esconder los defectos como una pelusa debajo de la alfombra, aceptar la idea que no existe el no, todo es un sí.

Tengo que aceptarlo que miré está película con expectativas normales pero me encontré con un proyecto muy ambicioso, muy humano, muy artístico y muy simbólico. Excelente película.

TOOLTOBAR

TRAILER DE YES (2004)

FEAST (2005) por MEMEWOLF

2008-07-28T12:11:00.000-07:00

Director: John Gulager

Un grupo muy particular de personajes desde el típico obeso incapaz de mostrar alguna función inteligente, un detestable traidor indeseable hasta la siempre chica bonita ingenua que nunca hace falta y muchos más caracteres que redundan desde lo cliché hasta nuevas facetas de personalidades que tratan de buscar la originalidad de su espacio en la historia mostrando sus debilidades y quizás sus capacidades, se encuentra reunidas en un desolado bar olvidado en el desierto en una noche cualquiera, de vivir a través de alcohol y inmoralidad pero con la diferencia que está noche puede ser su última al ser acechados por criaturas hambrientas de carne humana...

Siendo una simple y similar historia con mucha sangre, gore y disgustables escenas violentas(a gusto del público) y de igual tendencia a muchas otras piezas de terror adonde se encuentra enumerada cada cabeza de personaje de quien será el primero en morir y el último en poder quedar con vida, Feast se reta a demostrar que además de su toque modernista rompe algunos clichés del mismo género, no llegando tampoco al nivel de complicar más la narración o distorsionarla de forma inapropiada por hacerla ver a una nueva tendencia visual, al igual siendo una pieza independiente no utiliza su corto presupuesto y lo sabe utilizar con mucho provecho escogiendo un muy buen elenco y ritmo para la atmósfera solicitada como escenario único en toda la cinta el cual no redunda y la hace ver muy particular en su forma.

Aunque los personajes no necesitan mayor presentación que una forma entre cómica o sarcástica de hacerlo atrapa mucho el inicio corrigiéndose ella misma con satirizar a otras películas del mismo género que profundizan el historial de cada quien para después encasillarlo monótonamente y dar fácilmente que se deduzca quien fácilmente quedará vivo o muerto, hablando de eso es muy original y en la presentación de cada víctima al igual de la clase de criaturas nocturnas que además de matar y comer necesitan también satisfacer su forma genética sexual muy similar al ser humano; además de que no necesariamente se debe saber de que planeta provienen o si son mutantes salidos de lo profundo de la oscuridad o experimentos de la nasa pues en este caso solamente son parte de la mala suerte que personas deben de escarmentar por su lúgubre vida rutinaria.

Creo que para muchos serán demasiados méritos para una pieza que podría llegar a ser un simple episodio de tales from the creep o tales for the darkside estirado para durar alrededor de hora y media pero para muchos fanáticos de el cine fantástico o gore, será una pieza placentera por su nivel de sangre mezclado con un toque de humor negro y no mayor explicación que complique y crea una polémica en el grupo de público que solo quiere divertirse un rato viéndola en la noche y bebiendo cerveza en su casa en vez de estar en una bar en el cual estarán predispuestos a ser rodeados por criaturas nocturnas sedientas de carne humana.

MEMEWOLF

TRAILER DE FEAST (2005)

TRIBUTO A STAN WINSTON (1946-2008) por Memewolf

2008-07-14T15:56:00.000-07:00

De niño a igual que mi amigo Manuel Tobar fuimos llamados por las obras de ciencia ficción, terror, gore, slasher y fantasía. Claro los gustos van evolucionando y llegando a ser fanático obsesivo de el buen cine en general aunque tales géneros con que comenzamos jamás cambiarán en nuestras vida.

A un mes exacto de la muerte de uno de los mejores creadores de efectos especiales, visuales y maquillaje además de ser productor, director, guionista y hasta actor, el maestro Stan Winston que se encargó de crear personajes, criaturas, monstruos y escenas inolvidables que vemos una y otra vez y cada vez nos deleitamos más, le dedicamos un espacio memorable por su trayectoria y interminable genialidad en el cine.

Stan Winston quien se encargó de darle vida a criaturas iconos del cine como el inmortal Terminator, la bestia espacial Alien, la criatura sueño de Tim Burton Edward Scissorhands, los dinosaurios de Jurassic Park, los seres cibernéticos de Inteligencia Artificial y monstruos menos conocidos como la bestia de The Relic, la bestia del agua, Leviathan, el espectro Pumpkinhead, los seres canibales de Wrong Turn: Saw-Tooth, One-Eye y Three Finger, la Ada de los dientes Tooth fairy y muchos más...

Últimamente colaboro con los efectos visuales de Iron man y estaba en el proyecto de Terminator Salvation con Christian Bale como John Connor, aunque no han detallado aun si murió trabajando en el proyecto aunque está entrega no será dirigida por James Cameron, Winston siempre aceptó, James Cameron y Winston comenzaron una amistad después de hacer Terminator de la cual cada uno se admiraba.

Es parte de la naturaleza que genios como Winston tengan que dejar de soñar en este mundo para tener que soñar seis pies bajo tierra aunque Winston estará inmortalizado en el trabajo que ha dejado como legado a miles de fanáticos que disfrutamos de películas que marcaron nuestras vidas disfrutando películas que han llegado a ser clásicos del cine además que nos ayudaron a poder tener mucha más conciencia que el buen cine es una de las mayores expresiones en la vida de arte audiovisual, por eso hemos querido hacer un pequeño tributo con tres cintas que mayormente son clásicos del cine en la historia gracias a la mente y creatividad ingeniosa y mágica de Stan Winston...

MEMEWOLF

PREDATOR (1987) por Tooltobar

2008-07-14T15:46:00.000-07:00

El director John McTiernan, ofreció allá por el 1987 lo que hasta la fecha es una de los productos cinematográficos que todavía da de qué hablar, al grado de ser considerada como un producto imperecedero junto a otros personajes como Alien, Jason, Freddy o el mismo Terminator.

Predator, es una cinta de acción y ciencia ficción que narra la experiencia de un comando élite de las fuerzas norteamericanas que es liderado por Dutch Schaefer, interpretado por Arnold Schwarzenegger que se interna en la extrema selva centroamericana para poder rescatar a un grupo de compatriotas que han sido atacados por los escuadrones guerrilleros del sector.

El equipo de Dutch está formado por un completo arsenal pesado de musculosos, impulsivos e instintivos compañeros entre los que podemos recordar al gran Carl Weathers (Dillon), Bill Duke (Mac), Sonny Landham (Billy) y el gran luchador Jesse Ventura (Blain) quienes junto a otros conforman un equipo que es temido por cualquier ejército enemigo; podemos decir que es un clásico argumento de película gringa (digna de cualquier análisis de algún estudioso del imperialismo cultural) donde en cuestión de minutos han destrozado a ejércitos completos de enemigos; sin embargo a pesar de este despliegue de fuerza, Dutch y sus compañeros se percatan que hay algo de mayor peligro rondando por la engañosa vegetación de la selva centroamericana.

Al terminar el ataque a las fuerzas guerrilleras, un extraño ser entra en acción comenzando a cazar a cada uno de los miembros del batallón élite donde el campo de batalla es la misma húmeda y caliente selva que había sido el escenario de la supuesta victoria del escuadrón norteamericano, transformando a cada uno de ellos de cazadores a cazados, en una agónica persecución donde Dutch ve morir sin ningún remedio a sus compañeros.

Ya en un intento desesperado y luego de ver morir a todo su comando, Dutch decide enfrentar a la bestia en una batalla de igual a igual equipado sólo con el mínimo recurso tecnológico y armado de coraje donde tendrá un pulso y una batalla que la tengo registrada como una de las secuencias más geniales de acción que he visto.

Este depredador extraterrestre tiene un completo dominio de la situación a poseer tecnología mucho más avanzada que los humanos (cañones láser, cuchillas, lanzas, equipos médicos, camuflaje y un casco que le permite tener múltiple visión dependiendo de las condiciones del medio), a parte de eso hay que agregarle un imponente tamaño y fuerza que sobrepasa a cualquiera de los fortachones soldados del comando especial quienes mueren de forma muy cruel a manos de este genial cazador.

Predator es una obra de culto, de esas cintas que se pueden ver una vez al día durante toda la semana y nunca aburrir, juega de una forma espectacular con la frustración de saber que eres lo mejor del planeta y sin embargo ser un completo indefenso en relación a otras inteligencias; ya que tenemos a soldados completamente entrenados para combatir cualquier tipo de dificultad y sin embargo frente a este ser no son más que trofeos de caza en una especie de safari donde en el tope de la cadena evolutiva no se encuentra el humano sino que este extraño ser. Acá el protagonista precisamente es él, un personaje que fue creación del Stan Winston quien ofrece otra de las creaciones de su genial mente para dejar uno de los mayores monstruos de terror extraterrestre de todos los tiempos.

La estética del depredador es única; de esos monstruos brutales pero con una enorme carga emotiva que a la larga viene a generar esa compenetración con los espectadores al grado de considerarlo no como el malo de la cinta, sino como el más recordado dentro de la misma desplazando para mi gusto o relegando a un segundo plano a Arnold y compañía.

Los efectos especiales, geniales, con algunos toques de gore y sangre (no sólo roja) respondiendo al objetivo de presentar al depredador como un ser con una tecnología de punta que puede pulverizar a cualquier escuadrón no importando el autoestima o el armamento que puedan poseer.

Predator es una obra que significó el despunte del director McTiernan quien luego ofreció otras buenas dosis de adrenalina en cintas como Die Hard y otros esfuerzos dentro de una irregular carrera; para los amantes del cine de acción, le ofrecemos este plato fuerte de violencia, sangre, suspenso y una injusta pero bien buscada batalla entre seres de mundos diferentes.

Larga vida al depredador y la genial mente de Stan Winston que ha hecho, no sólo a mí, creer en la existencia de este ser. Excelente

TOOLTOBAR

TRAILER DE PREDATOR (1987)

TERMINATOR (1984) por Tooltobar

2008-07-14T15:41:00.000-07:00

En 1984, apareció una producción dirigida por James Cameron, la cual puso sobre escena muchos puntos importantes dentro de la ciencia ficción, los efectos especiales y la buena historia; la cual se ubica el entonces presente lugar donde los humanos y las máquinas entrarán en conflicto para determinar quien es la más apta para sobrevivir y dominar el planeta.

Nos ubicamos en las primeras décadas del siglo XXI, las máquinas han llegado a niveles de inteligencia artificial lo que les permite la organización y la toma de decisiones sin la supervisión de los humanos. Partiendo de esta independencia, las máquinas atacan a los humanos para tomar el control y a la larga exterminar a sus creadores, hecho que obliga a los últimos a formar una resistencia cuyo líder es John Connor quien guía a la resistencia a una victoria consumada en ese momento.

Ante estos, las máquinas que son controladas por Skynet, envían a un Cyborg exterminador (Arnold Schwarzenegger) al año 1984 bajo la lógica de asesinar a la madre de John antes de que él naciera, logrando así curarse en salud al evitar el nacimiento del líder de movimiento de resistencia humana; sin embargo los humanos, con menor tecnología logran enviar a un soldado humano llamado Kyle (Michael Biehn) para defender a Sara (Linda Hamilton), la madre de John ante los ataques de esta aparente máquina indestructible.

Con esta persecución, para evitar la victoria de las máquinas en un futuro mediado es que el director canadiense James Cameron, a quien considero como uno de los mejores narradores cinematográficos, nos presenta esta visión futurista del conflicto entre humanos y máquinas, entre lo orgánico y lo artificial. Pero ¿qué puede tener de especial está cinta? Iniciemos por la sólida y muy bien construida historia que nos regala Cameron, que si bien es cierto juega con situaciones futuristas donde él tiene el control completo, no hay que desmeritar que logra mezclarlas con aspectos muy emotivos y a veces peligrosos como el amor, los sentimientos humanos; así como la acción y la reflexión.

La actuación de Arnold, pues yo creo que fue la más adecuada dentro del casting, al interpretar al despersonalizado Cyborg, inexpresivo y programado para cumplir la misión a pesar de todos los obstáculos y dificultades que pudiera enfrentar; a eso hay que agregarle la participación en los efectos especiales del recientemente fallecido maestro, Stan Winston quien con su particular toque y genialidad nos entregó muchos momentos memorables como el exoesqueleto del exterminador un completo manjar visual repleto de efectos muy bien llevados a la pantalla y muy lejos de las ridiculeces que muchas personas entienden como efectos especiales alejados de las funciones dramáticas y en lugar de ayudar a la narración lo único que hacen es entorpecer y saturar al espectador.

Muchos mencionan que James Cameron es el director reconocido por el simple apoyo de los efectos especiales y monstruosos presupuestos, pero Terminator demuestra la capacidad del director al montar este proyecto con un presupuesto que ni en broma se acerca a producciones posteriores como Titanic o Terminator 2, quedando claro que una historia sólida, interesante y con el buen manejo de recursos puede quedar inmortalizada por décadas, al grado de ser considerada como una de las clásicas de acción.

La ideas de Apocalipsis, persecuciones, violencia, máquinas y humanos no eran nuevas en la época sin embargo hay que aceptar que James Cameron tiene esa capacidad de juntar un talento en diferentes niveles para proporcionar al espectador una buena dosis para los sentidos, muy completa y justa, razón por al cual será recordada como una excelente pieza.

Luego de este proyecto, se experimentó con la secuela espectacular y, para mi gusto, de culto Terminator 2, la cual la recitamos junto con mi hermano cada vez que tenemos la oportunidad de verla, luego de ésta… en realidad ya no hablo más del tema.

Terminator es muy recomendada para aquellos interesados en vivir buenos momentos de acción del ochenta y ver un excelente trabajo por siempre maestro Stan, larga vida a Winston.

TOOLTOBAR

TRAILER DE TERMINATOR (1984)

ALIENS (1986) por Memewolf

2008-07-14T15:31:00.000-07:00

En 1986 James Cameron se encargó de dirigir la secuela de la cual Ridley Scott en 1979 inició, convirtiéndose en una de las mayores sagas de las que ha existido en la historia la ciencia ficción encarnada en el cine, para llegar a tal grado de generalizarse no sólo en su faceta como cine y llegar a tal nivel de una serie de miles de cosas alrededor de la mismas películas desde figuras de acción, hasta juegos de video y miles de seguidores que se lanzaron como fanáticos de culto de la creatura y de la historia.

Aliens la secuela de “Alien el octavo pasajero” evolucionó dándonos además de la primera, que enfocaba mucho más al terror y suspenso y que James Cameron modificó como repito de el terror a un toque mayor en está parte; Aliens: la acción envuelta con un nivel de adrenalina mezclando la clásica historia de guerra pero con seres alienígenas que ocupan su sangre como protección de defensa mostrándonos de una sola criatura que vimos en la obra de Ridley Scott a cientos de criaturas sueltas por todos lados que en vez de tener de escenario una nave y ocho personas desarmados en esta segunda parte contamos con una fuerza defensiva militar armada hasta los dientes para combatir ahora en un planeta desconocido dándonos oportunidad de deleitarnos con más diversos momentos de acción que nivela muy bien como lo digo la acción no dejando el terror, el suspenso y el gore.

Así James Cameron se encargó de darnos una diferente visión con una serie de personajes muy simplificados y originales desde Hudson (Bill paxton) como el típico bufón que adorna la con historia, Vásquez (Jenette Goldstein) una soldado con más valor y entusiasmo de combatir que un hombre, el traidor Carter Burke (Paul Reiser) que lo único que le interesa es obedecer la orden que lleva en secreto: llevar una creatura a la estación espacial a cuesta de incluso sacrificar todo el batallón, el androide Bishop (Lance Henriksen) que le mostrará a Ripley que no todos los androides tiende el defecto de desquiciarse como Ash un prototipo más antiguo de androide, la heroína de la cinta la sargento Ripley (Sigourney Weaver) que ha sido nombrada encargada del grupo de rescate por ser la única de haber tenido la "grata" oportunidad de haber conocido a tal bestia alienígena viendo como exterminaba uno por uno a su tripulación.

Han sido muy pocas veces que una cinta y su historia planteé una tan nivelado elenco de poder distribuir muy bien cada personaje en películas de acción que a la larga llega a inmortalizar tal actor y actriz hasta el grado de verla en otra película, pero siempre verla y nombrarla como el personaje que nos enamoramos ver por su original carácter pues para mi siempre Lance Henriksen será el inmortal androide Bishop.

En la década de los 80's aún no se había llegado a tal nivel tecnológico como la realidad virtual y los efectos digitales en base a miles de programas computalizados que facilitan y ayudan a tener una calidad cada vez mucho mejor (siendo siempre bien tratado) en tiempos pasados el látex, lo mecánico, al igual que el stop motion eran las herramientas casi únicas para poder desenvolverse en el campo de los efectos visuales y maquillaje, Stan Winston maestro de este arte con su grupo de creadores de tantos efectos visuales, seres alienígenas, monstruos y gore en general que participaron en esta cinta a igual de un sin fin de cintas que han llegado a ser clásicas por su criaturas y efectos, fue por esta producción que ganó el oscar por su trabajo, aunque Aliens tuvo siete nominaciones los únicos dos premios fueron para mejor sonido y mejor efecto visual y hablando de paso eran las dos categorías que yo siempre esperaba en la premiación de lo oscar.

Alien de Ridley Scott (Gladiator,Blade Runner,Black Hawk Down) Aliens de James Cameron (Terminator, The Abyss, Titanic), Aliens 3 de David Fincher (Seven, Fight Club, Panic Room) y Alien: Resurrection de Jean-Pierre Jeunet (Amélie, Delicatessen) con tantos buenos directores destacándose en muy buenas obras cinematográficas no han tenido el mayor éxito como James Cameron lo tuvo con Aliens y creo que para muchos en la mejor secuela de la saga aunque yo primero vi Aliens el regreso y después su antecesora Alien a mi opinión "caprichosa" mi favorita será siempre Alien el octavo pasajero no lo diré porque pues eso mejor lo hablamos en otra columna más detenidamente pero en general lo que me gustará siempre es ver la creatura diseñada por uno de los mejores pintores y dibujantes de la época: H.R. Giger http://www.hrgiger.com/ la estrella verdadera de la saga la creatura alienígena: Alien.

MEMEWOLF

TRAILER DE ALIENS (1986)

Starship Troopers (1997) por TOOLTOBAR

2008-06-30T15:34:00.000-07:00

Encontramos muchas producciones donde la humanidad debe luchar por la sobrevivencia, no sólo con seres producto de la evolución y un poco de ingeniería genética u otros experimentos humanos que se salen de la manos, sino también con seres de otros mundos, otras galaxias; sin embargo tengo que aceptar que muy pocas películas me dan la impresión de estar la humanidad frente a una batalla que por ningún lado se puede ganar.

Starship Troopers, bajo la dirección de Paul Verhoeven, ofrece ese ingrediente principal de agobio, de una batalla entre la humanidad y extraterrestres, en una historia de ciencia ficción ya característica del director, donde además encierra muchos otros elementos que son una dura crítica a situaciones que experimentamos a diario en nuestro planeta.

La historia se ubica en un futuro mediano, donde el desarrollo tecnológico humano ha permitido la exploración espacial y la colonización de nuevos territorios fuera de nuestra atmósfera. El futuro se centra en las actividades que cualquier civil pueda prestar al ejercito, lo que le lleva a obtener prestaciones propias de un ciudadano. Bajo este esquema, Jhonny Rico (Casper Van Dien) se enlista bajo de idea de patriotismo junto con su novia Carmen Ibáñez (Dense Richards), Dizzy (Dina Meyer) y Carl (Neal Patrick Harris) quienes por sus diversas capacidades tienen que separarse una vez enlistados, tocándole la parte más pesada a Jhonny al ingresar a la infantería “la carne de cañón” de todo ejercito.

Ya entre el duro entrenamiento, el planeta entra repentinamente en guerra a causa de un ataque de los arácnidos, proveniente del planeta Kendathu el cual destruye la ciudad de Buenos Aires y deja sin familia a Jhonny iniciando así una de las batallas interestelares donde la acción, la violencia y el gore se harán presente.

Por qué digo desiguales, porque es una batalla frente a unos seres llamados despectivamente “insectos” los cuales son resistentes al ataque del armamento humano. Estos extraterrestres superan en tamaño a los humanos, son extremadamente peligrosos, superan en número a los humanos quienes se ven obligados a enfrentar al enemigo en su territorio haciendo más agobiante la lucha. Todo lo que pinta como una aventura para los protagonistas se termina transformando en una pesadilla donde la supervivencia será la primer orden por sobre los ideales de ciudadanía y amistad.

En una desesperada maniobra, los humanos intentarán adelantarse a las estrategias extraterrestres al tomar rehenes para conocer y lograr así derrotar a los “insectos”. Paul Verhoeven, es un director con un estilo muy depurado, cuando se habla de ciencia ficción, tiene una extraña combinación de crítica social, gore, acción, humor que hace sentir al espectador en una encrucijada de muchas salidas.

La película en lo personal, no supera al gran robocop, pero si se mantiene en la regularidad, logrando una solidez que muchas veces llega a los extremos de rondar con algunos de los clásicos clichés de la cinematografía norteamericana, pero que es perdonado ante los demás elementos que en lo personal son muy buenos. Los efectos especiales excelente, una historia no muy novedosa pero que sí se sostiene a lo largo las dos horas que dura la película.

Considero a Starship Troopers como una muy buena cinta que fuera de lo evidente, envuelve muchas ideas como la aceptación social, la discriminación y la subestimación como elemento que puede jugar en contra. Excelente película de este extraño director que ha demostrado que una de sus fascinaciones es adentrarse en los conflictivos mundos de la ciencia ficción.

TOOLTOBAR

EN GUERRA "STARSHIP TROOPERS"

Jacob's Ladder (1990) por MEMEWOLF

2008-06-30T15:30:00.000-07:00

Jacob's Ladder
Alucinaciones del pasado
Dirección: Adrian Lyne

Hay miles de formas de luchas en la vida cotidiana, materiales, emocionales, económicas o físicas aunque lo más importante es luchar con nuestros propios demonios internos que nos tratan de destruir la paz que diariamente buscamos para vivir o a lo mejor descansar en paz...

Jacob Singer (Tim Robbins )soldado veterano del Vietnam está sufriendo de alucinaciones constantes en su vida después de haber regresado de la guerra, Singer que después ser maestro de filosofía, estar casado y tener tres hijos ahora vive divorciado, trabaja como un humilde cartero, vive con su compañera de trabajo; Jezebel (Elizabeth Peña), aunque las alucinaciones son una tortura psicológica que poco a poco lo está volviendo loco no es lo más grave cuando se da cuenta de que no sólo él sufre de eso pues al igual que él sus ex compañeros de la guerra también están asustados por ver demonios a sus alrededores provocando el inicio de investigación por medio de el grupo o de los que quedaron del grupo del batallón al que pertenecieron en Vietnam para tratar de buscar una explicación de dónde provienen tales síntomas paranormales y porqué tratan de exterminar a miembro por miembro del grupo cuando se encargarán de buscar que ocurre o ocurrió en sus vidas.

Adrian Lyne nos entrega una pieza clásica en su género o digamos antigénero porque no me atrevería a clasificar tal obra de arte como drama, terror o suspenso rompiendo lo límites de tales géneros y lo más importante imponiendo ser de los pioneros de la clásica vuelta de trama de 180 grados en su inesperado desenlace que de paso ahora ya es utilizado como un cliché barato en algunas cintas sin ningún fundamento creíble, mal aprovechándolo y comercializándolo de tal forma que pierda su encanto.

Aunque el personaje interpretado por el veterano Tim Robbins en sus comienzos después de haber comenzado a despegar en ya la pantalla gigante con ya personajes principales, transcurrirán los años y aunque desenvolviéndose en mejores roles nunca dejará atrás el personaje sufrido y agónico de Jacob Singer que transmite la pureza de el sufrimiento y hasta es un sentido esquizofrénico demencial y debería de darle crédito también a Danny Aiello como el ángel vestido de quiropráctico Louis que no óolo le ayuda físicamente si no más bien a buscar la clave de salir del infierno y poder encontrar la paz para poder tranquilizar sus demonios ofreciéndole el lema : ...que cuando una persona deja de resistirse a la muerte, los demonios se convertirán en sus ángeles.

La escalera de jacob como su nombre lo dice es una experiencia en escalones que se necesita llegar hasta su ultima grada para poder comprender a que "clase de cuarto se dirigía las escaleras" donde puede llevar con tantas simbologías desde imágenes grotescas y lúgubres hasta flash back y tiempo no lineal que no tratan de confundir ni rellenar en vano al espectador si no más bien darle la oportunidad de poder descifrar y cuestionar el verdadero sentido de la razón y fundamentándola concretamente, llegando así a ser una pieza que a mi opinión ha sido pionera de tal final inesperado a igual que lo dije anteriormente de manejar muy bien construido desenlace inesperado a lo obra prima de M. Shymalan; El sexto sentido o The dark hours que nos hace quedar helados horas y por veces días pensado en aún el enigmático final de la película.

Para varios les fue vendida como una película de terror paranormal aunque contiene muchas imágenes grotescas y tenebrosas secuencias, el verdadero sentido no es trasmitir terror si no una especie de descontrol psicológico y miedo a la otra cara de subconsciente que lucha en un sin fin de inconformidades y problemas emocionales y sentimentales que no sabemos enfrentar que pasaron y no podemos remediar convirtiéndose en el verdadero infierno lleno demonios que no nos dejan encontrar paz en nuestro interior y poder como dicen al final los médicos que examinan a Jacob Singer..."resistió a su muerte pero finalmente encontró sus paz, se puede ver en su rostro”.

Memewolf

TRAILER DE JACOB'S LADDER

JAWS (1975) por MEMEWOLF

2008-06-02T17:34:00.000-07:00

Director: Steven Spielberg
(1975)

Aunque desde pequeño, estrenaron un sin fin de películas que yo aún no tenía la edad para ver, siempre sentí la curiosidad de poder ver una de las piezas mayormente fundamentada en el historial de uno de los directores que ayudo mucho al iniciar mi interés por el cine y que causó un fenómeno tan generalizado mundialmente en la década de los 70 a cuesta de todos los conflictos de presupuesto, problemas de clima, de locaciones y hasta de insuficiente seguridad en apostar por los productores que un director tan joven y a simple vista demasiado inexperto podría dirigir a un nivel profesional una película de está índole, y bueno como un punto aparte con mucho permiso, aún tengo en mente y palabras de mi madre diciéndome: "sigo insistiendo hijo que en el tiempo que salió tiburón me impactó mucho más que Jurassic Park cuando fuimos a verla de estreno con tu papá" y sigo creyendo que mi mamá tenía razón, aparte de toda la tecnología que ayudaba visual y tecnológicamente a una cinta del mismo director dos décadas después aún no pudo superar al éxito obtenido para un público que tuvo la oportunidad de poder disfrutar de un icono cinematográfico que aterrorizó a una generación, que en base de tener un muy bajo presupuesto económico y sigo aclarando una postura de dirección principiante aún sigue impactando y entreteniendo no por su bajos efectos especiales si no por un argumento sumamente bien narrado y muy bien construido fílmicamente.

El jefe policial Martin Brody (Roy Scheider) se encuentra con un problema que ha surgido en plenas vísperas vacacionales en el la playa donde él se encuentra a cargo de la seguridad de las comunidad, teniendo en cuenta que es la mejor época del año para que comercialmente el pueblo se beneficie económicamente por la demanda de veranearos y turistas que visitan para disfrutar de esos días, aunque en está ocasión hay un problema sumamente más grave; una amenaza de 7 metros que ronda el océano y que con sus mandíbulas filosas y su despiadado sentido natural puede producir muertes y pánico en la multitud. El alcalde del lugar no cuenta que sea el problema más grave a la par de tantas ganancias que ese año pueden ser demasiadamente bajas en el pueblo, así el Alcalde (Murray Hamilton) decide mejor descartar la idea que tal criatura exista y seguir normalmente que las personas disfruten de sus vacaciones en tal playa para no desperdiciar ese verano para enriquecerse aunque posiblemente se arrepienta de su decisión.

Para descartar "especulaciones" de que exista tal criatura marina el jefe Brody propone ponerle precio a quien se encargue de cazar tal fiera de las profundidades, provocando una serie de persecuciones de varios pescadores profesionales que al final erróneamente pescan una clase de tiburón mucho menos grande y temible de la cual verdaderamente es tal bestia, decidiendo así el jefe Brody propone llamar a un profesional de las Ciencia Marinas Matt Hooper (Richard Dreyfuss) para mayormente estudiar esta especie de tiburón y contratar a un cazador profesional de criaturas marinas como el despiadado "Quint" Robert Shaw, comenzando así los tres una cacería de tal bestia sedienta de carne hamana en el centro de el océano con una pequeño barco pesquero.

Jamás una película había causada tanto alboroto en el publico además de crear un fenómeno de paranoia y fobia para personas que visitan las playas, aún hay playas recreativos que demandan la cinta.

Pero enfocándonos en la primitiva utilización mecánica de efectos visuales y de maquillaje que de paso en esos tiempo no existía técnicas tan modernas que ahora existen para provocar algunas veces muy buenas secuencias visuales aunque algunas veces se dejan llevar por lo técnico y descuidan lo narrativo.

Es sorprende que con un bajo presupuesto, con un sonido muy bien utilizado, con una forma de improvisación de utilización de la cámara y una inexperta joven manera de desenvolver de un director que siempre será uno de los mejores narradores del cine con su particular utilización de mezclar muy bien nivelado el suspenso con el terror y sazonarlo con partes que se vuelven clásicas y fuera no necesariamente historia enfocada en el trama, algo que no todos los directores pueden manejar y que esto le mereció 4 nominaciones al oscar y ganar tres oscar y heredar uno de los mejores temas que automáticamente provocan suspenso y emoción.

Es irónico que el brillante elenco desde personajes que en ese tiempo era un renombre trabajar en una cinta de está índole hayan podido ser tan bien inducidos a proyectar las emociones necesarias que un director principiante de 22 años pudo dirigir excelentemente y que lastimosamente la mayoría ya hayan fallecidos, bueno al menos no por un ataque del tiburón.

Creo que se puede escribir un libro de todos los maravillosos y emocionantes momentos, detalles y muy buena narración de esta cinta que para muchos ya es una de esas clásicas que veremos y lo volveremos a hacerlo sin aburrirnos, sin antes dejar claro que si la tecnología y modernización que han dado paso a la evolución del cine de terror, ciencia ficción y fantasía haciéndolas mucho más bien vistas con mayor presupuesto para descartar técnicas ya obsoletas de utilizar y llegar a un nivel ya más simplificado y mayormente modernizado nos entreguen cintas del género con mismas formulas o contenidos que 30 años después sean un chasco cinematográfico por sólo basarse en los brillantes efectos visuales y descuidar uno de los mejores puntos fundamentales como es la narración y la buena dirección les aconsejarán volver a ver Tiburón que fue hecha en los 70's con tanta pasión a ver una mediocridad hecha con mucho presupuesto pero muy baja creatividad artística como es "Deep Blue Sea" tiburones muy bien construidos pero dirigidos por alguien tan mediocre que mejor se encargará de hacer comedias.

MEMEWOLF

TRAILER DE JAWS

ROBOCOP (1987) por TOOLTOBAR

2008-06-02T17:29:00.000-07:00

Hace poco tuve la oportunidad de recordar una cinta que fue parte de mi infancia y que todavía viéndola me deja muy buenas sensaciones, quizás en aquellos tiempos, allá por 1987, tuve la oportunidad de ver robocop como un simple entretenimiento; actualmente, aparte de recordarme esa época le encuentro muchos puntos a favor al grado de considerarla como una pieza de colección para rendirle tributo.

Es la ciudad de Detroit, llena de crímenes, delitos, violencia, robos y grupos organizados que se disputan el terreno para controlar y hacer de sus maldades. La policía se encuentra indefensa, el mundo es dominado por corporaciones que lejos de ver los beneficios colectivos, buscan el enriquecimiento sin medida. Ante esta sodoma, hay dos propuestas de ejércitos robotizados para eliminar el crimen de las calles y darle así paso al nuevo proyecto de construcción de la Ciudad Delta. El proyecto de Robocop supera a la competencia y comienza su período de prueba.

El agente Murphy es el encargado de darle vida el proyecto a través de su muerte a manos de unos despiadados criminales. Robocop comienza sus operaciones con la fusión orgánica de Murphy y aleación metálica, con una clara vocación al servicio de justicia; sin embargo en su parte humana existen pasajes sobre su vida anterior y su terrible asesinato, razón por lo cual comenzará una búsqueda hasta dar con el paradero de sus asesinos.

Robocop es una mezcla interesante entre acción, ciencia ficción, gore, humor negro y un poco de hardcore en algunas secuencias, las cuales son de esperarse dentro de una producción que fue dirigida por Paul Verhoeven, quien ha estado detrás de otras películas de incalculable valor dentro de estos rumbos como Starship Troopers y Total Recall entre otras.

La película es muy recordada por las actuaciones del villano Clarence Boddecker (Kurtwood Smith) quien encarna al líder de la pandilla que se encarga, junto con todos sus secuaces, de pulverizar a Murphy (Peter Weller) cuando era un simple agente de la policía de la ciudad de Detroit acompañado por Ann Lewis (Nacy Allen) como compañera de fórmula. A esto le agregamos la dirección muy particular del director holandés Verhoeven quien juega en situaciones muy extremas y desagradables como humanos derretidos por sustancias tóxicas o excesiva sangre, pero a la vez con una interesante propuesta de acción futurista que dejará impactados a todos.

Interesantes los conceptos que fuera de la excesiva violencia quedan planteados como las luchas corporativas, la doble moral del aparente beneficio de las masas por sobre el verdadero interés de aumentar las arcas de estas grandes empresas. La simbiosis entre empresarios con los más bajos delincuentes y la idea que la justicia es casi utópica en un ambiente donde cada uno busca morder a su conveniencia.

Podemos decir que Robocop experimenta muchos clichés de las tradicionales películas de acción; sin embargo es de aceptar que muestra una visión muy creativa de algunos aspectos que son tediosos y repetitivos en muchas producciones que sólo llegan al clásico “churro tedioso”.

Rocobop es una película que por más veces que se miren, siempre se termina envuelto en una trepidante ola de acción, drama, emotividad, sangre y violencia legitimada por parte de un héroe que termina consumando su venganza (cliché al fin y al cabo).

Excelente película para mi gusto, dentro de recuerdos de una infancia de locura, pero que a pesar de los años y la subjetividad que pueda tener dentro de la redacción de mi comentario, está dentro de la escogidas.

TOOLTOBAR

TRAILER DE ROBOCOP

MAY (2002) por MEMEWOLF

2008-06-02T14:08:00.000-07:00

May
director: Lucky McKee
(2002)

Mil disculpas para quienes estén ya aburridos de escuchar el mismo discurso editorial de cómo los titulares y venta publicitaria de joyas del cine independientes y desconocidas piezas ahuyentan a un público en general de verlas y sobre todo disfrutarlas; pero es una verdadera lástima y pena que seamos subestimados como latinoamericanos que según carecemos de cierta cultura evolutiva para lograr entender algo tan fácil como el concepto de una película a través de su verdadero nombre original sea cual sea para poder ser motivados de pagar por ella y verla; pero bueno May o mejor conocida para un público que necesitamos ser "atrapados" o "ahuyentados" como "La muñeca Diabólica" (que más suena a ser competencia de chucky o al menos ser parte de su franquicia de culto) es una joya del séptimo arte de ésas que se esconden abajo de tanta basura comercial barata que pone en pena lo que es el género de terror, aunque sería injusto encajarla directamente a cierto género pues además de tener un muy toque particular de sentido del humor negro, posee muchas características de un drama psicológico muy bien nivelado para provocar tal clase de emociones tensas de soportar.

Pero bueno "May" (Angela Bettis) es una adolescente inadaptada a la sociedad cotidiana por haber padecido desde su niñez de una enfermedad de imperfección física (estrabismo) provocando siempre la marginación por personas de su misma edad y haciéndola permanecer siempre solitaria en su mundo el cual más adelante posiblemente se podría convertir en muy malas consecuencias en su vida.

El trama a simple vista parece tan "sencillo" que al escuchar de él no provoca tomarse el tiempo en poder verla y creo que la razón es muy aceptable como dicen: "si no lo has probado como podes decir que no te gusta" pues siendo una dirección tan sublime y artística con muchas energía slasher que combina lo sutil con la violencia audiovisual, muy bien nivelado sin necesariamente ocupar detalles de imágenes a un grado grotesco que puede ser innecesario y muy perturbador para cierto público y nos compenetramos más en el sentido dramático pero no para llegar al aburrimiento. Y es que May ocupa de base fundamental un elenco de que de no ser tan perfecto y trasmitir como la pureza que desenfunda Angela Bettis como "may" convirtiéndose en un personaje que me atreviera a decir que será un icono a seguir para muchos "freaks" que se enamorarán no de su bellaza física si no de su personalidad y piezas también llenas de mucha rareza potencial como Jeremy Sisto representado al ordinario tipo de fachada "dark" supuestamente sumergido en su mundo gótico y misterioso que llegará a ser un simple joven más temeroso que un ratón de laboratorio cuando se percate de la real locura que puede cruzar lo irreal que correrá a pedir "ayuda a su mamá" a igual que la estrella de las movie pop corn movies cómicas llenas de parodias sosas fílmicas como es Scary movie; Anna Faris quien en está ocasión es de aplaudir la verdadera fluidez de un personaje tan emocionalmente y ambiguo que no nos deja de pensar y tratar de creer que es ella misma efectuando una verdadera oportunidad de mostrar su otra cara del cine.

Pero como repito May posiblemente parezca una historia hasta cierta forma irracional, simple y poco llamativa pero para muchos ha llegado a ser una fórmula muy convencional emotiva llegando a crear una serie de seguidores que se mueven por el mismo "limbo" sintiéndose reflejados con el personaje y el mundo en el cual se vive, ojala sigan guionistas y directores arriesgándose para entregar iguales dosis que alimentan a mentes perturbadas que son quienes necesitan de estás experiencias visuales de tratamiento psicológico.

MEMEWOLF

TRAILER DE MAY

AMERICAN PSYCHO (2000) por MEMEWOLF

2008-06-02T14:03:00.000-07:00

American Psycho
directora: Mary Harron
(2000)

Hay quienes que sueñan fantasías de ser músicos del metal de agrupaciones famosas, algunos en llegar a ser actores reconocidos de hollywood o al menos en ganar concursos de reality shows que los llevarán a ser estrellas pop del momento, pero en el caso de Patrick Bateman (Christian Bale) su mayor fantasía en su vida no es llegar a ser un American Idol si no más bien en "American Psycho".

Patrick Bateman es el prototipo de ejecutivo éxitoso de una de las compañías más prestigiosas como es la wall street, rodeado de lujos, comodidades materiales y personas de la alta sociedad desde compañeros con mismos gustos de lujosas modas hasta bellas amantes sumadamente codiciadas en el la vida pop de los 80's, entonces qué más pedir en la vida, aunque esa cara es sólo una fachada en la vida de Bateman, escondiendo su verdadero mundo enfermizo el cual nadie se imagina, claro está vez no escondiéndose en un traje gótico de superhéroe si no de un impermeable para no mancharse su traje caro de sangre cuando haga pedazos el cráneo de su víctima.

Es difícil de concretizar un resumen tan distorsionado de la visión de psicópata americano pues se provee de tanta simbología la cual sirve de guía fundamental para poder comprender la mente de un asesino en serie que no necesariamente mata por placer y mucho más bien por causas no totalmente establecidas para comprender el parámetro desequilibrado mentalmente pero si a lo mejor crear un espacio de entendimiento de los motivos, de la antipatía que nos puede someter alguna vez a realizar actos semejantes de atrocidad a seres indignos de ser deseados.

Hablando de simbología narrativa es sumamente llamativo el manejo de herramientas visuales desde los créditos del comienzo que se encarga de engañarnos con gotas rojas de jalea cayendo que asemejan con un toque de humor negro ser sangre adornando el titular hasta momentos tan simples pero sumamente conceptualmente elaborados para enfocar mucho más la locura de Bateman como por ejemplo una rara forma de demostrar entre quién tiene mayor "caché" entre el grupo de compañeros ejecutivos por portar la mejor y más fina tarjeta de presentación o sentir odio por compañeros que lo confunden con su persona, estos y más detalles son el motor que dan más solidez de entendimiento de la adicción esquizofrenica que le da vida al personaje.

Hablando del elenco "psicopata" el personaje de Bateman es uno de de las mejores actuaciones protagonizadas por Christian Bale que a igual de el personaje de "El maquinista" han sido injustamente olvidados y ignorados por la academia, hay que esperar un personaje ordinario quizás para que algún día lo tomen en cuenta, además de breves apariciones como Jared Leto apuntado en la lista negra de sus principales víctimas, la bella y siempre misteriosa Chloë Sevigny como la traumatizada secretaria que por su inocente forma de ser posiblemente sea perdonada su vida, a igual del legendario Willem Dafoe como el Detective Donald Kimball quien lo acecha de forma psicológica jugando a ser la parte de la conciencia y la paranóica mente de Bateman hasta parte de los éxitos musicales de los ochentas que contrastan la desequilibrada visión de una mente asesina con un muy buen gusto musical.

American psycho es una muy buena pieza heredada del género nacido en los 80's como es el Cyberpunk aunque en este caso no remota ninguna forma de ciencia-ficción con toques como la legendaria BladeRunner, Avalon o la más destruida por su secuelas comercialmente; matrix, pero si hace convertir de lo ficticio, de una gama de pasajes y personajes chupasangre que lo rodean que de cierta forma sólo son utilizados posteriormente en la realidad o lo irreal de la mente de bateman que no comprende ni él mismo.

Una muy buena pieza de las que nos deleitamos no con lineal del trama si no con el desenlace de el final de 180 grados.

MEMEWOLF

TRAILER AMERICAN PSYCHO

2001: A Space Odyssey (1968) por TOOLTOBAR

2008-05-19T10:06:00.000-07:00

Esta excepcional película estrenada en 1968, dirigida por Stanley Kubrick, es un relato al mejor estilo de la ciencia ficción, considerada como una de las mejores en el género y en el mundo cinematográfico.

Con una espectacular combinación de elementos y la particularidad visión del director famoso por darnos clásicos del cine como A Clockwork Orange, Full Metal Jacket, Lolita, The Shining, Spartacus y muchas otras; Kubrick realiza una mezcla entre la ciencia ficción, el arte, la música clásica y un nivel de simbolismo que conjuntado en una cinematográfica genial y efectos especiales de punta (para la época) significó lo que para muchos es considerada como un monumento a la ciencia ficción donde la evolución, el desarrollo, la tecnología y los dilemas existenciales quedan plasmados de una manera magistral.

La historia de la Odisea al Espacio 2001, fue basada en el cuento corto de Arthur C. Clarke, y trabajada de manera conjunta con Kubrick. Todo comienza con el despertar del humano, varios millones de años antes, época prehistórica donde el humano da sus primeros pasos de evolución, se comienza a juntar con otros de su especie, se dan las primeras pinceladas de convivencia; pero a pesar de eso es un ser expuesto a las condiciones del ambiente, la oscuridad, sus depredadores, es una vida donde no hay un control de estos factores.

Dentro de esa vida rutinaria, de disputas por espacios vitales; un grupo de humanos encuentran una extraña señal: Un monolito, una forma no común entre el agresivo terreno, lo que genera expectativa, miedo pero a luego de explorar, notan que es inofensivo. Luego de este contacto las actitudes del humano van cambiando, desarrolla el uso de herramientas que a la larga serán las armas para someter su ambiente, evolucionar, un salto que nos lanza hasta finales de la década de 1990, cuando el humano se encuentra explorando en el espacio, un salto abrupto podemos pensar, pero desarrollado de una manera única bajo los ojos de Kubrick.

En este momento, el doctor Heywood, junto a un equipo de investigadores, emprenden una misión secreta a la luna, donde han encontrado señales de inteligencia extraterrestre, prueba que cambiaría la forma de ver al mundo y que significaría una ruptura de cómo se percibe la existencia humana: un segundo monolito. En una analogía entre ese momento y el salto evolutivo de los primeros humanos, los investigadores se ven sorprendidos por un sonido emitido por el monolito.

Ya en el 2001, 18 meses después de este hecho, nos ubicamos en la exploración hacia una de las lunas de Jupiter que realiza la nave Discovery y tripulación, cinco humanos y un súper ordenador llamado HAL-9000, el cerebro de la nave que representa tal desarrollo de las tecnologías al grado que las vidas de los humanos son dependientes de él y la valoración de lo necesario o innecesario que puede llegar a ser el humano bajo el dominio de la máquina. El objetivo de la misión: establecer contacto con otras niveles de inteligencia lo que supone un salto más dentro de la evolución de la especie humana.

En estos tres momentos se basa la historia de la Odisea al Espacio 2001, una historia que deja mucho a la interpretación, según las declaraciones del mismo Stanley Kubrick quien mencionó que somos libres de concluir acerca del carácter filosófico y alegórico de la producción; así que comentaré en forma rápida algunas de las ideas más sobresalientes de la producción.

La cinta intenta retratar el salto evolutivo en tres momentos de la historia humana y el contacto que será el desencadenante de una evolución más compleja a la que actualmente conocemos. Todo esto con un común denominado tecnología o herramientas que en un primer momento fueron huesos de animales hasta llegar a convertirse en naves interestelares y computadores que hacen las actividades humanas pero con una mayor efectividad de tiempo entre otras cosas.

De acá relacionamos otro dilema de la película que es el conflicto entre humanos y máquinas, la cual ha sido plasmada en infinidad de películas posteriormente pero muy pocas con esta emotividad; las herramientas, las máquinas, la tecnología al servicio de los humanos pero llegando a niveles de independencia planteándose el dilema si los humanos en realidad son necesarios y si se puede prescindir de ellos.

HAL-9000 el computador es un auténtico personaje dentro de la historia, a pesar de ser representado simplemente como un ojo electrónico, pero con una enorme fuerza dentro de la narrativa, transformándolo en un ser lógico, emotivo, apegado a sus objetivos, megalómano, egocéntrico… ¿Dónde hemos escuchado de esas características? La caracterización de HAL en pocas líneas es impresionante.

Los humanos y sus relaciones, se perciben frías y distantes, desde sus primeros momentos evolutivos, la muerte como un misterio pero que a la larga carece de emotividad, debido en gran parte a los momentos evolutivos; esto también queda dentro del desarrollo de la película, donde sólo nos enfocamos en el doctor Heywood, y los tripulantes de la misión a Júpiter, Bowman y Poole, junto con otros tres humanos quienes se encuentran es estado de hibernación.

Stanley Kubrick, en realidad nos impresiona con esta producción la cual desde los primeros momentos nos aturde con la obertura que sirve de antesala para lo que se viene, un despliegue de calidad narrativa, una cinematografía indescriptible y un nivel simbólico que es el asunto de la película. Si nos enfocamos sólo a lo que está evidente puede que para algunas personas pueda generar tedio, pero ante un trabajo muy completo en realidad no están permitidas esas palabras.

La etapa del humano prehistórico y su salto hacia varios millones de años después en la cúspide de su evolución es algo digno de mencionar, todo esto acompañado de una banda sonora que es considerada como una clásica de clásicas. La vertiginosa última media hora, donde vemos viajes espaciales y nuevos contactos es una secuencia como muy pocas.

2001: A Space Odyssey debe ser considerada como una de las escogidas, recordando que tras ésta se encuentra el talento de uno de los escogidos también, entonces como terminé mi crítica de la naranja mecánica diré: Larga vida al grande y por siempre genial Stanley Kubrick y compañía, larga vida a Richard Strauss y su hijo, el Danubio y Zaratustra… mientras estaré listo para el siguiente paso.

Excelente película!

TOOLTOBAR

ESCENA DE 2001: A SPACE ODYSSEY

Sideways (2004) por TOOLTOBAR

2008-05-19T09:45:00.000-07:00

Podríamos clasificar a Sideways (2004) como una comedia muy bien pensada, dirigida y escrita por Alexander Payne quien nos ha entretenido con trabajos muy similares como el jubilado en busca de un nuevo aire, interpretado por Jack Nicholson en About Schmindt, donde la historia se desarrolla fresca sobre una base de un humor muy maduro que se deja seducir por momentos en las líneas del drama.

Sideway o entre copas como fue titulada en español, nos ubica en la aventura de camino que organizan los amigos Miles y Jack como una forma de darle una buena despedida de soltero a este último ya que en una semana contraerá nupcias con su prometida. Miles interpretado por Paul Giamatti, es un escritor que intenta desesperadamente publicar su libro; mientras, trabaja como maestro en una escuela secundaria y vive en estado depresivo debido a su no tan reciente divorcio. Fascinado por la vida de los viñedos del estado de California y el degustar de excelentes vinos, le propone a Jack una aventura por todos esos campos en un sano paseo de vinos, comida y golf.

Jack (Thomas Haden Church), es el mejor amigo de Miles y accede a la invitación para darse la mejor aventura antes de iniciar su vida marital, el único problema es que Jack no concibe una despedida de soltero como la mira su amigo y él buscará llevar noche tras noche de desenfreno, sexo, romances y alcohol. El futuro esposo y mejor amigo de Miles es un actor de segunda línea, no tan inteligente pero sí muy astuto para poner en práctica todas sus cualidades escénicas y pescar lo que se venga en camino para pasar una noche entretenida sin importar lo que opine su compañero.

En el camino conocen a Stephanie y Maya interpretadas por Sandra Oh y Virginia Madsen respectivamente con quienes pasarán muchos momentos divertidos y muy particulares. En esta nueva relación Miles se percata que Maya es una persona muy especial desde su óptica al compartir los mismos gustos y tener muchas cosas en común. Bajo esta historia se desarrollan muchos puntos que enriquecen a Sideways al darle momentos hilarantes pero a la vez serios de parte de cada uno de los protagonistas.

Miles representa al tipo deprimido por la falta de oportunidades dentro de la vida, visión forjada ante la presión social de entorno donde se mueve, una sociedad que exige buen puesto de trabajo, buena casa, familia y éxito en todos los proyectos que emprende. El viaje representará, sin saberlo, un cambio de punto de vista para enfocarse en el simple hecho de sentirse bien con él mismo y obtener el reconocimiento de parte de las personas que en realidad importan.

El viaje, la ruta, incluso la podemos interpretar como un elemento que a la larga forjará el cambio de Miles, un tipo que está encontrándose a pesar de tener casi la mitad de su vida recorrida, caso contrario de su amigo que en realidad lo podríamos considerar como un caso terminal, incurable donde el pensamiento “Árbol torcido, jamás su tronco endereza” le queda como anillo al dedo.

Lo cierto es que a pesar de esto Jack juega un papel determinante para generar contraste con lo que piensa Miles y comprender en gran parte el porqué de su triste y paupérrima visión de su existencia. Maya por otro lado un papel sobrio y preciso que es el elemento reflexivo dentro del etílico, depresivo y monótono rumbo de Miles; la conversación sobre la afición con los vinos entre ellos con un enorme simbolismo para la trama de la historia.

En realidad podemos considerar como una historia ya muchas veces contada, pero Sideways tiene ese toque especial. Existen muchos vinos, pero hay algunos que están en su punto con una riqueza en su textura y densidad, un color adecuado y la combinación exacta de ingredientes.

Excelente película, que la tenía por allí esperando el momento justo para destaparla, como el Cheval Blanc del 71 de Miles que está en su punto, en su mejor momento. Muy refrescante película.

TOOLTOBAR

ESCENAS DE SIDEWAYS

The Fly (1986) por TOOLTOBAR

2008-05-12T14:37:00.000-07:00

David Cronenberg, canadiense, tiene una extraña cualidad de mezclar lo sutil con lo grotesco, de bailar entre la repulsión y el amor, de hacerte reflexión una temática con una antesala de asco, es como pensar que todo esta bien cuando nos encontramos parados entre vísceras y un hedor insoportable.

Allá por 1986, sorprendió con esta adaptación muy al estilo del director, quién también ha estado detrás de muchos interesantes proyectos como Videodrome y eXistenZ, entre muchos otros.

La historia se basa en la relación entre el inventor Seth Brundle, interpretado de Jeff Goldblum y la periodista Verónica Quaife (Geena Davis) quienes luego de conocerse en una fiesta comienzan un tórrido romance. Seth revela un secreto que revolucionará el mundo científico a través de la tele transportación, proyecto que está en su fase de inicio de pruebas en humanos, siendo el primer conejillo de indias el mismo investigador bajo los ojos expectantes de su amada.

Luego de la tele transportación “exitosa”, la vida de la pareja continúa en aparente normalidad; sin embargo al percatarse de extraños síntomas, Seth descubre que el proceso estuvo contaminado con un insecto, específicamente una mosca, lo que significó una fusión genética, incierta que pondrá a prueba la relación de seth y verónica.

Es un enfoque muy diferente a las clásicas complicaciones entre las relaciones de pareja que se plasma en muchas producciones, donde bajo problemas superficiales le dan vuelta a una historia que desde el primer minuto de proyección ya sabemos que todo terminarán juntos y felices. Acá nos enfrentamos a la idea a acompañar hasta en los peores momentos, al grado de ver degenerarse a tu ser amado y acompañarlo hasta en esos momentos.

A mi gusto The Fly, es una de las producciones más grotesca que retrata este sentimiento, bajo el telón de los dilemas característicos del director Cronenberg, donde lo ético, la moral lo humano y lo ajeno a ello se mezcla para poner a pensar a los públicos, no sólo entretenerlos.

La mosca en definitiva no la podemos considerar como una película de terror exclusivamente, pero si es considerada como una de las mejores y que en realidad los sentimientos encontrados afloran durante todo el desarrollo.

Las actuaciones son perfectas, donde vemos a Jeff Goldblum en una caracteriszación excepcional y Geena Davis en un papel que no la relega a ser la clásica fémina de hollywood que en lugar de enriquecer la historia termina siendo un completo obstáculo.

Los efectos especiales y maquillaje, cumpliendo un verdadero objetivo dramático, ayudando a comprender la compleja ilación de ideas que la cinta trabaja. Vemos efectos muy fuertes pero fuera del maquillaje vacío, los efectos digitales sin ninguna razón de muchas muchas películas en la actualidad.

The Fly, es de considerarla en todo archivo por ser un experimento arriesgado que derivó, para mi gusto, en uno de los clásicos de estos tiempos.

TOOLTOBAR

TRAILER THE FLY (1986)

Les triplettes de Belleville (2003) por MEMEWOLF

2008-05-12T14:32:00.000-07:00

La cinta sigue la vida de Madame Souza y su nieto un niño solitario y aburrido, por lo cual su abuela decide regalarle un perro llamado Bruno aunque no hay mayor mejora de su estado de ánimo pues su verdadera obsesión es ser ciclista igual que su difunto o desaparecido padre.

La abuela le regala un triciclo y con el paso del tiempo éste se convierte en una bicicleta, transformándose así en ciclista profesional y practicando duramente en compañía de su abuela para participar en una carrera.

Pero ellos no están percatados que hay una banda de mafiosos que lo secuestrarán para llevárselo lejos a otro país donde será utilizado para un negocio de apuestas ilegales en el bajo mundo a disposición de un mafioso despiadado que se lucra a costa de tales deportistas.

Así para rescatar a su único nieto de las garras de el gangster y sus secuaces que lo ha secuestrado para explotar su talento en un negocio de apuestas ilegales en una ciudad que es fielmente un reflejo de Nueva York, la abuela y su perro encontrarán ayuda de unas excéntricas trillizas que viven una muy particular vida quienes le ayudarán a planear el rescate.

Una compleja cinta que cuenta con una historia simple pero con una maravillosa y mágica forma de narración visual, además de no tratar de revelar demasiado sobre lo sorprendente balance entre la imagen y lo sonoro y disfrutar los inesperados giros que tiene la historia, y la sorprendente lógica, pero siempre ingeniosa manera como se crean y se resuelven los problemas con los que se enfrentan los personajes.

Hablando sobre los personajes creados en este mundo fusionado entre lo mágico y lo real de la vida es sumamente detallado cada personalidad sin necesidad de describirlo con palabras o diálogos y dejar que fluya la acción y efecto de percibir disfrutando y encontrar el admirable carácter de cada uno simplemente analizando la imagen visual del dibujo y pudiendo enamorarnos de cada movimiento y particularidad, desde el perro bruno hasta las "hermosísimas" y talentosas trillizas que nos encantarán con su original forma de crear música.

Muy destacable en "Las Trillizas de Belleville" el particular estilo gráfico donde las imágenes hablan por si solas, descartando como repito casi totalmente el recurso del dialogo haciendo así poner la principal atención en lo visual sin necesitar de conversaciones para comprender el trama. Combinando diversas técnicas, desde trazos a lápiz tradicionales con acuarela hasta animación digital y sofisticados compuestos tridimensionales que no rayan en lo absoluto, logra conservar y contrastar una apariencia sencilla y maravillosa, que expresa mucho sin abrumarnos con detalles o malabares técnicos innecesarios.

El diseño de los personajes reboza personalidad, y cuenta con esa rarísima combinación de colores lúgubres con elegancia de la línea muy fuera de el estilo de disney o el anime (que confieso que soy muy admirador de esa corriente) y simplicidad en su estilo muy propio que provoca auténtica vida a meros dibujos que quienes apreciamos lo mágico y complejo de la animación seremos satisfactoriamente complacidos.

No perdamos la esperanza de poder encontrar muchas más buenas dosis visuales de animación que aún siguen vivas en Asia y Europa, las cuales se encargan de no caer en lo trillado de películas animadas que sólo se encargan de venderse como imagen comercial para el mercado de restaurantes y almacenes y desmotivar la pureza que se puede encontrar en verdaderas obras contemporáneas de este arte, como es "Las Trillizas de
Belleville".

MEMEWOLF

TRAILER DE LES TRIPLETTES DE BELLEVILLE

Ed Wood (1994) por TOOLTOBAR

2008-05-12T14:24:00.000-07:00

Muchas veces sólo basta con tener convicción y creérsela para quedar marcado en la historia. (Para bien o para mal). Edward Wood Jr. considerado como el peor director de cine de todos los tiempos, queda plasmado en la cinta de 1994 dirigida por el genial Tim Burton y protagonizada por Jhonny Depp, Sara Jessica Parker y Martin Landau entre otros reconocidos increíbles actores.

Tratando de ambientar en la década del 50, la cinta es filmada en blanco y negro y narra las complejas experiencias de Ed, quien cree en hacer su sueño realidad (ser director de cine) a costa de todos los obstáculos que se le puedan presentar. Apoyado por su novia y sus círculos de amigos, el director emprende varios intentos para ingresar al cine, encontrando en la admiración, amistad y colaboración del por siempre conde drácula Bela Lugosi, como la llave de entrada para que comenzaran a creer en las ideas descabelladas y en la evidente mala realización del director.

Carente de la menor idea para realizar una cinta, Edward enfrenta las dificultades económicas, los insultos y la pérdida de fe de parte de muchos de sus cercanos sin que esto significara parar con su proyecto de vida.

Y cómo no poder sacar ideas descabelladas de un tipo que le fascina el travestismo, que es un descuidado y despistado director que cada día debe lucha para que la producción continúe a flote: Edward trabajó en varios excéntricos proyectos como “Glen or Glenda” que aborda las dificultades del travesti, “Bridge of monster” y la recordada como la peor película de todos los tiempos “plan 9 from the outer space”.

Dentro de todos estos sucesos el desafortunado director entabla una relación de amistad y respeto para Bela Lugosi, actor húngaro famoso por su interpretación del conde drácula allá por 1931 que se encuentra en la última etapa de su vida, en quiebra y con una severa adicción a las drogas.

Tim Burton nos ofrece esta entregada producción que cuenta con el siempre genial Jhonny Depp, y muchos actores reconocidos, desde Hill Murray, el perseguidor de marmotas de peluche en la siempre recordada “los locos del golf”, Jeffrey Jones como “experto en predecir el futuro”.

Ed Wood hace un excelente juego entre la dura y arriesgada vida del personaje en la vida real y todo los aderezos narrativos, visuales y dramáticos que transforman al protagonista de la producción en un Némesis de las películas biográficas.

Los maquillajes impresionantes y todo esto aunado con la escenografía que nos transporta por más de dos horas a la dura e injusta selva de hollywood en la década del 50.

¿Por qué rendirle tributo a este director y no a otras joyas de la época como Orson Welles y más recientemente el genial Kubrick y compañía?

Creo que en el fondo el objetivo es denotar que las oportunidades siempre están allí, y al momento de atraparlas no hay que dejarlas ir, Edward para bien o para mal ha quedado registrado en la historia. Sí fue considerado como el peor director de la historia, tuvo el placer de dirigir la peor película en la historia, murió haciendo películas semi porno para poder subsistir, pero lo intentó!!! y es por eso que ahora lo estamos recordando en esta crítica.

Como siempre genial Burton y arriba los ovnis desechables, las tumbas de durapax, los trajes baratos, los argumentos sosos…

Si me preguntan como me quedó la crítica, les diré: “EXCELENTE”.

TOOLTOBAR

TRAILER DE PLAN 9 FROM THE OUTER SPACE DE ED WOOD (1959)

Hard Candy (2005) por MEMEWOLF

2008-05-12T14:14:00.000-07:00

El clásico cuento de la Caperucita Roja, que desde 1697 ha evolucionado y ha ido comercializándose en millones de facetas y formas, ha servido como fórmula universal para mostrar cómo la maldad del acechador ataca a la sumisa e inocente presa...

En este caso, la Caperucita se llama Ellen Page, una bella adolescente de 14 años que coquetea vía Chat con Hayley Stark, fotógrafo profesional mayor de edad que le propondrá hacerla parte de sus obras de arte fotográficas o posiblemente seducirla para convertirla en uno más de sus ricos bocadillos.

Simplemente sencilla y de bajo presupuesto, con casi tan solo dos personajes interactuando un 90% de la cinta y una sola casa como escenario que otra vez como muchas cintas nos demuestra que lo más importante de una película son sólidas y creíbles actuaciones, un muy propio y llamativo balanceado guión, y una muy cuidadosa forma de contar un magnífico thriller psicológico muy bien elaborado, tan inquietante y brillante que le saca el jugo a un tema tancontroversial que últimamente en la sociedad se encuentra a la vuelta de la esquina y que cualquier Don Juan se sentirá identificado pero aterrorizado a la vez con un giro inesperado que posiblemente tomará muy en cuenta antes de jugar al gato y al ratón.

Ellen page que en los últimos tiempos ha evolucionado y destacándose en la cinematografía independiente siendo nominada hasta por la academia del séptimo arte por su actuación en la segunda obra de Jason Reitman (thank you for smoking) "juno" ha dado mucho que hablar por lo cual le ha dado oportunidad de conseguir cada vez más papeles en los últimos tiempos en diferentes géneros.

En Hard Candy destaca mucho su habilidad escénica representando la sublime personalidad de una adolescente ingenua y sumisa "Hayley Stark" donde la base narrativa y el tiempo se encargarán de una transformación de su personaje inicial hasta quitarse su caperuza y mostrar su otra cara escondida muy bien interpretada en base al ritmo solicitado en el trama, a igual que Patrick Wilson como el fotógrafo profesional que nos entrega una cara engañosa que fácil podremos deducir aunque terminemos confundidos si será aceptablemente merecido su fatal destino.

Aunque para algunos posiblemente sea insoportable el ritmo pausado pero sumamente lleno de tensión que se mantiene en la cinta que no es un punto en desacuerdo y más bien una forma de seducirnos a un inesperado desenlace por controversiales detalles violentos que serán desagradables para algunos pero para quienes nos deleitamos de enfermizos adornos llenos de agonizantes momentos no tan explícitos como obras maestras gore "hostel" o "Hatchet" pero con el mismo morbo sin necesidad de llegar al mismo nivel visual.

A igual que el clásico "cuento infantil" Caperucita Roja, el final es relativamente "feliz", ya que termina de manera violenta y trágica, pero con la misma moraleja del cuento: "No subestimes a tu presa
por verse menor e inocente".

MEMEWOLF

TRAILER DE HARD CANDY

Thank You for Smoking (2005) por MEMEWOLF

2008-05-05T14:37:00.000-07:00

Director: Jason Reitman
(2005)

El perverso y manipulador para muchos Michael Moore se destacó por sus "pedagosátiros" documentales como "Bowling for Columbine" y "Fahrenheit 9/11", en los que trataba de hacer reflexionar con un sentido muy propio y manipulador a la sociedad de algo que está en nuestra nariz, pero que no nos damos cuenta o mejor dicho no nos queremos dar cuenta que existe tal injusticia.

Pero Moore se encarga de tratar el problema con sus documentales mientras el novato Jason Reitman, hijo del legendario Ivan Reitman, creador de "Los cazafantasmas" y "El pelotón chiflado", que no se vale del apellido de su padre y que debuta con una muy elegante y propia comedia (dije comedia y no parodia, como las muy buenas pero sin ningún fundamento reflexivo como la saga de "Scary Movie") que nos demuestra que no es necesario documentar un problema muy grave y más bien satirizar con una historia inventada con personajes ficticios pero con una base fundamental verídica y una estructura de humor negro que posiblemente funciona mejor punch que los serio de un programa educativo.

Nick Naylor es el mayor portavoz y vicepresidente del "Instituto de Estudios Tabacaleros", que se encarga con su convincente y lógica labia de que a "masas" de personas se les antoje un relajante cigarrillo además de tratar de dejar claro que no es tan dañino e incluso te puede ayudar a tu salud en ocasiones.

Aunque el punto principal sea el fumar en la trama, es solamente un gancho del argumento de los miles de problemas que rodean a Nick, como su divorcio, la lucha constante contra miles de personas que manifiestan, que miles de personas adictas mueren de cáncer por culpa del tabaco, enemigos empresariales que piden su cabeza, miembros del Senado que pelean en contra de la compañía tabacalera y lo más importante; la imagen que debe reflejar para poner claro a su hijo que además de demostrarle que es un buen padre es una persona ejemplar de imitar en la vida y que su trabajo es digno de respeto y sobre todo de profesionalismo.

Desde un punto curioso y técnicamente ingenioso que no hay necesidad de ver a alguien en toda el transcurso de la cinta a alguien fumando o un cliché simbólico contra el fumar como es el típico cenicero lleno de cigarros fumados para hablar del tema, del problema del tabaco hasta enfocar otras "ramas" de igual índole "destructivo" como el alcoholismo o el uso legal de armas comercializado por dos personajes iguales de profesionales en su campo que nos regalan con sus sarcásticos diálogos que nos hacen disfrutar de ironía que a la vez son una fuerte ráfaga de protesta a los temas que se viven en la sociedad, muchos personajes llenos de fascinante carisma para fundamentar en cortas pero sorprendentes apariciones que ayudan de balance narrativo a la cinta como el legendario Robert Duvall como una clase de "padrino" dueño de la compañía quian pone toda su confianza en Nick, el icono "dandi" de películas ochenteras: Rob Lowe (que con todo respeto fue un amor platónico de mi madre en tal década) que en esté caso se roba el show como director de cine con una fachada entre amanerado y enfermizo ricachón fuera de su habitual fachada anterior a su carrera y una cantidad de cameos que queden de "trivia" buscarlos.

Gracias por fumar no es un documental para reflexionar como antes aclare "marca" Michael Moore (que de paso aprecio mucho su técnica de demanda) sino más bien una comedia con un elegante humor negro y un derrame de simbología muy bien acentuada y balanceada con un toque reflexivo que más pretende satirizar la comercialización de el tabaco con todas sus ganancias financieras y sus conflictos mercadotécnicos y claro no el tema pedagógico si no más bien un libre mensaje, un vicio muy vendible que atribuye a desarrollar cada vez más a la riqueza de compañías tabacaleras que no les interesan enfermar toda generación tras generación de cáncer.

Memewolf

TRAILER DE THANK YOU FOR SMOKING

Requiem for a Dream (2000) por MEMEWOLF

2008-05-05T14:22:00.000-07:00

Darren Aronofsky después de darse a conocer con la surrealista y sutilmente abstracta cinta de ciencia ficción P.I. al estilo de muchas obras de símilares contenidos como la incomprensible eXistenZ del enigmático David Cronenberg o la obra de culto existencial de animación del creador de la clásica Ghost in the Shell, Mamoru Oshii, Avalon, que promueven visiones afuera de tanto cliché futurista prometedor de falsa esperanza en el mundo, ahora nos entrega una integrante dosis enfermiza más apegada a la realidad actual.

Harry (Jared Leto) y su novia Marion (Jennifer Connelly) además de compartir una vida con base a confianza, amor y sexo, comparten una forma poco particular de subsistir al ritmo desconcentrado cotidiano que en toda sociedad es atacada aunque no lo hacen de una forma sobria si no más bien entreteniéndose con cualquier droga que los sumerja al menos momentáneamente en cualquier ilusión, ellos con su amigo Tyrone (Marlon Wayans) tratarán de sobrevivir a costa de todo, pudiendo conseguir y vivir en el negocio del trafico de drogas que al final no les
traerá muy buenos resultados.

Además de está paupérrima situación, la madre de Harry que se encuentra obsesionada con perder libras a costa de todo y que lastimosamente caerá en manos de un médico que le provee un tratamiento no adecuado, que más tarde le ocasionará un desequilibrio psicológico que le puede ocasionar la locura.

No siendo innovadora con el tema de la drogas, Requiem for a Dream se manifiesta de una forma brutalmente directo a los sentidos del espectador con miles de detalles muy innovadores en el tratado de la dirección que nos puede manipular psicológicamente y llevarnos a una plan descoordinado enfocado al contraste visual y sonoro que provocará un desequilibrio de ritmo que a la vez nos proyectará a la reacción nerviosa de los síntomas de la droga con un muy buen tratado narrativo y original de tomar detalles emocionales de ansiedad y descontrol entre otras.

Es muy justificada la visión esquizofrénica y devoradora que se desencadena y nace del útero de la verdadera decadencia urbana del mundo de las drogas, la cual nos sumergen psicológica y emocionalmente hasta inyectarnos una venenosa dosis que nos provocará alrededor de 2 horas y media, una especie de neurosis reforzada por una muy bien entregada producción y dirección llena de balanceadas y benévolas actuaciones encargadas de ofrecer una inolvidable pesadilla visual que nos dejará helados por la verdadera decadencia del vicio de las drogas.

No así llegando ser está cinta una clase de forma "pedagógica" para prevenir que un sin fin de adictos a las drogas reflexionen y se encarguen mejor de buscar ayuda profesional y dejar ese cansado mundo, aunque servirá como testimonio visual para muchas vidas desenfrenadas.

Requiem nos ofrece una buena dosis cinematográfica de cómo las drogas y las adicciones pueden llegar a ser tan despiadadas con el humano, visiones moderna muy bien reflejadas en la agonizante Trainspotting del director Danny Boyle (28 days later, sunshine) hasta la sarcástica y juguetona Spum, evidencian la problemática sin necesidad de caer en dramatismos.

Muy buena dosis psicológica que nos puede llegar a introducir a una experiencia muy emocional pero la cual nunca de desearíamos vivirla en la vida real.

Memewolf

TRAILER DE REQUIEM FOR A DREAM

Planet Terror (2007) por TOOLTOBAR

2008-05-05T09:36:00.000-07:00

La primera parte del proyecto Grindhouse, ideado por los compadres Quentin Tarantino y Robert Rodríguez, nos muestra una pieza que, tratando de ser lo más objetivo posible, la he reconocido como el caldo que le gusta comer a Rodríguez.

Y es que esto se nota en la dirección y la historia de Planet Terror, producción para rendir tributo a las clásicas películas serie B, donde el gore, el sexo y la violencia desbordan en todo momento. Robert Rodríguez, director de El Mariachi, Sin City, Four Room, Spy Kids, Once upon a time in Mexico, entre otras, nos ofrece un historia clásica de zombie al mejor estilo del inmortal George Romero, donde o le reventás los sesos al zombie de un escopetazo o los espectros mutantes te destrozan y te desmiembran al mejor estilo de los efectos del inmortal Tom Savini haciendo un festival de sangre, tripas y huesos en una receta italiana de apellido Deodato. Apetecible.

El guión, en realidad podríamos decir que es más de lo mismo, pero si lo que queremos es una producción para rendir homenaje y culto, es una detalle solventable. Un extraño virus es liberado en un poblado, convirtiendo a las personas en extraños seres inconcientes, gangrenosos y deseosos de devorar todo lo que se encuentre a su paso. Varios personajes en su agonía por sobrevivir, se reúnen y se desata una lucha entre espectros y humanos llevando el gore, la sangre y el pus al extremo.

En la cinta aparecen muchos actores de renombre como Bruce Willis, Quentin Tarantino, Tom Savini, Rose McGowan, Freddy Rodríguez, Ferguie (como la descerebrada) y Josh Brolin entre otros. Y los vemos en poses extravagantes y situaciones comprometedoras, propias en este género que van desde una heroína con ametralladora en lugar de pierna, soldados excitados con los testículos derretidos y lenguas que explotan en pus.

En definitiva para los públicos que no soporten este tipo de violencia en pantalla, pues Planet Terror no será una opción; pero hay que reconocer que fuera de los clichés que nos presenta la producción, es una muy buena forma de rendir tributo a toda esa generación de películas ha ganado una cantidad de fanáticos por todo el mundo.

El efecto (audio y video) de película serie B de aquellos años es algo que está presente en Planet Terror y al igual que Death Proof de Quentin Tarantino aborda temáticas clásicas como el asesino despiadado y el engendro caníbal.

Es tanto el ánimo de hacer la simulación de la función doble Grindhouse que hasta se diseñaron varios falsos trailer de otras cintas que “estarán pronto a estrenarse”, incluyendo MACHETE, protagonizada por el gran Danny Trejo, que ha quedado muy enmarcado en los seguidores del actor llegando a exigir la realización de la película que tiene como héroe a un mexicano que en pocas palabras hace lo que cualquier inmigrante quisiera hacer con muchos gringos…

TRAILER DE MACHETE CON DANNY TREJO

Luego de ver Planet Terror, quedé con una sensación agradable por haber presenciado una producción entretenida, arriesgada y extrema, firma ya de Robert Rodríguez en todos sus trabajos. Si quieren ver tripas, sesos explotados, sangres, canibalismo, sexo, explosiones, cuerpos volando, humor y casquillos de armas de fuego por todos lados, pues permítanme darles la bienvenidos al Planet Terror como parte de la primera función del Grindhouse.

Tooltobar

TRAILER DE PLANET TERROR

Big Fish (2003) por TOOLTOBAR

2008-05-05T09:29:00.000-07:00

Tim Burton, uno de todos los tiempos. Cuántos trabajos recordados nos ha entregado, desde la genial Eduardo manos de tijera, el recordado Ed Wood Jr. y su Plan 9 del espacio exterior, El gótico héroe enmascarado, el escatológico beetlejuice y el memorable Vincent Malloy allá por inicios de la década del 80, con la narración monumental del maestro Vincent Price y las menciones pueden continuar y continuar. En realidad Tim Burton es uno de los escogidos. Y es que independiente la temática que aborde el director en sus proyectos, el toque característico está presente.

Big Fish es un producción del 2003 y cuenta la historia de Edward Bloom un tipo con carisma, quien es en pocas palabras un genial narrador que siempre deja maravilladas a todas las personas que escuchan las anécdotas fantasiosas de su vida; y para todas las personas eso está bien, menos para su hijo Will quien, en gran parte, por su profesión como periodista mira a su padre como alguien que siempre ha vivido en las nubes y alejado de su familia.

En las últimas horas de vida de Edward, su hijo regresa de Francia para acompañarle a él y a su madre. Éste es el ambiente propicio bajo el cual Will de percatará de quién ha sido su padre y todas las historias que vivió para poder estar con ellos en ese momento (claro está al mejor estilo del prodigioso narrador), donde nos percatamos del hombre que está detrás del mito, donde la fantasía y la realidad se mezclan para hacer más memorables las experiencias, únicas.

La producción cuenta con las actuaciones de Albert Finney y Ewan McGregor, quienes personifican a Edward en la edad adulta y la juventud respectivamente, Billy Cudrup como Will el lógico e incrédulo hijo y otros reconocidos como Danny DeVito, Jessica Lange, Alison Lohman, Helena Carter, Steve Buscemi, y Matthew McGrory (R.I.P) como el recordado gigante Kart. Sin embargo, fuera de el espectacular elenco, tenemos en trasfondo una historia muy rica, donde los personajes sobresalen lo justo, tomando protagonismo cuando se debe y luego saliendo de esta historia la cual nos enseña que muchas veces el paso de la vida no puede ser el más satisfactorio, pero si le ponemos el sazón, éstas se transformarán en experiencias mucho más interesantes.

La fotografía y la estética plasmada en la cinta es impecable, característica de Burton quien se aleja un poco de las ambientaciones que nos acostumbramos en otros trabajos, pero no dejando de lado la estupenda imaginación que lo ha transformado en un director único.

Big Fish es una cinta que nos ofrece la vida ordinaria con un edulcorante particular y tendremos momentos de risa, de drama, acción, donde nos deja la reflexión de que está en manos de cada uno ser un tipo ordinario con una vida ordinaria o por el contrario ser recordado como alguien que salió disparado del vientre materno al momento de nacer, un héroe que se enfrentó con un gigante de tres metros para salvar a su pueblo o un soldado que se enfrentó con todo el mundo con el afán de estar de regreso con su amada.

¡Qué película! Excelente

Tooltobar

VINCENT (1982) CORTO ANIMADO DE TIM BURTON

Ratatouille (2007) por TOOLTOBAR

2008-05-05T09:09:00.000-07:00

Traigo a tema esta película de animación, ya que muchas veces nos encontramos con producciones de este tipo que fuera de los efectos súper realistas, no ofrecen mayor cosa, sus historias son sosas no logrando la afinidad y la compenetración que idealmente deben poseer con los espectadores.

Remy es una rata que viven en las afueras de la espectacular ciudad de París, comparte con su familia las costumbres y tradiciones de siempre, comer, andar entre basura, en cuatro patas; sin embargo Remy tiene la fascinación por la comida, su sueño es ser un gran cocinero, disfrutar la comida haciéndola un arte, inspirado en gran parte por el Chef Gusteau quien con su lema “Tomo mundo puede cocinar” abona al sueño de la rata de estar haciendo lo que más le gusta.

Luego de un alborotado hecho, Remy para en el famoso restaurante del Chef Gusteau, presentándosele una inmejorable oportunidad para demostrar sus habilidades; sin embargo enfrentará situaciones desconcertantes como el prejuicio y el desagrado que significa que una rata esté en una cocina o que peor aún, meta sus patas en algún caldo para sazonarlo.

Frente a esta situación adversa se desarrolla la historia del pequeño chef, y alrededor de él personajes que ayudarán, complicarán y transmitirán un mensaje significativo, universal y retador para ellos y para nosotros mismos como espectadores.

El concepto de familia plasmado en Ratatouille es genial, de ésas que muchas veces renegamos y no estamos de acuerdo con su forma de actuar, pero que al fin son familia y están con nosotros en cualquier momento. El desarrollo de cada uno de los personajes, rondando lo genial. El inhumano y rígido crítico Anton Ego (Con la voz original de Peter O’Tool) que es el desencadenante, desde mi punto de vista, de lo que la cinta quiere proyectar.

La historia, punto muy rescatable, debido a la participación de Brad Bird quien ha estado en otros proyectos muy recordados dentro del cine de animación como los increíbles y el gigante de hierro y aunque no se puede comparar con tramas de animación mucho más complejas, queda demostrado que una producción infantil puede ser inteligente y precisa narrativamente, dejando de un lado las ideas vacías y huecas para otras producciones.

Ratatouille ofrece un balance que hay que reconocer, muy buenas animaciones, excelente dirección y una historia atada donde hasta el más pequeño papel genera identificación. Cuando fui al cine a ver esta película, fui como todo un Anton Ego, pero tengo que reconocer que al final gracias a esta fórmula sencilla y balanceada, terminé desarmado. Recordemos que “todos pueden cocinar”.

Tooltobar

TRAILER DE RATATOUILLE

American Splendor (2003) por TOOLTOBAR

2008-04-28T12:04:00.000-07:00

Cómo afrontar la vida de una forma única, Harvey Pekar, el creador del comic suburbano American Splendor, es un muy buen ejemplo. La cinta del 2003, realiza un relato biográfico muy dinámico del problemático, compulsivo y neurótico creador de uno de los comics underground más reconocidos en los Estados Unidos Norteamericanos.

Desde pequeño, Pekar interpretado por Paul Giamatti, fue muy diferente a lo que sus amistades entendían por normalidad, siendo apartado y nunca encaminado a seguir las reglas sociales significándole ser irregular y nunca poder establecer una relación amorosa duradera o un trabajo que le permitiera subsistir de la manera que él esperaría; pero ¿Cómo tenerlo? Si Harvey es un auténtico cascarrabias, obsesivo coleccionista de discos y comics.

Desesperado por su situación paupérrima, decide crear una historia ordinaria y común basada en sus experiencias y la de sus amigos, ayudado por el joven caricaturista Robert Crumb quien ilustra todo lo que escribe Pekar ya que él no puede dibujar ni una sola línea recta. Sus amigos unos completos casos para algún libro sobre desordenes mentales, desde autistas que viajan hasta 240 kilómetros para poder ver la película la Venganza de los Nerds, hasta individuos con delirios de grandeza o por otro lado con delirios de persecución. Bajo esta línea la cinta desarrolla todos los altos y bajos que Harvey sufre a lo largo de su vida.

Pero qué es lo llamativo de American Splendor, que prácticamente conviven dos géneros en un mismo momento, aderezado con elementos como el comic que dan un ritmo único haciendo que el espectador se adentre en la particular vida de nuestro protagonista.

Hay mucho de qué hablar con respecto a la cinta. Apreciamos la ficción del personaje, las naturaleza real del mismo a través de un cuasi documental incorporado donde intervienen los personajes reales a reforzar mucho los momentos que presenciamos gracias a las actuaciones del mal encarado Paul Giamatti y compañía. Las situaciones se mezclan con las animaciones propias del comic y tenemos momentos de descanso cuando estamos en un monólogo existencialista.

La cinta ofrece un enfoque muy dinámico, particular sobre cómo abordar temáticas como la vida de un personaje famoso y llevarlo a la pantalla grande, alejándose mucho de la idea vaga y monótona de muchas películas de este tipo que luego de estrenarlas hasta los mismos personajes reales terminan disgustados con la producción porque se aleja mucho de lo que en realidad son.

En el trasfondo, American Splendor es un insulto para todos aquellos que piensan que las condiciones adversas son las culpables de todas las desgracias que sufrimos y que no podemos emprender un proyecto por no tener el don divino o los talentos para poder realizarlos. Pekar con todo su pesimismo logró romperlo y a pesar de no saber dibujar más que humanos de palitos, creó uno de los comic cotidianos más recordados en una época donde los héroes no trabajaban, tenían superpoderes y no se percataban de lo tedioso que podría ser una ancianita en una fila de supermercado.

Tooltobar

TRAILER DE AMERICAN SPLENDOR

The Descent (2005) por MEMEWOLF

2008-04-28T12:00:00.000-07:00

Director: Neil Marshall

Un año después de un brutal accidente que cambiaría trágicamente el rumbo de la vida de Sarah, el grupo de cinco viejas amigas quienes siempre practicaron el deporte extremo se encargarán de motivarla de nuevo para que den marcha a una nueva expedición, esta vez la ruta será a unas desoladas cuevas, aunque posiblemente sea un peculiar viaje divertido lleno de adrenalina y emociones el cual propague una intensiva terapia ocupacional para Sarah y sus amigas no puede ser descartado que algo suceda mal, perjudicándoles con problemas como quedar soterradas, heridas o perdidas en una atmósfera desconocida en la oscuridad...y posiblemente con compañía del algo acechándolas.

Después de esperar un buen largo tiempo para poder apreciar de un buen cine de terror de ese que nos trasmite esa inquietante incomodidad "placentera" a la que no siempre tenemos oportunidad de experimentar cuando somos invitados a tantas apuestas de género que al final resultan ser otro chasco que ayuda a desencadenar mucho más la "fe" que como fanáticos obsesivos estamos enviciados a poder terminar satisfechos de una buena dosis de violencia, sangre pero sobre todo mucha coherencia narrativa que nos estimula a poder creer que algo sobrenatural o paranormal puede llegar a existir.

El director inglés Neil Marshall quien se encargo de entregarnos debutando en el 2002 con la magnífica pieza de terror y acción Dog Soldiers que para muchos pasó desapercibido pero para los verdaderos fanáticos de cine de terror fue un respiro en el ahogamiento de tanta mediocridad de cintas hollywoodenses y orientales que cayeron en la redundancia. Ahora nos muestra otra de sus obras llena de mucho suspenso y
terror como es El Descenso.

Esta vez con su segunda obra nos muestra que el talento sigue de pie y puliéndose aún más para bienestar de no desencantar a tal serie de fanáticos de la sangre, con nuevos detalles muy originales como está vez en diferencia a Dog Soldier que ocupó casi solo elenco masculino ahora nos muestra un grupo de mujeres alrededor de la cinta pero con el mismo coraje y valor, no cayendo en el típico cliché de por ser mujeres solo pueden gritar y llorar sin defenderse. Hablando de más detalles técnicos similares en esta ocasión en lugar de ocupar de soporte visual casi la mayoría de la cinta a una cabaña en el bosque, encontramos una lúgubre caverna soterrada como escenario en casi toda la historia llena de oscuridad y sombras haciendo más tétrico el ambiente, ocupando lo menos luz solo en base a antorchas, linternas y vista infrarroja que cualquiera enfermo de claustrofobia puede agonizar viéndola.

Pero al final El Descenso nos prepara una importante sorpresa muy acechadora en la historia y no me refiero al canibalismo, las mutilaciones o las criaturas grotescas, si no más bien a algo mucho más devastador a lo que si debemos temer: lo despiadado y sin escrúpulos que puede resultar el ser humano cuando es lastimado y traicionado en la vida.

Memewolf

TRAILER DE THE DESCENT

Elephant (2003) por TOOLTOBAR

2008-04-28T11:52:00.000-07:00

Dirigida por Gust Van Sant, Elephant nos trae el tema de la violencia juvenil y las razones por las cuales se dan estas explosiones de furia dentro de ambientes que son considerados inviolables dentro de cualquier sociedad.

La historia se basa en las múltiples vivencias que se dan dentro de los pasillos, canchas, cafeterías, bibliotecas y aulas de una tradicional preparatoria norteamericana. Lo cotidiano de las situaciones es el preámbulo de un caos organizado por dos estudiantes que encontraron las suficientes justificaciones como para planificar una “pequeña venganza” en contra de las personas que los han discriminado al grado de considerarlos como una especie de freaks.

La forma que el director escogió para dar esa idea de cotidiano es lo que más llama la atención, para bien o para mal, ya que hay largos momentos dentro de la película que son captados con el famoso plano secuencia, técnica que resulta muy llamativa e innovadora pero un tanto tediosa para personas que no están acostumbradas a estar expuestos a largos movimientos de una cámara que vivencia junto a un personaje todo lo que está alrededor.

Junto a esto, Gust Van Sant nos impacta con la realización de múltiples historias en un mismo momento, narrada de forma lineal dentro de la cinta, lo que implica un reto dentro de la producción al no dejar suelto ningún detalle o recrear las escenas de tal modo que hasta el salto de un perro en los patios de la escuela sea recreado en las tomas posteriores de los pasillos y considero que es acá el punto determinante de Elephant ya que a través de estas técnicas logran los guionistas, productores y directores salirse del desarrollo de una cinta y nos introduce gracias a la sujetividad de la cinta siendo parte de la escuela, convirtiéndonos en estudiantes de biblioteca, de cafetería, de gimnasio e inadaptados. Somos víctimas y criminales a la vez por ser parte de la historia, al identificarnos con los personajes debido al carácter íntimo de la producción.

El director fue inspirado en la famosa masacre de Columbine, en una preparatoria de los Estados Unidos y es recordada en cada tiroteo posterior que se da, principalmente en esta nación, como el tristemente famoso Cho Seung-hui, responsable de la masacre en Virginia Tech.

Acerca de Elephant se escuchan comentarios encontrados, llegando a considerarse como un anestésico debido a la lentitud y la cadencia de muchas de sus escenas a pesar de su corta duración; sin embargo considero que es una excelente opción para adentrarnos de una forma única en los temas de la juventud, violencia, rechazo y marginación social.

Tooltobar

TRAILER DE ELEPHANT

Awakenings (1990) por TOOLTOBAR

2008-04-28T11:47:00.000-07:00

Muchas veces nos preocupamos por una cantidad de cosas que en realidad hay que evaluar si valen la pena, estamos preocupados de cómo nos vestimos, de cómo nos mira la demás gente y la lista la puedo continuar hasta llenar unos dos párrafos de esta crítica; pero olvidamos cosas que en realidad son importantes y fundamentales que por ser tan “comunes” las pasamos inadvertidas o las damos como hecho.

Awakenings es una película de 1990 y es protagonizada por Robin Williams (Dr. Sayer), quien dentro de sus experimentaciones dentro del hospital Bainbrigde, prueba una nueva droga para pacientes catatónicos tomando de conejillo a Leonard Lowe (Robert de Niro) un caso con muchos años dentro del nosocomio, postrado en una cama con parálisis, atendido por doctores, enfermeras y su incondicional madre.

Inesperadamente Leonard reacciona luego de décadas de oscuridad para sorpresa de muchos, gracias a los arriesgados experimentos, motivando al Dr. Malcom Sayer a reunir los fondos para inducir muchos más “despertares” dentro del hospital. En medio de este alboroto, El doctor y el paciente desarrolla una particular amistad, donde Sayer, aburrido, rutinario y muy metido en la profesión se percata, a través de Leonard, que la vida es mucho más de lo cánones sociales: una profesión, el éxito laboral.

Leonard tendrá que luchar frente a su nueva vida, bajo la reclusión en el hospital, el cambio dentro de la ciudad, ya que estuvo con la enfermedad durante 30 años, la tecnología, los vehículos y el particular estilo de vida de la época.

La producción es basada en una historia real ubicando los hechos en el año de 1969 y narrativamente es sólida, no es de esperarse un despliegue de efectos especiales o encuadres rebuscados; ya que el peso está en la historia que trata sobre temas humanos como el olvido hacia lo básico y lo importante de la vida: El amor, la familia, el estar agradecido por el viento en el rostro mientras se está en una roca sobre el mar, en pocas palabras es una película para entrar en reflexión.

Las actuaciones, por demás está decirlo, impresionantes, Robin William como el inseguro doctor Sayer, con un punto de vista muy poco frecuente acerca de la vida, conoce todo sobre ella y el tratamiento digno, como humano, que cada persona debe recibir. Obsesionado, olvida todo lo que pregona en la teoría para si mismo, convirtiéndolo en un tipo tímido y aislado que cree en todos los proyectos que se propone, aunque los demás digan todo lo contrario.

Robert De Niro, demostrando sus capacidades dentro de la actuación ofreciendo un papel memorable como el paciente Leonard Lowe, quien será determinante dentro de la historia y dentro de la vida de Sayer. Entra como parte de las investigaciones del doctor y termina como uno de sus mejores amigos.

Junto a ellos se desenvuelven muchos personajes como Lucy Fishman (Alice Drummond) quien es la chispa que enciende las ideas de investigación dentro del doctor sayer y la incondicional enfermera Eleanor Costello (Julie Kavner) que sigue todas las ideas “descabelladas” del doctor aunque nadie crea en él.

Eso es lo que nos ofrece Awakenings, actuaciones que refuerzan una historia emotiva, donde la idea del aprovechar el tiempo propuesto en muchas otras historias como la genial Sociedad de los Poetas Muertos, también interpretada por Robin Williams, queda de manifiesto.

No nos olvidemos de las cosas más simples y luego de ver está producción aprovechemos, el ocio, el trabajo, la amistad y la familia que esas cosas son las que importan, las cosas que generalmente hemos olvidados, las más simples, por darlas como hecho. Excelente película.

Tooltobar

ESCENA DE AWAKENINGS

The Dangerous Lives of Altar Boys (2002) por MEMEWOLF

2008-04-28T11:41:00.000-07:00

Desarrollada en la década del setenta, pero dirigida abiertamente para todos aquellos quienes echamos de menos ese mundo en que vivimos y jamas viviremos de nuevo...la pubertad.

Francis y a Tim , dos adolescentes rebeldes estudiantes de una preparatoria religiosa, obsesionados en crear un comic llamado "The Atomic Trinity", personificándose así como héroes y mostrando a los maestros como villanos de la historia, tratarán la forma de evadir las presiones y reglas que la parroquia los limitan aunque tarde o temprano se darán cuenta que tal sistema es sólo parte de una etapa la cual se tiene que respetar y superar con la madurez pues de lo contrario podrían traer muy malas
consecuencias.

Con Jodie foster como productora de la cinta y también encargada de la batuta de un elenco experimental de jóvenes, muy fuera de sus convencionalismos de interpretar a papeles en la mayoría de casos principales y muy destacables esta vez se limita a darnos, pudiera decir un muy caprichoso y corriente personaje pero con una presencia siempre llena de su calidad como actriz, a igual que Vincent D'Onofrio como "el padre Casey" que a igual creo que muy conciente que está clase de papeles los recordarán por raros y fuera de serie de su trayectoria y no porque ganarán una un oscar por la actuación (aunque para mi será siendo siempre el mejor papel como alienígena en Men in black...aunque casi inrreconocible, pero inolvidable), ahora lleguemos al elenco juvenil que es el encargado de la base sólida de la historia; Jena Malone como "Margie "una extraña adolescente perturbada por su pasado lleno de funestos secretos que pueden perjudicar para siempre su vida, Emile Hirsch "Francis" que además de vivir enamorado del arte de la caricatura, se enamorará también de Marguie que le puede traer raras consecuencias, Kieran Culkin "Tim" siendo el mejor amigo de Francis vive su vida de a través de reprensiones emocionales que los tratará de esconder con su peculiar comportamiento rebelde.

Teniendo un muy buen balance en sus personajes logran una creíble fusión artística juvenil la cual se necesitaba en la historia. Visualizando una muy prometedora carrera en el cine para cada uno que de paso creo que cada quien jalará por diferente camino desde muy buenas propuestas independientes hasta lo comercial de hollywood en el futuro.

Esta es una de tantas películas que no llegan a la pantalla gigante, siendo una clase de cine que no necesariamente tiene que ser una megaproducción de hollywood o una sumamente obra intelectual desbordante de trama idealizado por los más visionarios escritores de séptimo arte para llegar a ser una película merecedora no del premio oscar si no de algo mucho más importante: llegar a ser una pieza de culto para un público en particular.

Buena opción también para seguidores del magnate del comic, Todd McFarlane quien se encarga de la creación de los cortos animados.

Memewolf

TRAILER THE DANGEROUS LIVES OF ALTAR BOYS

Les Choristes (2003) por TOOLTOBAR

2008-04-28T08:59:00.000-07:00

Los coristas es un producción francesa que me causó una agradable impresión al no caer en el clásico error de las películas de “arte” que por dar la apariencia de intelectualidad e innovación ofrecen espectaculares churrazos, aburridos y cobijados en la idea de la complicación que lo único que hacen es matar lo poco rescatable que pudieran ofrecer.

Y qué es lo particular de esta historia: Lo lineal pero entretenida que es la historia, muy bien atada, apoyándose en estilos como el humor, el drama para ofrecer una variedad y adecuado manejo a los tiempos de desarrollo de la historia, todo esto apoyado en un muy acertado soundtrack que enfatiza y le da frescura.

“Los coristas” se basa en los recuerdos de un par de amigos sobre las experiencias vividas en el Fond de l’etang un internado para muchachos problemáticos, el clásico ejemplo de muchachos descarriados bajo un sistema de educación impositivo de acción reacción o también recordando pavlov y su condicionamiento clásico como respuesta ante la falta de eficacia de los demás métodos empleados por los custodios, el director y demás personal de la institución.

La forma de trabajo es alterada bajo la intervención de Clément Mathieu, el nuevo prefecto que encuentra a través de la música, lograr poner en calma a todos los “demonios” que tiene a su cargo, motivándoles a generar expectativas, trazarse metas y pensar en una mejor vida fuera de las paredes de la institución.

Dentro de la rígida estructura los niños y el maestro forman al coro como una forma de acercamiento y canalización ante tan complicadas personalidades. Bajo esta historia simple, sin ninguna complicación se desarrolla “los coristas” ofreciendo además personajes para el recuerdo como el esperanzado Pepinot, el problemático pero noble Morhange, el inocente Boniface y el extremo y violento Mondain.

La película ofrece varias escenas recordadas, como la despedida del prefecto Mathieu del problemático centro escolar. Pepinot y su esperanza reflejada en severas decisiones, todo esto junto a un muy acertado soundtrack creado por Bruno Coulais.

Los coristas en realidad no ofrece algo nuevo, sino más bien lo que hemos visto en infinidad de cintas pero con la diferencia que acá están muy bien realizadas, sin necesidad de exagerar o abusar de algún recurso, lo justo.

Tooltobar

LOS CORISTAS. LA NUIT

Lords of Dogtown (2005) por MEMEWOLF

2008-04-21T12:04:00.000-07:00

Director: Catherine Hardwicke

De fachada, por la portada puede aparentar ser una cinta hecha ajustadamente para aficionados del skateboard, pero no es así... y eso es lo que pasa con muchas películas con títulos mal traducidas al castellano, afiches publicitarios desenfocados en la propia pureza del tema y portadas que automáticamente desmotivan al público de ver una buena cinta, siendo así uno de los problemas más graves de un sin fin de géneros del cine que llegan a caer en una errónea forma de motivación de dejar de ver miles de excelentes piezas cinematográficas.

Stacy Peralta, Tony Alva y Jay Adams, los legendarios pioneros quienes heredaron el deporte extremo del skateboarding en la decada del 70 son plasmados en una adaptación la cual hasta los verdaderos y ya veteranos célebres personajes aprueban (e incluso actúan en cameo) mostrando que los inicios de este deporte o mucho mejor dicho "forma de vida" no era nada fácil poder vivirla a través de problemas familiares serios, económicos y emocionales, tratando de sobrevivir en un barrio pobre de Santa Mónica, Los Ángeles, California pero con un motivación y frenético espíritu adolescente el cual a muchos nos traen buenos viejos recuerdos.

Enfocada en la década de la revolución setentera a través de bueno elementos visuales y musicales de tal época, la historia no se divorcia de tales detalles que fueron promocionales para establecer ideologías más libres que denominaron movimientos como el rock, la moda y en este caso el "skateboarding" que ahora ya han ha llegado a convertirse en una estilo de vida muy particular de subculturas hasta llegar a una comercialización de compañías como la propia Thrashers Magazine.

Aunque no se trate sólo de elogios por posiblemente caer en lo encasillado de cliches ya repetidos de personajes como "el ganador" y "perdedor" de la historia, la motivación de la dirección de la cinta trata narrativamente de no caer en lo barato de sobrepesar el tema principal en la historia y darnos un panorama más extenso de dónde y porqué este movimiento no es solamente el cargar la patineta debajo de el brazo en el centro comercial y dar la semejanza de ser un joven sin ningún futuro próspero.

No esperemos ver mega shows de acrobacias a lo que Tony Hawk entre otros, que han pulido el show en los tiempos actuales pues no es un dvd que muestra cómo actúa la gravedad contra la velocidad a través de destrezas; mas bien es una historia muy bien actuada y narrada que nos presenta de cómo este movimiento posiblemente callejero se formó básicamente por tres adolescentes que pobremente con ordinarias tablas con duros rodos de plástico y en piscinas vacías ajenas se propusieron inventar lo que ahora es uno de los más grandes deportes extremos y repito... para muchos una muy particular forma de vida sin límites llena de libertad...

Memewolf

TRAILER LORDS OF THE DOGTOWN

Eternal Sunshine Of The Spotless Mind (2004) por TOOLTOBAR

2008-04-21T12:00:00.000-07:00

Cuando nos interesamos por una película es generalmente por los actores que estarán dentro de la producción, el director que estará detrás de cámaras y muy pocas veces nos salimos de estos esquemas. La profesión del guionista considero que es una de las más crueles si las vemos desde esta óptica, pero es de reconocer que hay muy talentosos escritores que nos regalan historias geniales al grado de hacer una marca registrada a su particular forma de narración.

Charlie Kaufman, guionista que ha estado detrás de extrañas cintas como Being John Malkovich o Adaptation, nos ofrece una historia romántica concentrada en la posibilidad de borrar nuestros recuerdos de experiencias traumáticas (incluido el amor).

La película es dirigida por Michel Gondry y nos centra en la amarga experiencia de Joel Barish (Jim Carrey), un tipo gris y monótono que encuentra la luz y el color a su vida a través de Clementine (Kate Winslet) una mujer completamente opuesta a la personalidad de Joel formando un excelente complemento; sin embargo luego de un tiempo no pueden manejar la monotonía de la cual muchas relaciones adolecen y terminan colapsando tomando cada uno su camino, esta experiencia le es insoportable para Joel al grado de decidirse por un tratamiento borra recuerdos que identifica la ubicación en el cerebro de los pacientes de las situaciones traumáticas y las elimina por medio de un proceso que es considerado por el mismo inventor como “un daño cerebral”.

La cinta se mueve en situaciones acontecidas en la realidad de los personajes y en la mente de Joel donde, al percatarse de la necesidad que tiene de recordar a Clementine, huyen junto a su chica por todos los recuerdos de su mente, adentrándose en las experiencias más privadas, íntimas y humillantes del protagonista todo con el afán de lograr una señal que le indique donde iniciar de nuevo en la realidad.

Una historia de amor muy al estilo de la dupla Kaufman y Gondry, que nos ofrece un refresco ante tanta comedia romántica que más parecen la solución para las personas que parecen insomnio.

Eternal Sunshine Of The Spotless Mind es una historia de amor y desamor común con un concepto visual sólido e impresionante aunado con la narración en diferentes tiempos que si no se le pone atención desde el inicio no sabremos si estamos en la mente, en el presente o en el pasado del pobre Joel.

El Eterno Resplandor de una Mente sin Recuerdos, es una producción arriesgada en cuanto a los manejos de tiempo, fotografía y colores. Con actuaciones sobrias, justas y proporcionales al funcionamiento dramático. Jim Carrey pasando de ser una caricatura completa a alguien desesperado y destruido por el amor, nos demuestra que puede hacer más que caras de hule y gesticulaciones exageradas, sin que eso signifique que esté en contra de él como actor. Muchos vientos de frescura con esta producción!!!

TOOLTOBAR

TRAILER DE ETERNAL SUNSHINE OF THE SPOTLESS MIND

Dancer in the Dark (2000) por TOOLTOBAR

2008-04-21T11:54:00.000-07:00

Hay películas que retratan situaciones muy crudas con respecto al extremo que puede llegar la naturaleza humana, generalmente estas cintas son evitadas por públicos que buscan el entretenimiento y una buena justificación para quitar o sacudirse las tensiones.

Dancer in the Dark es dirigida por el danés Lars Von Traer, quien también ha estado detrás de Breaking the Waves y más recientemente en Dogville. La Bailarina en la Oscuridad, como fue titulada en español, es interpretada por la carismática cantante islandesa Björk, quien entró por la puerta grande la actuación interpretando a Selma, una trabajadora checoslovaca que se encuentra en los Estados Unidos dentro de una fábrica, al mejor ejemplo de las líneas de producción industrial donde las personas son consideraras como partes o piezas del engranaje de la empresa. La humilde trabajadora esconde dos grandes secretos, la ceguera progresiva que la está dejando en una completa oscuridad y los pocos ahorros que ha logrado a lo largo de los años para poder costear la operación de su hijo Gene quien por herencia está padeciendo del mismo mal de Selma.

La protagonista, ante la dura situación que experimenta, encuentra la salida en sus ensayos para obras musicales los que realiza luego de las extenuantes jornadas de trabajo y tras largas caminatas, encontrando en la música y el baile el perfecto balsámico para todas las penas.

Ante un desafortunado hecho, Selma experimentará lo cruel que puede ser la vida y las actitudes de las personas, incluso de las que ella considera como sus amistades.

Lars Von Trier, director precursor del movimiento Dogme 95, que mantenía la economía de elementos y el aspecto minimalista para generar una particularidad en la narración fílmica, nos ofrece esta historia que, desde mi punto de vista, ya se aleja un poco de estos ideales al incluir muchos elementos que están prohibidos dentro del movimiento.

Sin embargo eso no le resta la calidad a la producción que para algunos puede ser cruel, injusta y demasiado irrelevante y para otros, analizando trasfondos, puede encerrar muchos mensajes y través de la historia, la producción, el toque particular del director y la actuación carismática de Björk.

El aspecto del musical está incluido en la película reflejando el escape de Selma de su realidad, representado a través de cada sonido que ella percibe y de su increíble imaginación.

Lars Von Trier, es un especialista en retratar la crueldad, el descaro y el inexplicable morbo humano al extremo. Si creen que una película para ser buena debe tener el clásico final feliz y el éxtasis de la victoria, pues Dancer in the Dark no es una opción; pero si queremos adentrarnos y entrar en reflexión sobre lo inexplicablemente crueles e injustos que podemos ser, expresado a través de una cinta que incluye los musicales de forma llamativa, desarrolla diálogos espontáneos, genera encuadres sujetivos y nos ofrece una actuación interesante de mi hermana Björk (verdad memewolf) pues estoy seguro que Dancer in the Dark es una opción adecuada. Excelente película.

TOOLTOBAR

ESCENA DE DANCER IN THE DARK

Batman Begins (2005) por MEMEWOLF

2008-04-21T11:49:00.000-07:00

Después de haber sido víctima de los dos últimos chascos cinematográficos, dirigidos por el atacado y a la vez aclamado Joel Schumacher (Pues no debemos pasar desapercibido que mostró muy buenas propuestas como "un día de Furia" o "tiempo de matar”) pero que con Batman "en vive la vida loca parte III y IV...fue un total y ridículo fracaso.

Ahora nos sumergimos en una nueva visión más oscura y con una base más lógica y me atreviera a decir realista del director y escritor de la enigmática obra de arte "Memento" el cual nos entrega a los seguidores y no seguidores de el Héroe Gótico una nueva y muy apegada propuesta del Batman que se había olvidado.

Esta vez Nolan nos muestra la verdadera cara de Batman o mejor dicho de Bruce Wayne; sus enseñanzas, sus aliados y una de las cosas que le da más solidez a la historia: los temores y miedos que todos los humanos poseemos, creando una base sólida y mostrándonos la verdadera cara detrás de la mascara, permitiendo entendimientos lógicos, cómo de dónde salió el batimovil, su traje y hasta la respuesta del por qué llamarse Batman? dando más importancia al origen del personaje y no a los super poderes que ya conocemos, creando una ciudad Gótica más apegada a la decadencia de la vida real y no una ciudad más apegada a Schumacher "las vegas", y presentando enemigos más cerca a un carácter creíble que podemos tener a la par de nuestras vidas y sin saber que existen.

Un punto clave e inteligente es lo concreto del elenco, como el legendario Michael Caine como Alfred que trata de entender y proteger con su elegante presencia al propio Wayne, hablando de leyendas vemos a Morgan Freeman y Gary Oldman, dos actores de renombre creando personajes aliados que muestra que hasta un super héroe necesita ayuda, "con todo respeto" Liam Neeson se ve mucho más creíble y amenazador como el villano Ra's Al Ghul que como maestro jedi en Star Wars, Cillian Murphy como el enigmático Dr. Jonathan Crane es simplemente perfecto, ocultando su tremenda amenaza bajo una apariencia de fragilidad y demencia y por último Christian Bale como Bruce Wayne o Batman quien ha mostrado su talento en personajes desde niño, sobreviviente de guerra en "el imperio del sol", como un cazador de dragones en "Reign of Fire", el cínico asesino de "American Psycho" y de maníaco perturbado en "el makinista", que de paso es a mi opinión uno de los mejores personajes encarnados y trabajados a costa de todo obstáculo.

Fue sumamente sabia la visión del director el que haya elegido auténticos actores, y no meras estrellas de cine... bueno no quiero hablar de Katie Holmes como dicen: "hay dejémoslo así".

Ahora sólo se espera saber cómo se encarará la secuela de " The Dark Knight" , que muestre a un Guasón personificado de paso por el difunto y creo que ya inmortalizado con está cinta: Heath Ledger, igual de creible que el propio Batman, manteniendo la lógica y sólida historia y a la vez entregándonos una diferente visión mucho más moderna de las anteriores (aunque le tengo demasiado fé que juraría que será también un clásico).

Al final creo que no es comparar otras visiones desde comics hasta anteriores de cintas, si no al contrario un tributo a todo lo que rodea al superhéroe gótico y claro uno de mis directores favoritos que tuvo la suficiente visión y "resplandor oscuro" a pensar de no contar con tanto presupuesto y modernismo en la década de los 80's : "larga vida para".... Tim Burton.

Memewolf

TRAILER BATMAN BEGINS

A Clockwork Orange (1971) por TOOLTOBAR

2008-04-14T08:35:00.000-07:00

A Clockwork Orange

He decidido publicar un comentario acerca de una de mis favoritas de todos los tiempos. A Clockwork Orange es una de las muchas genialidades que el director Stanley Kubrick dirigió a lo largo de su carrera. Resultante de la adaptación de la novela Anthony Burguess escrita en 1962, fue conocida en español como La Naranja Mecánica, esta historia gira en la vida de Alexander DeLarge, interpretado por el increíble Malcolm Macdowell, considerado como un actor de culto por esta actuación.

Alex es un joven amante del gran maestro Ludwing Van Beethoven, viviendo una doble vida entre la familia, la escuela y la práctica de la ultraviolencia (robos, violaciones, atracos y desórdenes) junto con sus inseparables droggies, quienes gustan de salir al famoso bar moloko para planificar sus fechorías. En un hecho confuso Alex es capturado por la policía y es encontrado culpable de asesinato lo que le significará estar internado en una prisión de máxima seguridad.

En un intento desesperado de salir de prisión, Alexander encuentra la solución al ingresar a un tratamiento piloto del gobierno para curar de la violencia a reos peligrosos; pero Alexander tendrá que enfrentar un polémico método denominado Ludovico que le asegura la libertad en dos semanas pero cobrando una factura que no era esperada por nuestro protagonista.

Muy criticada en su momento por el exceso de violencia y escenas de desnudos que son simplemente la punta del iceberg de lo que en realidad la cinta es: UNA JOYA DE LA CINEMATOGRAFÍA MUNDIAL gracias a la impecable dirección del por siempre maestro Kubrick quien tiene en su hoja de vida varias producciones memorables como FULL METAL JACKET, 2001 A SPACE ODYSSEY, THE SHINING, LOLITA y muchas más.

La Naranja Mecánica es de esas producciones que por más años que pasen (estrenada en 1971) no envejece gracias a diversos elementos como la sicodélica y particular ambientación, donde no es difícil ubicarla en un lugar y época específica. Los personajes son casi caricaturescos pero con un enorme peso y razón dramática dentro de la historia, recuerdo muy especialmente a Michael Bates como el tiránico guardia de la cárcel. Los diálogos, muchas veces confusos por la particular forma de hablar de los droggies y otras veces densos como nos acostumbró Kubrick en muchas producciones.

La fotografía, impresionante con la utilización de severos encuadres y efectos que a pesar de su forma tradicional dejan una efectividad y nos regalan momentos impresionantes como la danza de los cristos de la mano del gran Van Beethoven, las orgías a mil por hora del supremo Alexander y muchas pero muchas otras… mis sinceros amigos.

Una película que ha quedado grabada en muchas mentes creativas en la actualidad y referente en innumerables producciones posteriores, La Naranja Mecánica es una infaltable pieza cinematográfica estrenada hace casi cuarenta años que conserva la frescura, la actualidad, la estética y la visión que adolecen muchas producciones actuales que al par de años de ser estrenadas ya están tres metros bajo tierra, sepultadas en la mediocridad y la falsa idea de lo que muchas casas productoras consideran como éxito.

Larga vida a Stanley Kubrick, Van Beethoven y su novena sinfonía, Malcom Mcdowell y su inmortal papel como Alexander Delarge y todos los afortunados que tuvieron algo dentro de la producción de la tan necesaria ultraviolencia; mientras, tomaré una muy buena bebida en el Moloko para tomar valor y seguir cantando bajo la lluvia.

TOOLTOBAR

SINGIN' IN THE RAIN

11:14 (2003) por MEMEWOLF

2008-04-14T08:31:00.000-07:00

Dirigida y escrita por Greg Marcks

Aunque siempre existirán algunas excepciones, cintas independientes son las que están siendo la "salvación" del cine actual. Estamos siendo castigados y destinados a ser víctimas de la mega máquina clonadora hollywoodense. Ahora es cuando más somos atacados por fenómenos mercadotécnicos anti-culturales que sólo buscan comercio y desprestigiar la pureza del séptimo arte.

Con un guión simple pero ingeniosamente narrado de forma fragmentada, al estilo que Tarantino que innovo en los 90's, pero con un punto clave (11:14 de la noche) que para poder deducirla o ordenarla...seremos atrapados curiosamente por hechos de distintos puntos de vista que combinando violencia, drama y humor negro que eventualmente revelan la historia completa del fatídico hecho.

Creo que la mejor forma de recomendar esta clase de películas es siendo lo más ambiguo posible de describirla, pudiendo dar así la oportunidad de apreciar mucho más ritmo que fluye visualmente hasta llegar a un mayor efecto de desenlace.

Claramente para algunos habrán demasiadas coincidencias sospechosamente convenientes, que serán demasiadas" coincidencias" en la historia pero es obvio que el guión no pretende retratar un mundo real, sino una parodia urbana que luzca a momentos o problemas que reflejan una seudosociedad cotidiana, siendo el guión tan bueno que podremos perdonar tal capricho de el director y guionista e incluso admirarlo.

Con personalidades del cine que se destacaron casi llegando al nivel de un icono como Patrick Swayze quien protagonizó al bailarín estrella en la cinta ochentena Dirty Dancing (baile caliente), la actriz también veterana Barbara Hershey que interpretó la película de terror de culto El Ente y ganadora de oscar por la cinta de Woody Allen; Ana y sus hermanas y la también por otro lado tenemos a la ganadora del oscar dos veces, Hilary Swank quien es utilizada como elenco secundario pero de base sólida para la producción con una muy irreconocible y patética apariencia física que le provoca un toque sátiro a la historia.

Para quienes quieran sumergirse en una psicodélica y eficiente cinta de suspenso audiovisual que emplea al máximo sus limitados recursos gracias a la firme dirección y un ingenioso guión, terminarán muy satisfechos con tal obra pero para quienes no les gusta "complicarse" y ver una cinta narrativamente lineal en la cual todo se lo dan en bandeja, ni se
molesten en ver ni siquiera la extra.

Memewolf

Lonesome Jim (2005) por MEMEWOLF

2008-04-14T08:24:00.000-07:00

Lonesome Jim
Director: Steve Buscemi

Buscemi después de llegar como una actor de culto y dirigir episodios de series de TV como Oz y Los Soprano se lanza como director de cine y nos entrega una historia existencialista que evita caer en el ordinario sentido dramático, ocupándose de una muy buena forma narrativa con toques de humor y esperanza la cual resalta el género discriminado por el público que rechaza a evitar ser víctima de la cara decadente de la realidad.

Jim (Casey Affleck) está de regreso en casa de sus padres mucho más patético y derrotado después un viaje el cual realizó para tratar de enfocarse en su vida personal y alejarse de toda la tensión provocada por su familia, aunque ahora de regreso se encuentra que todos esos problemas persisten aún más graves que nunca, aunque esta vez posiblemente encuentre un emotivo soporte: Anika (Liv Tyler), una enfermera madre soltera que posiblemente sea la cura a su infeliz mundo al inyectarle un antídoto llamado amor.

Aunque con un reducido pero buen elenco comenzado conv Casey Affleck como protagonista principal que comenzó su trayectoria en papeles secundarios trabajando para el director de culto Gus Van Sant en "To Die For" y la inolvidable "Good Will Hunting" en la cual actuó con su propio hermano Ben Affleck quien aunque comercialmente se ha vendido con mayor suerte no ha podido opacar la original y sublime forma de actuación de Casey, tomando un perfil muy propio para destacarse en un cine mucho más prometedor y vanguardista en medio de tanta basura cinematográfica.

A igual que Casey tenemos a la bella Liv Tyler quien actuó en los memorables videos de su padre y trabajar en un sin fin de películas sosas aparte de la trilogía de El señor de los anillos, comprueba que su belleza no impide que puede manejar muy bien una actuación simple pero creíble.

El género "seudo dramático" existencial que no pretende mostrarnos lo devastadora que puede ser la vida, que muchas veces los problemas emocionales sean incurables a igual que sublimes piezas como la inteligente Lost in Translation o y la virtuosa The good Will Hunting supieron exprimir magistralmente lo incomprensible del lado humano el cual muchos no aceptamos, haciéndolo digerible para servir como un escape a situaciones similares a nuestra vida, convirtiendo a un particular público de culto seguidor y atento a nuevas alternativas que sirven de consuelo y entretenimiento como Lonesome Jim. Esperemos que
sigan mentes sufridas haciendo historias optimistas.

Memewolf.

Trailer Lonesome Jim

The Shawshank Redemption (1994) por TOOLTOBAR

2008-04-14T08:14:00.000-07:00

The Shawshank Redemption

Allá por el año 1994, se estrenó una cinta que para muchos es desconocida, The Shawshank Redemption o “Sueños de Fuga” titulada en español, es un drama dirigido por Frank Darabont basado en el cuento corto de Stephen King "Rita Hayworth and Shawshank Redemption"; que a pesar de la mala fortuna de pasar inadvertida gracias al éxito de otras cintas como Forrest Gump, no le quita la calidad, la emotividad y la genialidad al expresar uno de los sentimientos más nobles del humano: La amistad.

Una amistad que se da en una situación aparentemente adversa y desafortunada para los protagonistas, en un lugar y en un ambiente poco propicio. La historia se basa en los desafortunados hechos de Andy Dufresne (Tim Robbin) un excelente profesional, astuto, inteligente y misterioso que es condenado por el doble homicidio, la pena: ir a la cárcel de máxima seguridad donde tanto reos como personal de seguridad son conocidos por su dureza.

Dentro de la cárcel Andy conoce a Red (Morgan Freeman) con quien desarrolla una particular y sincera amistad afrontando y viviendo experiencias frustrantes no sólo por los internos sino por parte de las mismas autoridades; pero a la vez experimentando momentos emotivos que llevan al espectador a un manejo de emociones confrontantes: Injusticia y justicia, desesperanza y esperanza, en pocas palabras un genial manejo.

La primera vez que vi la película me dejó impresionado con la solidez de la historia, el desarrollo de cada uno de los personajes, Morgan Freeman y Tim Robbin como siempre compenetrados increíblemente en sus papeles, ambos soportan a corruptos funcionarios, custodios abusadores, reos problemáticos y a pesar de eso logran encontrar momentos de fraternidad con los amigos y desarrollar una de las mejores puestas del concepto de amistad y superación humana como muy pocas cintas las han realizado hasta la fecha.

Bajo la batuta de Red como narrador, The Shawshank Redemption nos regala muchas escenas inolvidables así como frases memorables como la expresada por Red ante la música sonando clandestinamente en los altavoces de la cárcel:

“Hasta el día de hoy no sé lo que cantaban esas dos italianas. La verdad es que no quiero saberlo. Algunas cosas son mejor no saberlas. Me gusta pensar que cantaban sobre algo tan hermoso que no puede ser expresado en palabras y hace que tu corazón te duela por ello. En serio te digo que esas voces llegaron tan alto y tan lejos como ninguno jamás imaginó en un sitio tan gris. Era como si un pájaro precioso entrara en nuestra jaula horrible e hiciera que estas paredes desaparecieran, y por un momento muy corto todos los hombres de Shawshank se sintieron en libertad”.

El final para mi gusto uno de los más emotivos que he visto; así como un trato espectacular de la naturaleza de superación y la esperanza a través de una amistad. Son de esas películas que a pesar de su duración uno queda pidiendo más por la calidad que posee en todos los niveles.

TOOLTOBAR

Brick (2005) por MEMEWOLF

2008-03-27T10:00:00.000-07:00

Director: Rian Jonson

La pulsera del cadáver de Emily reflejada de colores por la luz de una tenue mañana, reposando en la tranquilidad de el agua y de los arbustos nos muestra no el comienzo de la historia sino mas bien el porqué Brendan (Joseph Gordon-Levitt) no pedirá ayuda profesional al encontrarla y preferirá investigar personalmente los indicios del crimen de su ex novia por su propia cuenta...

Así comenzamos a conocer una serie de personajes tan particulares y sumergidos en un enigmático y podrido mundo de rencías, drogas y libertinajes, de una serie pistas y causas por supuestos cómplices o posible culpable del crimen.

Tras paredes y lugares escondidos que en base de una desolada escuela donde se esconde la otra cara de la vida llena estudiantes sumergidos en el mundo de la droga no menos llenos de energía que la de un cadáver y sobresalientes simbologías desde un fondo musical tan sublime que nos manipula emocionalmente, desenfrenadas imágenes violentas y una cara deprimente encargada de hacerlo de una forma tan sutil y psicodélica que mezcla un género "noir" con un ingenio de visión moderna, la cual deleitará a un público que necesita nuevas muestras de cine, no a lo que varios se sientan egocéntricos por ver "cine de arte" y más bien de poder encontrar una nueva experiencia para un público no tan casual y emocionado de poder digerir.

Una muy buena pieza de cine independiente fuera de recursos baratos o rayados que sólo lo hacen para llamar la atención de los premios Oscar.

Con un elenco novato pero sumamente concreto y muy prometedor desde actores como Lukas Haas quién trabajo a la lado de Harrison Ford en "Witness" y Joseph Gordon-Levitt protagonista del programa cómico telévisivo "3rd Rock from the Sun" quienes ambos trabajaron desde niños y que su evolución les a dado la oportunidad de destacarse en los últimos años en cintas tan extrañas como sus papeles y que como anteriormente prometen mucho como varios actores y actrices que han despegado de interpretar papeles de niños y ahora se concentran en proyectarse en una nueva faceta.

Brick que nos muestra que el antiguo género "noir" con delicadas situaciones de misterio, violencia y drama ha evolucionado siempre dentro de un ambiente de pesimismo fatalista y finales no tan felices que conservan sus detalles y sus características aunque con un toque muy modernista tanto en lo visual, como narrativa y técnicamente siguen trascendiendo inmortalmente.

Muy buena dosis prometedora a culto.

MEMEWOLF

TRAILER DE BRICK

Bubba Ho-Tep (2002) por TOOLTOBAR

2008-03-12T10:22:00.000-07:00

Bubba Ho-Tep
Dirigida por Don Coscarelli

En realidad, considero a Bubba Ho-Tep, dentro del Top 10 de películas que podría generar una reacción violenta dentro del público en las salas de cine acostumbradas a súper héroes, villanos brutales, lucha por la injusticia y lucha de los ideales de cada uno de los personajes.

Pero, ¿Acaso Bubba Ho-Tep, no posee esos elementos? CLARO QUE SÍ!!!

Trataré de darles una descripción y unificarlo con la historia que se desarrolla en la cinta. Tenemos a dos héroes: En primer lugar está el gran Elvis Presley ya en el ocaso de su vida, con problemas con las enfermedades venéreas, con la cadera fracturada, con severos problemas de disfunción eréctil, deprimido por lo que dejó de hacer a costa de su carrera. Al otro extremo, al Presidente Kennedy sobreviviente de múltiples atentados y encubierto a través del genial plan de teñirle la piel de negro para pasar desapercibido ante sus conspiradores. Ambos están recluidos en una casa de ancianos, en algún lugar de Texas, llevando una vida “normal” para cualquier persona con este perfil.

Dentro de su rutinaria vida de tratamientos, comida y conversaciones no tan gratificantes, descubren que el asilo está siendo atacado por una extraña momia cowboy, que succiona el alma de sus víctimas a través de cualquier orificio corporal (teniendo uno de especial predilección) al percatarse, Elvis y Kennedy, deciden salvar a todos los habitantes de semejante monstruo.

La mesa está servida para una de las más ingeniosas producciones en estos últimos años. Bubba Ho-Tep, no representa la redefinición de estilos, por el contrario, ofrece las mismas líneas que se han desarrollado dentro de la cinematografía mundial: Un poco de comedia, un poco de drama, un poco de suspenso y un poco de reflexión. Lo ingenioso de esta cinta es la curiosa mezcla que se da para lograr que la producción me haya dejado con un rostro de satisfacción.

Personajes muy sólidos, actuaciones que rondan la genialidad gracias a los estupendos Bruce Campbell como Elvis y Ossie Davis como JFK y una historia que fuera del humor “incompresible” que puede mostrar o las predecibles acciones de los personajes, encierra muchas ideas de fondo y reflexión haciendo más gratificante la experiencia.

Por otro lado he visto escenas memorables como “la pelea de Elvis Presley con la cadera quebrada” que ni la mejor secuencia de Matrix puede superar el nivel de entrega mostrado por Elvis; así como el mejor conjuro destruye momias en la historia del cine (elaborado por el presidente Kennedy afroamericano).

Elvis tiene dos grandes decisiones: puede quedarse postrado en su cama, lamentándose de la vida que pudo llevar, viéndose el grano que tiene en sus genitales mientras la enfermera le da el tratamiento, renegando de su falta de erección en décadas y de lo cruel que fue con su familia al no prestarle la atención que se merecían o, puede embarcarse junto con un presidente Kennedy afroamericano a la peligrosa misión de destruir una momia con botas y sombrero, desesperada por succionar almas, que está poniendo en peligro la vida de todos sus compañeros de hogar. Qué más da… vamos por la segunda opción y tenemos como resultado Bubba Ho-Tep. Genial Película.

Sólo me queda por decir que acá está una del Top ten de cintas peligrosas para las salas de cines comerciales.

…y recuerden: …Never... never F%&# with the king!!!!!

Tooltobar

TRAILER BUBBA HO-TEP

The Darks Hours (2005) por MEMEWOLF

2008-03-12T09:24:00.000-07:00

The Dark hours.
Director: Paul Foxs

"The dark hours"... "literalmente" sería titulada LAS HORAS OSCURAS en castellano por ser una de esas joyas valiosas independientes escondidas en rentas videos como piezas de culto como May, Frailty o Subject two que jamás pudieron llegar a las carteleras de cine locales. Junto con eso, destruyendo el concepto verdadero de la cinta con obvios nombres que lo que hacen es revelar tramas y sorpresas del guión o confundirlo con nombres tan ineptos: "Muñeca diablolica" a la ya clásica de culto MAY…

Dejemos lo editorial y vayamos a lo historia: La psiquiatra Samantha Goodman (Kate Greenhouse) trata de lograr su objetivos terapéuticos con sus pacientes: desde violadores, esquizofrénicos y hasta asesinos seriales, a costa de un no tan ético y profesional método, el cual le podría ocasionar problemas en su carrera y su vida aunque el mayor y principal problema
no sea ése, sino la lucha con un tumor cerebral que aumenta como una bomba de tiempo en su cerebro.

El terror psicológico de joyas de terror independientes de culto tales como "May", "Frailty" o "Ginger Snap" han inspirado y dado continuidad a purificar este género con bajos presupuestos, pero con un alto potencial de argumentos, ideas, historias y elenco. A pensar de ser una visión de terror psicológico, no descuida el punto humano y dramático, claro, con "gore" y violencia como sazonador.

Esta producción comprueba que dentro de tantas mediocres cintas independientes y prometedoras cintas comerciales hollywoodenses se encuentran aún material que demuestra que el suspenso y el terror son de los géneros más descuidados, pero no olvidados por una visión fresca y prometedora de talentosos cineastas independientes que se “rebuscan” por darnos buenas obras de culto.

Es una "bendición" que en una buena historia muy estructurada con desenlaces inesperados esté fundamentada por una excelente base de elenco, digamos sacado de la manga, para darle un mayor potencial sin necesidades de pagar millones a actores de renombres que algunas veces lo que provocan es ser robar protagonismo y desencantar el verdadero trama, en este caso se encuentra un muy buen potencial de actuación de parte de actores, arbitrariamente desconocidos a los de hollywood, pero con una ansiosa y natural riqueza de establecerse fijamente en su personaje. Muy buenas actuaciones.

MEMEWOLF

Last Life in the Universe (2003) por TOOLTOBAR

2008-01-15T07:11:00.000-08:00

Last life in the universe, 2003. Es una producción tailandesa-japonesa dirigida por Pen-ek Ratanaruang, que en lo particular me ha llamado mucho la atención porque he visto muchas películas europeas y norteamericanas que abordan conceptos similares y al final lo más que podemos tener es una anestesia general para alguien que padezca de insomnio. Este no es el caso de Last Life in the Universe.

En la historia encontramos a Kenji (Asano Tadanobu), un bibliotecario obsesionado completamente con el orden en su casa, adicto a la lectura y con ideas suicidas que ya son comunes para él y para los pocos seres con los que relaciona. Por otro lado, tenemos a Noi (Sinitta Boonyasak), una chica completamente opuesta al carácter de Kenji, conflictiva, temperamental y desordenada, sus aspiraciones son las de encontrar un lugar de trabajo en Osaka y tener una opción en su vida.

Por azares del destino las vidas de los personajes se mezclan y comienzan una relación muy particular donde el complemento y la tolerancia marcan la armonía de cada uno de ellos, rompiendo con la idea que para que alguien se lleve bien con otra persona, ésta debe ser igual para evitar conflictos.

El ritmo de la película es tenue y sensible tratando de adentrarnos en la personalidad de cada uno de los personajes. En la etapa del conocimiento del personaje de Kenji la saturación y el tedio predominan con la intención de mostrar lo agobiante e inseguro que es el mundo de Kenji, claro está, sin descuidar elementos como composiciones, simbolismos y fotografías muy ricas para balancear y generar un ambiente caótico pero a la vez y gratificante.

Y es acá donde encuentro la gran virtud de esta producción, que en un ambiente lento, minimalista, con personajes caóticos y depresivos, tenemos una cinta que, lejos de aburrirnos, es muy agradable en diálogos y rica en el aspecto visual, donde cada encuadre está cuidado, cada diálogo ayuda a comprender a nuestros personajes y a cubrir situaciones a través de simbolismos.

Por otro lado tenemos el desarrollo de una historia de afecto entre los personajes que rompe con los tradicionales besos y demás clichés acostumbrados a mostrar en muchas producciones. A cambio tenemos una relación de incomunicación donde el hecho de sentirse bien es lo más determinante para Kenji y Noi.

DICHA, es una de las frases favoritas de Kenji y aprovecho también para retomarla como el sentimiento que me despertó esta película desde la primera vez que tuve la oportunidad de verla. Muy recomendable.

TOOLTOBAR

Subject Two (2006) por MEMEWOLF

2007-11-09T13:02:00.000-08:00

(subject two)
Director: Philip Chidel (2006)

Una fórmula que no es nueva, pero sí muy utilizada últimamente, es el poder lograr muy bien fusionar e equilibrar el terror y el drama creando una atmósfera mucho más concreta y haciendo el fundamento narrativode terror más sólido.

Adam, un estudiante de medicina considerado incompetente por los maestros, quienes creen que la mejor opción es echarlo a la calle de la universidad donde estudia medicina, pero existen personas mucho más interesadas en su carrera, uno de ellos es el enigmático Dr. Vick, quien en el momento adecuado le propone una excelente oportunidad de trabajo de su proyecto que lleva perfeccionando por años, aunque lo único desventajoso del caso es tener que trasladarse hasta la punta de una desolada montaña donde jamás termina de nevar y pasarán totalmente incomunicados con el mundo exterior.

Suena sencillo, pero dentro de esta sutil historia es fríamente desencadenado un pausado pero feroz concepto y una muy lúgubre explicación de lo importante que es el significado de la vida y lo agonizante que es ser víctima de la muy soñada inmortalidad la cual como ser humano deseamos tener pero que no nos percatamos que al final de "la muerte es un punto que une el ciclo de la misma vida".

Al ser una muestra de bajo presupuesto con un elenco reducido, demuestra nuevamente que lo fundamental del cine es una buena y bien narrada historia con una buena actuación desempeñada y sin necesidad de adornos digitales innecesarios que grandes productoras gastan por ser engañados por "mega proyectos" de directores sin ninguna buena idea que sólo ocupan el presupuesto para mal gastarlo en un desfile de efectos digitales y elencos famosos que ceden sólo por ganar el money hollywoodense.

Es irremediable que para cierto público la violencia y la sangre les desagrade y les sean tan incómodas de soportar y quizás hasta perturbadoras, para muchos nos será inofensivo y claramente transcendente y que es muy necesario como sazonador en la evolución del esperado desenlace, pero como repito hay una fórmula utilizada que retoma la narración dramática necesariamente sólo como un fundamento y son el terror y suspenso los que predominarán en la obra.

Claramente igual son piezas entre lo independiente que si no nos rebuscamos por obtenerlas en dvd, jamás las podremos apreciar.

memewolf

The Machinist (2004) por MEMEWOLF

2007-11-08T11:30:00.000-08:00

El maquinista (The machinist)
Director: Brad Anderson 2004

Hay miles de formas de paranoia en las cuales estamos sometidos a ser propenso y son infinitas y invendibles las explicaciones como fueron construyéndose y siendo parte de una realidad alterna en nuestra mente humana, es muy sabio quien por si mismo encontrara perfectamente cuál fue la inclinación y el inicio tal perturbación mental si logra descifrar y poder encontrar la respuesta del indicio.

El solitario Trevor Reznik (Christian Bale) un trabajador humilde perteneciente a una fábrica industrial ha llegado en el peor momento de su vida por ver y ser perseguido por personas que no reconoce, situaciones e imágenes que no logra entender, hasta llegar a una postura depresiva la cual lo ha consumido raquíticamente hasta llegar a ser irreconocible físicamente.

Es así como la vida de Trevor se convertirá en un acertijo en el cual encontrará pistas y huellas las cuales le ayudarán a reconstruir un rompecabezas y poder descubrir a tiempo para no ser consumido por un mundo que posiblemente sea real o ficticio. Comprendido casi sólo por una amiga prostituta (Jennifer Jason Leigh) con quien relaja por un momento su sofocante ansiedad y por una mesera quien posiblemente sea la clave de su enigma.

Pocos actores puede ser tan versátiles en dominar miles de personalidades en sus papeles como el mismo Jonny Deep, en este caso Christian Bale lo demuestra también que desde encarnar "a un niño traumado y perdido" en la primera entrega que enfoca de un punto de vista propio de la segunda guerra mundial por el veterano del séptimo arte Steven Spielberg, llegando bruscamente a ser "Patrick Bateman" un psicópata asesino serial de la novela ochentera de Bret E. Ellis "American Psycho", hasta hacer del propio Batman de Christopher Nolan creador de la obra maestra "Memento" (que de paso lo tendremos en la secuela "The Dark Knight" para el 2008 siempre a Christian Bale como Bruce Wayne BATMAN ), nos demuestra una vez más un majestuoso trabajo en base de un personaje desde su enflaquecida apariencia hasta su perfecta lúgubre actuación (que de paso como otras buenas actuaciones han sido ignoradas por la "real academia del cine".

Muy buena dosis para quienes buscan el género oscuro y enigmático con giros de 180, muy influenciado por joyas de cine como memento, the dark hours y la desapercibida frailty de Bill paxton.

memewolf

Last Days (2005) por MEMEWOLF

2007-10-26T07:53:00.000-07:00

La enigmática muerte del legendario icono del grunge y rock alternativo Kurt Cobain, que marcó el nacimiento de este movimiento al igual que su decadencia con el supuesto crimen o indeterminable suicidio que despertó tantas especulaciones de su excéntrica esposa, los medios de comunicación y hasta amigos que aún sostienen varias hipótesis.

Gus van Sant, el mismo que nos entregó la interesante y brillante "The good Willl Hunting" ganadora por mejor guión original por manos de Matt Damon y Ben Affleck, el remake calcado de la obra maestra de Alfred Hitchcock "Psycho" y "Elephant" , la parodia que mostraba con su propia interpretación los asesinatos de la escuela de Columbine, está vez el director nos presenta una visión de los posibles últimos atormentados días de vida de Cobain disfrazado por el nombre ficticio de la estrella de rock Blake, utilizando un tiempo desincronizado (similar a Elephant), el cual debemos ordenar, además de enfoques de momentos nefastos del mundo depresivo y subversivo, el cual nos da la pauta por el cuál era infeliz pero no el punto verdadero de la causa de su muerte.

Con una muy convincente apariencia física al icono del movimiento grunge: Cobain, el actor Michael Pitt nos permite poder transportarnos o imaginarlos como fueron sus últimos días antes de la su muerte a igual que sus compañeros de banda que dejaron de existir sin él. Aunque comprenda la estructura de dirigir de Van Sant creo que para muchos no les será grato poner imágenes incomodas que vuelan polémica, pero bueno es una característica de caprichoso estilo por veces muy irrelevante para la historia principal.

Posiblemente, los seguidores de la banda Nirvana quedarán decepcionados con está parodia muy lenta y lúgubre en su recorrido pero sólida en sus imágenes las cuales nos muestra pistas, visiones y enigmas sin ninguna respuesta concreta de su muerte, así que no esperemos ver conciertos ejecutando "Smells Like Teen Spirit" y quebrando instrumentos, romances y hasta imágenes de la infancia de Cobain que posiblemente las personas esperen para poder descifrar la postura depresiva de donde proviene, tal como ocurrió en la cinta "The Doors", una sublime obra maestra de Oliver Stone ignorada por los críticos de la “real academia de cine” a igual la interpretación magistral de Val Kilmer como Jim Morrinson. Hoy sólo nos queda esperar por ver una cinta adaptada en la muerte de otro legendario vocalista y su banda pionera del movimiento noventero alterno, Blind Melon, el inadaptado también Shannon Hoon, que en paz igual que Cobain descansen en algún lado haciendo sonar su música.

Memewolf

VIDEO DE PAGODA "HAPPY SONG" DONDE MICHAEL PITT ES EL VOCALISTA DE LA BANDA. DISPONIBLE EN DVD DE LAST DAYS

The Devil's Reject (2005) por MEMEWOLF

2007-10-25T15:34:00.000-07:00

La veterana estrella y leyenda del metal industrial y caricaturista "anónimo" Rob Zombie ha evolucionado de su etapa musical y plástica para abordar otra corriente artística de la cual el mismo confiesa que siempre estuvo motivado: el cine de terror.

Los despiadados asesinos seriales Otis (Bill Moseley), la hermosa Firefly (Sheri Moon, esposa de Rob Zombie) acompañados del "carismático Capitán Spaulding" (Sid Haig) escapan después de ser rodeados por un escuadrón de policías a cargo del Sheriff John Quince (William Forsythe) quien busca venganza por la muerte de su hermano y quien está dispuesto hasta vender su alma por la cabeza de estos tres dementes quienes jamás se imaginan que está vez ellos serán las víctimas de un demonio mucho más lleno de odio y locura.

Después de su primer intento "House of 1000 Corpses" como debut siendo una muestra no tan grata para los "críticos de cine en general" pero si para un grupo seguidor del gore y terror, Devil’s Reject nos ofrece está vez una diferente y perfeccionada experiencia tomando personajes y parte de la historia anterior pero con mucha madurez en sus personajes y un argumento mucho mejor estructurado elementos que la anterior no los contenía, la película apunta a ser una buena pieza de gore que como siempre nos dejará satisfechos a los seguidores del género y a lo mejor con síntomas de repugnancia a cierto público “pussy”. Con una mayoría de elenco de culto como el mismo Sid Haig como "Capitán Spaulding", Sherry Moon, actriz fetiche de su querido esposo, hasta papeles secundarios personificados por ya renombres de culto del cine como Danny Trejo (actor fetiche de Robert rodriguez), Michael Berryman de la original The Hills Have Eyes, y el gigante Matthew McGrory que de paso fue su última cinta en que trabajó por lo cual Rob zombie la bautizó en memoria de él.

Muy buena dosis para quienes saben y disfrutan de ver la verdadera cara inmoral y nefasta que oculta el ser humano y seguidores de las cintas gore con una nueva visión más moderna. Inexplicablemente en nuestro país no se exhibió y sólo la pudimos disfrutar en DVD y recientemente en la programación de la televisión por suscripción.

Memewolf

Death Proof (2007) por TOOLTOBAR

2007-10-22T13:43:00.000-07:00

Death Proof 2007, es el nuevo proyecto del director de culto Quentin Tarantino quien junto al también director Robert Rodríguez, trabajaron la idea del GRINDHOUSE a modo de rendir un tributo a las películas serie B slasher, gore y de otros subgéneros del cine de terror.

El término grindhouse era utilizado para referirse a las salas de cine, en los Estados Unidos allá por los 70’s, donde se proyectaban películas de este tipo, generalmente en dobles y en condiciones que ahora en nuestros días son impensables.

Death Proof es la segunda parte del proyecto, luego de estreno de Planet Terror (Robert Rodríguez) unas semanas antes. La historia de Death Proof se desarrolla alrededor de un particular asesino llamado Stuntman Mike (Kurt Russell) quien vive acosando y asesinando a chicas atractivas de las maneras más descaradas, propias de un tipo con estos problemas; el arma favorita de Mike: su vehículo.

Pero la vida no siempre es como se desea incluso para nuestro asesino y tendrá que enfrentarse a una pandilla de chicas que luego de ser perseguidas, se convierten en perseguidoras de Stuntman Mike.

El film para más de algún machista podría resultar incomodo y hasta increíble, pero de parte de Quentin ya estamos acostumbrados a las heroínas que no le temen a nada (Kill Bill y Jackie Brown) y en esta ocasión no será la excepción.

Es llamativo dentro de la cinta que a través de varios trucos se le dio el toque de bajo presupuesto, donde la edición de audio y video junto con otros aspectos técnicos no eran cuidados. Así que cuando tengamos la oportunidad de ver esta película y encontremos una salto abrupto de audio y un salto de edición, no lo consideremos como un error de Tarantino… ESTAMOS EN EL GRINDHOUSE.

Quentin Tarantino como director, sigue mostrando ideas interesantes. El guión se conjunta con una dirección envidiable. A esto incluyamos una banda sonora que nos transporta a esos ambientes y tenemos una cinta extrema que no permite puntos intermedios: O no te gusta o, por otro lado, te maravilla… yo me incluyo en los segundos. Muy buena y sólo tendría algunas observaciones con algunos diálogos que, incluso creyendo que forman parte del toque de este tipo de películas, me resultaron irrelevantes. Una de las cinta que tanto esperé, junto con mi hermano MemeWolf, desde el momento que se mencionó la idea descabellada de unir los talentos de Quentin Tarantino y Robert Rodríguez en GRINDHOUSE

SOUNDTRACK DEATH PROOF

1-The Last Race - Jack Nitzsche
2-Baby, It's You - Smith
3-Paranoia Prima - Ennio Morricone
4-Planning & Scheming - Eli Roth & Michael Bacall
5-Jeepster - T Rex
6-Stuntman Mike - Rose McGowan & Kurt Russell
7-Staggolee - Pacific Gas & Electric
8-The Love You Save (May Be Your Own) - Joe Tex
9-Good Love, Bad Love - Eddie Floyd
10-Down In Mexico - The Coasters
11-Hold Tight - Dave Dee, Dozy, Beaky, Mick & Tich
12-Sally and Jack (From the Motion Picture Blow Out) - Pino Donaggio
13-It's So Easy - Willy DeVille
14-Whatever-However - Tracie Thoms & Zoe Bell
15-Riot In Thunder Alley - Eddie Beram
16-Chick Habit - April March

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Tooltobar

American Beauty (1999) por TOOLTOBAR

2007-10-22T08:19:00.000-07:00

American Beauty 1999, Es una película dirigida por Sam Mendes y narra la historia de una peculiar familia norteamericana compuesta por Lester (Kevin Spacey), Carolyn (Anette Benning) y Jane (Thora Birch) quienes enfrentan diferentes problemas propios de su edad o condición.

Por un lado tenemos a Lester un esposo y padre de familia considerado por su esposa e hija como un completo perdedor. Carolyn una mujer con una obsesión del qué dirán los demás y Jane una adolescente… bueno ya nos imaginamos los problemas, propios de su edad, que tiene el pequeño retoño de la familia Burnham.

Al comentarla así podemos decir que no hay nada nuevo en esta película, pero si a esta familia le agregamos: actuaciones sólidas y con un protagonismo dentro de la historia, personajes que entran en sus vidas y toman un buena tajada de la misma, un guión, diálogos, simbolismos, una banda sonora y fotografía espectacular, tenemos como resultado una cinta que por más veces que la pongo en mi DVD no deja de gustar.

Kevin Spacey ¡¡sin palabras!! en el papel de Lester, el esposo cuarentón que viven un matrimonio de apariencias, cansado de su trabajo, buscando un “segundo aire” dentro de su vida, juega perfectamente con una contrastada actuación que nos lleva de un diálogo dramático pasando una risa cruel y terminando con una profunda reflexión.

Y alrededor de él personajes igual de complejos: Ricky (Wes Bentley) como el completo freak que tiene de vecino. Angela (Mena Suvari) interpretando a la aparentemente segura amiga de Jane y la lista podría continuar y continuar.

Muy recomendable para personas que gustan de las historias sólidas, personajes muy bien estructurados y claro, sin olvidar aspectos técnicos como fotografía, música y edición, entre otros.

Una de las mejores producciones de la última década.

SOUNDTRACK AMERICAN BEAUTY

1.Dead already
2.Arose
3.Power of denial
4.Lunch with the king
5.Mental boy
6.Mr. Smarty man
7.Root beer
8.American beauty
9.Bloodless freak
10.Choking the bishop
11.Weirdest home videos
12.Structure & discipline
13.Spartanette
14.Angela undress
15.Marine
16.Walk home
17.Blood red
18.Any other name
19.Still dead

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Koyaanisqatsi: Life out of balance (1983) por TOOLTOBAR

2007-10-17T16:00:00.000-07:00

Koyaanisqatsi: Life out of balance 1983, es en realidad una joya dentro de la cinematografía mundial. En un formato de documental de carácter impresionista, se desarrollan los conceptos de las profecías Hopi, nativos norteamericanos que juegan entre los dilemas del equilibrio-caos y el desbalance que significa para el planeta el desarrollo humano.

¿Por qué digo que es una joya? tengo varios argumentos. Muy pocas películas logran manejar con tal magnitud la emotividad con sólo elementos de musicalización y edición de imágenes. Aprovecho para recalcar que la producción no tiene ninguna locución, ningún actor, textos (bueno, sólo al final de la película , cuando estamos desarmados e incrédulos ante tal depliegue de talento). Una edición de imágenes espectacular donde se maneja la intencionalidad aprovechando recursos de la época. Se demuestra que para lograr estos resultados no es necesario un despliegue de efectos especiales que a la larga terminan siendo tan vacíos como los argumentos de las mismas. Por otro lado la musicalización de carácter minimalista es única ya que sin tantos rodeos mueve y da el ritmo al grado de transmitir hasta la menor intención de los creadores.

Dirigida por Godfrey Regio y musicalizada por Philip Glass, Koyaanisqatsi es la primera de una trilogía donde debemos incluir luego a Powaqqatsi: Life in Transformation 1988 y Naqoyqatsi: Life as war 2002.

Es una completa evolución la que se plasma en la producción donde un mundo que fue creciendo, llenándose de vida hasta toparse con un ser que más de alguna vez le ha jugado una mala pasada: El humano. En la primera parte del documental, es una armonía casi divina de un mundo que evoluciona puro, sin mayor injerencia hasta que aparece el humano con todos los adelantos tecnológicos ubicándolo en la punta de la evolución: el desarrollo de grandes ciudades, aparatos y tecnologías que siglos atrás eran concebidas sólo en sueños y en la imaginación de algún loco inventor. Junto con esto, aparece el movimiento y la saturación que implica este desarrollo que sólo podría justificarse como una completa coreografía entre adelantos tecnológicos, desarrollos culturas y la expansión de toda la humanidad alrededor del mundo contra los costos que significan para la tierra y para la misma. La secuencia final: sin palabras, es algo genial que sólo lo podría resumir con la siguiente frase: “A pesar de todos los adelantos tecnológicos y toda la expansión, recordemos que este planeta nos cobrará una factura que puede ser muy costosa” y como menciona la profecía Hopi: “Excavar riquezas de la tierra es cotejar al desastre”.

Muy recomendable para el cinéfilo que quiera experimentar y entrar en reflexión sobre estos temas de manera muy pero muy diferente.

Soundtrack Koyaanisqatsi (Philip Glass)

1. Koyaanisqatsi
2. Organic
3. Cloudscape
4. Resource
5. Vessels
6. Pruit Igoe
7. The Grid
8. Prophecies

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Tooltobar